Последние новости

«Last Work» - вектор из мгновений
2015-05-24 19:03

"Last Work" - новая работа хореографа Охада Нагарина для ансамбля «Бат-Шева», мировая премьера которой пройдет 1 июня 2015 года в тель-авивском центре танца «Сузан Далаль».
Движение - нота, звук - поворот, вибрация струны – изменение, бег на месте, словно пером завивающийся вихрь; соло, дуэт, трио, ансамбль. На сцену выходят все 18 танцовщиков «Бат-Шевы», меняются музыка, цвет, свет, костюмы. Разбросанность цветовых пятен переходит в минималистскую черно-белую шрифтовую графику танца. Текучесть разноцветных эмоций, нарочитая расхристанность, пытками повторений выработанная бескостность становятся лаконичной строгой стылостью масок трагедии и комедии, а под конец – хаосом, скрепленным непрочной лентой. Финала нет, как и нет ответов на вопрос «а что будет потом, после нас?» «Last Work» - последняя по хронологии, но не заключительная, не финальная - не опасайтесь, не переживайте зря - работа Охада Нагарина, его новый балет, новая постановка для ансамбля «Бат-Шева», еще одна ступень осмысления того, что может танец, что можно в танец, в какую степень возводится красота движения. Бесконечность выдумки, множественность вариаций, жестов, поз, возведенные в превосходную степень музыкой и потому образующие море, поток, реку, течение и движение которой уносит с собой и танцоров и зрителей к новому пониманию того, что такое танец.

«Last Work». Фото: Аркадий Мазор


Как и другие балеты Охада Нагарина «Last Work» поначалу чудится овеществленным сном, но потом, сквозь муть туманных дымовых видений проявляется выкристаллизованная чистая и четкая линия, струна вектора времени, на которую нанизаны истории каждого, или история всех, рассказы, а может и сны – хотя нет, это не сны, а скорее явь, наша реальность, прошлое и будущее, к которому мы стремимся в постоянном движении, бегом, как танцовщица-бегунья все 65 минут действия, не прекращающая ни на секунду свой бег к ускользающей цели, бег в облаке развевающего небесной синевы платья, бег богини победы Ники – крылатой богини силы, скорости и победы, стрелы которой должны точно поразить цель. А вот есть ли цель? На этот вопрос вопросов нет ответа в «Last Work» - но есть направление движения к нему.
Не думаю, что во всем
виноваты деньги, бег времени или я.
Во всяком случае, не менее вероятно,
что знаменитая неодушевленность
космоса, устав от своей дурной
бесконечности, ищет себе земного
пристанища, и мы - тут как тут.
Иосиф Бродский. «На виа Фунари». 1995







Фото: Аркадий Мазор

На переднем плане гибкий, как водоросль в играх волн, танцовщик выходит из собственного тела как из раковины: взгляд, неспешность, отстраненность, дыхание, касание – и взрыв, искры которого разлетаются в насыщенном ожиданием зале под звуки рыданий колыбельной на румынском языке, под колкие проникновения музыки электронной, написанной молодым немецким композитором Гришей Лихтенбергером, впервые придумавшим музыку по заказу вообще – и не к видео-арту, чем он обычно занимается, а к полноценному сценическому действию, балетной повести, ассоциации при прочтении- проглядывании которой ведут кого-то к Пине Бауш, кого-то к атлетике. К повести, где рассказывается об армии и религии, эгоизме и музыке, о мире, где черное и белое идут вместе, как угрюмость и легкость, сумрачность и свет. В повести о мире, на который нас приглашают взглянуть.

«Я всегда работаю так, чтобы каждый отрывок, каждое мгновение моих балетных спектаклей было полноценным и завершенным номером, - говорит Охад Нагарин. - Я связываю эти осмысленно-цельные сцены в длинный рассказ, никогда не заканчивающийся. Рассказ, в котором движение и время, белое и черное соединены в композицию из мгновений».
Время в этом балете растягивается, а затем в какой-то момент переходит к другой шкале измерений – громкой и виртуозной. А в каких-то других частях балета ткань времени более тонкая, просвечивающая. Танцовщица-бегунья прядет нить из мгновений, создает чувство непрерывности. Возможно то нить Ариадны, помогающая выйти из лабиринта засасывающей окружающей реальности в реальный мир каждого из нас. Для участия в «
Last Work» особый тренер занимался с 4 опытными танцовщицами, готовя их к этой «атлетической» задаче – бегу на беговой дорожке в течение 65 минут, бегу, превращаемому в стрелу на пути к цели.




Фото: Елена Запасская

Охад Нагарин: «Я люблю исследовать новые пространства игры для каждой постановки с их кодами и правилами, а затем предлагютанцорам эти коды и правила в рамках иного пространства. Мне нравится наше время высоких технологий, последние дни до премьеры, последние приготовления перед выпуском работы на сцену, невероятного напряжения, когда нужно найти правильное взаимодействие между всеми элементами в каждый момент постановки. Мне нравится, что в хореографии процесс ее восприятия продолжается спустя много дней после премьеры, хотя само движение уже ушло, растаяло во времени».

Интересно, что 32-летнего композитора Гришу Лихтенбергера, родившегося в Вестфалии и живущего ныне в Берлине, Охад Нагарин нашел случайно – прослушивая записи музыки в интернете. Лихтенбергер (http://grischa-lichtenberger.com) - самоучка, исполняет свою музыку по клубах и на концертах, и говорит сам о себе, что создает не музыку, а искусство, занимаясь также и живописью и видео и «переоценкой ландшафта, как того места, где мы живем». Функциональность – не для него, а вот свобода творчества и выражения, эмоции его парадоксального и честного «звукового дизайна» настолько сильны в его музыке, что неудивительно, что он создал саундтрек для «Last Work» всего за три месяца. «Я люблю время, потраченное на создание саундтрека для работы, - говорит Нагарин. - Хотя танец не зависит от музыки, время создания музыкального ряда чем-то похоже на многочасовые медитации, где идеи могут посетить вас сами по себе».


Композитор Гриша Лихтенбергер. Фото - Аркадий Мазор

Бег времени – популярный, даже расхожий термин. Как передать его философскую суть, символьность через физическое движение танцовщиков на сцене? Как нарисовать его мазками света, обозначить в танце? Куда исчезает время, куда бежим мы? Сопротивляемся ли мы в движении или плывем по течению, и если останавливаемся, то ради чего? Что такое боль и что такое нежность? «Last Work» задает больше вопросов, чем дает ответов, но, возможно, указывает тот путь, который к ответам приведет.

«Last Work». Ансамбль «Бат-Шева». Сезон 2014/15: Оливия Анкона, Билли Барри, Марио Бермудес-Гил, Омри Друмлевич, Брет У. Истерлинг, Ияр Эльэзра, Хсинь-И Хсианг, Рани Лебзельцер, Ори Моше Офри, Рэйчел Осборн, Шамель Питтс, Оскар Рамос, Ницан Ресслер, Ян Робинсон, Ор Меир Шрайбер, Мааян Шейнфельд, Зина (Наталья) Зинченко, Ади Златин

Хореограф: Охад Нагарин
Художник по свету: Афи Йона Буэно (бамби)
Идея саундтрека: Максим Варрат

Музыка: Гриша Лихтенбергер
Художник: Зоар Шойф

Художник по костюмам: Эри Накамура
Постановка: ансамбль «Бат-Шева» при сотрудничестве с Фестивалем Танца в Монпелье (Festival Montpellier Danse) и Центром искусств Дрездена - Hellerau-European Center for the Arts, Dresden

Спектакли «Last Work» пройдут в тель-авивском центре «Сузан Далаль» с 1 по 6 июня,9 июня – в Ганей-Тиква, 14 июня – в Беэр-Шеве, а затем с 6 по 25 июля 2015 года – вновь в центре «Сузан Далаль».
Заказ билетов:
http://batsheva.co.il/he/last_work
https://www.youtube.com/watch?v=yv735i9aHj0
Страница ансамбля «Бат-Шева» в фэйсбуке - https://www.facebook.com/pages/Batsheva-Dance-Company-%D7%9C%D7%94%D7%A7%D7%AA-%D7%9E%D7%97%D7%95%D7%9C-%D7%91%D7%AA-%D7%A9%D7%91%D7%A2/269905670774?fref=ts

Маша Хинич. Фотографии: Елена Запасская и Аркадий Мазор

«Жест памяти и встречи»: Сергей Юрский в конце мая в Израиле
2015-05-22 01:38

Сергей Юрский – это всегда первый и единственный состав, всегда высший сорт актерского мастерства, всегда драма на сцене и множество проживаемых перед зрителями  жизней и образов. Юрский – рыцарь со страхом и упреком. Он не просто звезда первой величины, он - эталон. Чем бы не занимался Юрский, он отдается этому делу без остатка. Актер, режиссер, писатель – одержимый! И удивительно доброжелательный.




Театралы, любители книги, поклонники сцены, все, кому небезразлична связь культур нашего времени живут в эпоху Юрского, но сам он говорит иногда, что живет в чужом времени: «Я – человек 20-го века, и всё, что для меня дорого и во мне живёт, порождено 20-м веком. Но я кое-что предъявляю и в веке 21-м. При этом предлагаю не на меня смотреть, а смотреть на новых людей, на новую мировую и российскую ситуацию.

Из-за моего отношения ко времени я не люблю слово «юбилейный». Во время последнего юбилея меня не было в Москве. Юбилей это повод для поминания родителей, ушедших друзей. А концерт в Израиле – это завершение сезона, концерт на сцене театра «Гешер», который я очень люблю и в котором был многократно и зрителем, и артистом на сцене. Я назвал этот концерт, эту концертную программу так, как называется одна из моих книжек: «Жест». Это жест памяти, встречи. Это – избранное, собрание того, что я делал в разные годы. Вот такой обзор памяти с жестом поклона, благодарности и радости встрече. Концерт – это одинокое существование, и все концерты разные. В Израиле я давал много концертов в разных городах, и они все были другие. Я стараюсь не менять ничего по ходу дела, а обязательно готовиться каждый раз к конкретному концерту в данный день.

Для меня люди во многих городах Израиля – люди знакомые. Когда я в свой предыдущий приезд  заблудился в Нетании, то в первой же группе людей я нашёл тех, кто меня захотели проводить, со мной поговорить. Интерес был взаимным. Таким и другим подобным людям я хочу сказать, что это будет наше свидание. Я хотел бы им напомнить со сцены то, что, может быть, западет в их души и, может быть, развеселит, или умилит… Нет, последнее отбросим, а вот полоснуть текстом Хармса вместе с тем, чтобы напомнить не столько милость Пушкина, а его остроту, его бритвенно-интеллектуальную язвительность; и сочетать это с современными авторами, теми, которых я люблю: Бродский, Евгений Попов. И что-то из написанного мною. Это сочетание мне хотелось бы предложить зрителям. Жду от них дыхания, больше ничего. Аплодисменты от радости встречи – это хорошо, но не это главное. Вот ответного дыхания я бы хотел; чтобы наша встреча была, именно, встречей, чтобы мы могли побыть вместе».

 «Я работаю – и в этом мое противостояние современному времени» – сказал как-то Юрский. Увидеть его в работе, увидеть на сцене, услышать в его исполнении рассказы Чехова, Зощенко, прозу Гоголя, Бабеля, Шукшина, поэзию Пушкина, Пастернака, Мандельштама и многое другое можно  в Большом Юбилейном вечере Сергея Юрского «Жест» в Израиле.

Тель-Авив, четверг, 28 мая, 20.00, театр «Гешер».
Заказ билетов -http://kassa.bravo.org.il/announce/%D0%A1%D0%B5%D1%80%D0%B3%D0%B5%D0%B9-%D0%AE%D1%80%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9
Организатор Большого Юбилейного концерта Cергея Юрского в Израиле – компания Rest International

Сергей Юрский - Первая глава «Евгения Онегина» Пушкина

Презентация первого в мире путеводителя по Храмовой Горе!
2015-05-17 19:26


Итак: я горда и счастлива сообщить вам, мои френды, что я закончила перевод на иврит первого в мире путеводителя по Храмовой горе. Однако этому переводу еще предстоит длинная дорога к типографии. А вот русскоязычный оригинал, сотворенный Меиром Антопольским (за что огромное ему спасибо), выходит в свет уже сейчас. Обратите внимание - презентация состоится 26 мая, подробная программа прилагается. Ждем вас!

https://www.facebook.com/profile.php?id=1065785046

наумов: последнее китайское предупреждение
2015-05-15 19:45
Друзья, билеты на Наумова еще остались тут: http://kaccabravo.co.il/announce/Юрий-Наумов. Анонс Newsru.co.il:

Тот самый Юрский.
2015-05-13 12:25

Дамы и господа!
Имя это давно мелькало во всяческих рекламных рассылках. То и дело обращал на него внимание. Да и как не обратить?
Мало в ноосфере человеческой культуры личностей, оказавших на меня, моих друзей, близких, единомышленников столь сильное влияние. Перестраивавших нас задолго до перестройки. Заставлявших смеяться над глупостью, гордиться честью, держать спину и краснеть... Да краснеть, испытывая стыд, и этого не стесняться. Сергей Юрский всегда был для нас камертоном, мгновенно выявлявшим фальшь. Сам он никогда не фальшивил, читая своим неподражаемо-неправильным голосом стихи и прозу лучших, становясь им равновеликим. Иначе не умел.
Но почему был, почему не умел? Есть и не может.
28 мая в Тель-Авиве  в зале театра "Гешер" состоится единственный в Израиле юбилейный концерт Сергея Юрского.
         
   
               
Его словечками, гримасами, придыханием мы перебрасывались, как драгоценными волшебными шариками. И узнавали друг друга безошибочно.
СВОЙ!

                         
"Наталья Павловна раздета;
Стоит Параша перед ней.
Друзьяяя моииии, Параша эта
Наперсница ее затей..."
И чертовский блеск в глазах в хулиганском и без того "Графе Нулине".
                                     
"А может быть, он служит на оптическом заводе, и там даром раздают очки..."
И Зощенко становится ещё смешней и печальней.
                     
А как гордились мы его прочтением Бродского, Пастернака! Как будто сами читали.
В нас навсегда врезалась золотая пыль его интонаций.
                     
Одна из ярких звёздочек прошлого. Март 1984-го года. "Театральная весна" в Одесском доме актёра.
И параллельно - весна настоящая, чувственная. Одесса, море, солнце, счастье, блестящий концерт Юрского. По окончании зашёл в кабинет и протянул Сергею Юрьевичу для подписи его книжку "Кто держит паузу". Стесняясь, ибо книжка в потёртой мягкой обложке была изрядно истрёпана руками всей нашей компании. А автор размашисто надписал:
"Рад, что книга не листана, а читана".
             
Мысль очень важная для понимания всего, созданного Юрским.

Глубина, тщательность, скурпулёзность. Старая школа интеллигента.

 

                   
«А что сегодня? Билеты становятся дороже, спектакли обильно снабжают звездными лицами, разрекламированной ерундой, яркими декорациями, музыкальными шутками и прочей мишурой. При этом зрительные залы полны. Но я смотрю в зал со сцены и никого не узнаю. Кто эти люди? Это совсем не те, кто ходил в театр раньше…»,- говорит Юрский.
Сергей Юрьевич, вглядитесь в переполненный Тель-Авивский зал. Мы те, те... И не только поздравить Вас пришли с неправдоподобным восьмидесятилетием, а и насытиться Вами, насмотреться, наслушаться.
Потому что Вы - тот самый Юрский.
                       
Внезапно обязательное стало очевидным. Нужно не разговаривать, не ностальгировать, а идти слушать рассказы Чехова, Зощенко, прозу Гоголя, Бабеля, Шукшина, поэзию Пушкина, Пастернака, Мандельштама и многое многое другое.
                   
Что ещё извлечёт из своего цилиндра маг и волшебник слова Сергей Юрский?
До встречи, дамы и господа.

Культура в чистом виде: вечер камерной классики в Иерусалиме
2015-05-12 19:28
Друзья, приглашаем вас 14-го числа, в ближайший четверг, в 8 вечера на следующее событие:

в Иерусалиме состоится концерт вокальной и виолончельной музыки европейских композиторов, значимый для меня, в частности, потому, что у меццо-сопрано Шломит Урицкой я в данный момент обучаюсь академическому вокалу. Вместе с ней выступит виолончелист Полина Семенихина. Играть будут Шуберта и Брамса, Пьяццоллу и Форе, и еще много чего. Вечер состоится в доме культуры "Гармония" в Иерусалиме по адресу ул. Гилеля, 27. По этому поводу имеется анонс на Ньюзру.ко.ил:



А билеты берутся тут: http://kaccabravo.co.il/announce/23710

В общем, если вы а) любите классику б) здесь живете в) будете в Иерусалиме в четверг г) у вас есть друзья и знакомые, приезжающие на майские и ищущие, куда б сходить д) есть родственники, посещающие академические концерты - сообщите им об этом!

Под катом - пара сценический фотографий исполнительницы, которых нет в заметке:




Сюзанн Вега выступит с Израильским Филармоническим оркестром 9 и 10 июня в Тель-Авиве
2015-05-11 13:21

Сюзанн Вега не впервые приезжает в Израиль, но впервые выступит с Израильским Филармоническим оркестром. 70 музыкантов, дирижер Илан Мохиах, знаменитые шлягеры «Luka» и «Toms Diner» и уже не юная, но все еще загадочная и знаменитая американская инди-фолк-поп-рок певица, композитор, поэт и музыкант в одном лице, впервые в Израиле концертировавшая в 1989-м году в Кейсарии и выпустившая свою первую запись в 1985 году. Отметить в Израиле 30-летие начала карьеры - хорошая идея, которая и будет осуществлена ближайшим летом дважды - 9 и 10 июня.



Популярность Веги за 30 лет карьеры только растет. Все ее поклонники выучили наизусть не только ее песни, но и фразу Квентина Тарантино «Хотите понять, как чувствует женщина? Послушайте Сюзанн Вегу». В конце 1980-х - начале 1990-х на фоне многих исполнительниц, самостоятельно создающих свой репертуар, Вега сразу заняла особое место со своим свежим и оригинальным взглядом на мир, завоевала мир утонченными и ироничными фолк-поп-песнями. Поначалу она следовала Леонарду Коэну, Бобу Дилану, Лу Рида, Пэтти Смит, а еще Вегу называют наследницей и лучшей ученицей Джонни Митчелл, Джоан Бааз и всей нью-йоркской школы фолк-рока. Начала она карьеру певицы (до этого пыталась танцевать) в далеком 1985 году, когда вышел ее первый альбом с поэтическими музыкальными рассказами, тексты которых - глубоки, обо всем, неожиданны, состоят из отрывистых кратких высказываний, философских и эффектных. Она поет о ежедневных впечатлениях, о жизни улицы, рассказывает тысячи историй, не проговаривая сюжет до конца. Так родился ее фирменный прием, так она заняла особое место на сцене со своим свежим и оригинальным взглядом на мир. Спор о том, что в песнях Веги важнее и лучше - мелодия или стихи - так же долог и неразрешим, как спор о курице и яйце. На неразрешимость спора накладывается образ Веги - яркий и загадочный, потому как меняется быстрее, чем годы: то с челкой, то без, то рыжая, то шатенка, то в тяжелых ботинках, то в элегантном платье, то с гитарой, то у фортепьяно. На сей раз в Тель-Авиве - с Филармоническим оркестром. Но всегда - звезда, а о звездах складывают немало небылиц.

Звездой ее стали считать с момента выхода второго альбома – «Solitude Standing», который был номинирован на премию «Грэмми». Песня «Luka» с этого альбома стала шлягером - наверное, единственным в мире хитом, посвященным избиваемым детям. Вега уже много лет помогает различным фондам по защите детей от насилия, социальным организациям, борющимся против жестокого обращения с детьми. «Luka» - одна из самых известных ее песен, как и а’капельная «Закусочная Тома» - «Tom's Diner» с того же альбома, получившая широкую известность после того, как ее перепела лондонская рэперовская негритянская команда DNA в 1990 году. Кстати, именно за «Tom's Diner», которая использовалась для улучшения формата кодирования музыкальных файлов, Сюзанн Вегу иногда называют «Мама MP3». «Закусочная Тома» оказалась настолько популярной, что в 1991 году вышел диск под названием «Tom's Album», собранный из самых интересных ремиксов песен Веги, сделанных другими музыкантами.

Но на мой вкус куда интереснее те ее песни, аранжировки которых делал знаменитый американский композитор-минималист Филипп Гласс, в свою очередь пригласивший Вегу написать слова для песен его - филиппглассовского - альбома. В 1986 году Вега написала два текста для оркестрового диска Гласса «Songs for Liquid Days» и позже неоднократно с ним сотрудничала. Всего же Сюзанн Вега выпустила восемь студийных альбомов, предпоследний «Beauty & Crime» – летом 2007 года, посвященный любимому городу Нью-Йорку. «Прекрасное и преступное» - чудесные есть места в Нью-Йорке, но не все безопасны. Интересно то, что альбом с 11 «манхеттеновскими» песнями выпущен фирмой «Blue Note Records», название которой стало синонимом джаза. В «Beauty & Crime» электро-инструменты и эффекты снова уступили место акустической гитаре. Затем Вега увлеклась перезаписью своих классических альбомов, но в феврале 2014 года вновь удивила «Сказками из царства королевы пентаграмм» - «Tales from the Realm of the Queen of Pentacles» . Это 10 абсолютно новых композиций, в которых буддистское спокойствие переплетается с живописным звучанием гитар и банджо, а энергичные мелодии с симфоническими вкраплениями. Последняя песня этого альбома «Horizon (There Is a Road)» - посвящена Вацлаву Гавелу, последнему президенту Чехословакии и первому президенту Чехии. Замечательный альбом - последние годы Вега, воюя с бывшими лейблами, переписывала свои лучшие песни в простых, но кропотливых аранжировках, чтобы сейчас быть полностью независимым артисткой.


Про нее говорят, что она открыла двери для других женщин-музыкантов, она же считает, что эти двери на самом деле были открыты всегда - просто, когда она вошла в них, на это все обратили внимание. Она до сих считает себя феминисткой, но никогда не считала, что пол имеет какое-либо значение в творчестве. Музыку Сюзанн Вега чаще всего называют интеллектуальной, и это определение к ней действительно подходит больше всего. В ее творчестве сделан намного больший акцент на текст, ее сокровенным песням присуще некое чувство отстраненности и меланхоличность. Вега немало пишет и для кино. В фильме «Бульварное чтиво» звучит такое искреннее признание одного из героев: «Сюзанн Вега? Это моя кузина. Понятия не имел, что она еще и поет...» Песни Веги звучат в «Ближе» и в «Бивис и Батхед». Мальчик, снимавшийся в клипе «Лука», стал актером и играл в сериале «Сопрано». А «Tom's Diner» – это тот сам ресторанчик, который облюбовали герои «Сайнфельда».

Я сижу дешевым утром
В ресторанчике дождливом
В ожиданьи человека,
Мне готовящего кофе.

Но приносит лишь полчашки
Тот, с которым я не спорю.
И глядит в окно глазами,
Для которых я – ничто (перевод Дмитрия Рекачевского)

А вот и биография певицы: Сюзанн Вега родилась 11 июля 1959 года в Санта-Монике в Калифорнии. Ее мать, аналитик компьютерных систем - немецко-шведских кровей, а отец –график-дизайнер - шведско-английско-ирландских. Родители Сюзанн расстались еще до ее рождения, а в 1960-м у девочки появился новый отец, которого она долгие годы считала родным. Пуэрториканский писатель Эд Вега увез семью в Нью-Йорк, где они поселились в испанском квартале. С детства Сюзанн говорила на испанском так же хорошо, как на английском. Родители часто пели и поощряли своих четверых детей к музыкальному творчеству. Впервые Сюзанн взяла в руки гитару в 11 лет. К 12 она выказала поэтический дар. Отец и мать Сюзанн были буддистами, что, по словам их дочери, сформировало ее личность. Ее вдохновлял Боб Дилан и современный балет, которым она занималась в школе искусств на Манхэттене. Но исполнение собственных песен интересовало ее больше балета. Она выступала в кафе Вест-Сайда и на фольклорных фестивалях, пела по клубам Гринвич-Виллидж в компании любителей народных песен. Долгое время Сюзанн, будучи интроверткой, не выносила внимания публики, ее раздражали взгляды из зала. Все изменилось, когда однажды она попала на концерт Лу Рида, которого раньше толком-то и не слышала. За один-единственный вечер Сюзанн поняла для себя все - как она будет писать песни, как они должны звучать и о чем она будет в них говорить. Это не было слепое стремление подражать, нет - просто Рид показал ей, что можно петь о вещах, которые кажутся обыденными и простыми, а главное, что если берешься рассказывать историю, то совсем необязательно рассказывать ее целиком. Это было озарение.



"Я поняла, что я могу писать песни о том, что знаю очень хорошо: о метро, улицах, несчастных людях… Я почувствовала, что смогу играть современный фолк, может быть, даже открыть новую главу в этом жанре", - вспоминает Сюзанн. И ей это действительно удалось. Сюзанн Вега сразу заняла совершенно особое место со своим свежим и оригинальным взглядом на мир. Певица, композитор, поэт и музыкант в одном лице, она завоевала сердца поклонников стильными фолк-поп-песнями, которые отличались утонченными, глубокими и ироничными текстами. Брендом Сюзанны Веги стали пронзительные, искренние баллады, в которых пелось о непростой женской судьбе, одиночестве в большом городе, семейных конфликтах и поисках своего места в жизни. Именно благодаря им певицу считали своим кумиром и путеводной звездой многие поп-рок-звезды следующих поколений.

В 1983 году она заключила контракт, а в 1985-м вышел ее первый альбом, записанный вместе с Ленни Кайе, бывшим гитаристом Патти Смит. Поначалу надеялись продать 30 тысяч копий, но продали 250 тысяч в США и 500 тысяч за границей. Журнал «Роллинг Стоун» включил диск «Suzanne Vega» в сотню лучших альбомов 1980-х. Вскоре после выхода альбома Сюзанн дала свой первый большой концерт с группой и с тех пор выступала в таких престижных местах, как «Альберт-Холл» в Лондоне, «Карнеги-Холл» и «Радио-Сити Мьюзик-Холл» в Нью-Йорке. Ее второй альбом разошелся по миру уже в 3-миллиона экземплярах. Далее - везде: Сюзанн Вегу уже не надо представлять. Просто ждите ее в июне в Тель-Авиве.

Официальный сайт певицы - http://www.suzannevega.com
Suzanne Vega - Luka

Suzanne Vega -  In Liverpool

Сюзанн Вега и Израильский Филармонический оркестр (http://get.ipo.co.il/he/suzanne-vega) - Тель-Авив, "Гейхал ха-Тарбут": 9 июня 2015, вторник, 21.00; 10 июня 2015, среда, 21.00. Для держателей абонементов ИФО - скидка 20%. Тел: 1-700-70-30-30 или *9066, www.ipo.co.il

Маша Хинич. Фотографии предоставлены организаторами концертов

"Царская невеста" в Тель-Авиве
2015-05-11 10:47

Дамы и господа!
Московский театр «Новая опера» под руководством Феликса Коробова привёз в Израиль «Царскую невесту» Николая Андреевича Римского-Корсакова. Спектакли пройдут в Тель-Авивском центре сценических искусств (Оперном театре) с 8-го по 19-е мая. Удалось побывать на генеральной репетиции, послушать, поснимать. Подробности об истории создания оперы и её десятилетней "жизни" можно прочитать у Маши Хинич.
А мне хочется поделиться эмоциями и фотографиями.
   
 
Писать об оперном спектакле непривычно. То ли дело балет.
"Усилие ноги и судорога торса с вращением вкруг собственной оси..." всё-таки уловимы фотоаппаратом в редчайшие мгновения удачи. Опера же этого лишена. Красоту голоса не передать снимком. Поэтому просто скажу, что голоса были хороши. Все солисты достойны апплодисментов. Прекрасный баритон Андрея Белецкого (Грязной) и тенор Алексея Неклюдова (Лыков), меццо-сопрано Анны Викторовой (Любаша) и Анны Синицыной (Дуняша) и сопрано Галины Королёвой (Марфа)...
             
   

   
       
Такой  ансамбль не частый гость в нашей опере.
К сказанному добавлю похвалу отличному хору и балету и п
рекрасному оркестру под управлением Феликса Коробова.
                 

         
Сама постановка Юрия Грымова несколько статична. Хотя, есть в ней безусловные удачи.
               
   

Царь Иван Васильевич в данной сценической версии не появляется. Вместо него выносят вечный "хозяйский символ" - САПОГ. С ним и ведёт подобострастный диалог купец Собакин.
 


     
А вот и "главный враг" царский врач Бомелиус.
       

   

Та ещё заморская штучка. От его зелий все беды и происходят.
       
   

"Тащи меня в свою конУру, немец...", в отчаянии поёт готовая на всё Любаша. И Бомелиус безжалостно тащит.
 

   

Неизбежный трагический финал. А где вы видели оперы со счастливым концом?
         
   
                 
Безусловно велика стоимость гастролей для принимающей стороны. Привезти такое количество солистов, певцов хора, танцоров, музыкантов оркестра, технического сопровождения, декорации... Всего и не перечислить.
Даже представить страшно!
         



А в целом? Получил большое удовольствие, дамы и господа.
Чего и вам желаю.

Единственный в мире театр классического балета на льду приезжает летом в Израиль
2015-05-10 19:47

Ближайшим летом, в июле 2015 года, в Израиле будет показан спектакль-балет на льду – «Спящая красавица» Государственного балета на льду Санкт-Петербурга.

Государственный балет на льду Санкт-Петербурга - это единственный театр на льду в мире, который ставит классические спектакли. Балет на льду - это искусство, фигурное катание - спорт, где главное - скорость, а музыка отходит на второй план. Суть же балета на льду заключается в создании многогранного художественного образа,  в сочетании элементов классической хореографии и фигурного катания, в балетной эстетике  «театра на льду», сменившей визуальные эффекты и технику фигурного катания прежних шоу и ледовых ревю, подчинявшихся пышности и блеску.  С детства любимая сказка Шарля Перро, завораживающая музыка Чайковского, изящная техника скольжения титулованных фигуристов, роскошные костюмы, яркие декорации не оставят равнодушными ни взрослых, ни детей. Уникальной особенностью труппы  Государственного балета на льду Санкт-Петербурга является то, что классику балетной хореографии они исполняют на коньках, что придает традиционной постановке необычайную легкость, утонченность и захватывающую дух скорость.

История Балета на льду в Санкт-Петербурге началась в 1967 году, когда выдающийся русский хореограф Константин Боярский основал Ленинградский Государственный балет на льду. Он перенес в искусство фигурного катания традиции Санкт-Петербургской школы русского классического балета. Именно Константин Боярский решил изменить традиционное шоу на коньках, перенести классический танец на ледовую сцену и создать театр, в котором бы синтезировались искусство и спорт. Перенести балетную классику со сценических подмостков на лед без изменений было невозможно, но эффект был потрясающий. Всего через шесть лет после первого выступления труппы журнал «Театр» писал: «...сегодня мы можем говорить о том, что возник балетный театр на льду, который не копирует чужих образцов, но, опираясь на традиции русской хореографии, создает праздничное зрелище, сочетающее в себе динамизм фигурного катания с разнообразием форм танцевального искусства». Многие критики признавались, что в какой-то момент просто забывали, что представление идет на коньках.

С 1979 года Балетом руководит его главный балетмейстер, заслуженный артист России, театра Константин Рассадин - ученик прославленного хореографа Леонида Якобсона, в прошлом один из ведущих солистов Кировского (Мариинского) театра. С его приходом окончательно сформировался репертуар. Лучшие традиции ленинградской школы классического танца получили оригинальное воплощение на ледовой сцене. Сам Константин Рассадин не умеет кататься на коньках, что никоим образом не мешает ему ставить изумительные спектакли. Будучи в свое время учеником легендарного Леонида Якобсона, он перенял у него стремление к эксперименту, постоянный поиск новых хореографических решений. Наверное, поэтому, когда Боярский предложил ему попробовать себя в качестве балетмейстера балета на льду, он с радостью принял предложение. Именно Рассадин перенес  на ледовую сцену многие знаменитые балеты – «Щелкунчик», «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Золушка», «Ромео и Джульетта». На каждый музыкальный такт придумывается и ставится движение, но есть и своя специфика - надо учитывать скорость, скольжение, инерцию.





Отточенная техника, каноны классического танца, выразительная сценография и особые требования к костюму - все это служило главным целям: максимально раскрыть образы и создать законченное произведение искусства. В разные годы в Балете танцевали многократные чемпионы Мира и Европы, двукратные Олимпийские чемпионы Людмила Белоусова и Олег Протопопов, многократный чемпион Мира и Европы, Олимпийский чемпион Алексей Уланов, многократный призер соревнований Мира и Европы по фигурному катанию и Олимпийских Игр Людмила Смирнова. В труппе всего 40 фигуристов – из них около 20, имеющих звание Мастера спорта России.

Сегодня Балет на льду Санкт-Петербурга известен во всем мире. Именно благодаря ему, полноценные классические балетные спектакли на льду сменили отдельные танцевальные композиции и спортивные трюки, составлявшие когда-то репертуар большинства подобных групп. В спектаклях придуманы такие приемы фигурного катания, которые до этого никем не использовались. К тому же, балет на льду воспринимается зрителем более динамично, здесь нет статики, присущей классическому танцу. Фигуристы легко скользят, умудряясь делать все то, что присуще традиционной школе - арабески, батманы, фуэте; и к тому же они взлетают над ледовой сценой в прыжках - акселях, тулупах, добавляя зрелищу спортивную остроту.


Самой замечательной особенностью спектаклей является их стопроцентная театральность. Трудно себе представить, что под ногами артистов настоящий лед. Обычные театральные подмостки превращаются в каток, который заливают поверх театральной сцены. Специально для этого труппа возит за собой портативные холодильные установки. На приготовление катка уходит 24 часа и около десяти тонн льда.

 Государственный балет  на льду Санкт-Петербурга. «Спящая красавица». С 18 по 31 июля 2015 года. Беэр-Шева, Ашдод, Реховот, Хайфа, Тель-Авив.
Заказ билетов: http://bravo.israelinfo.co.il/announce/22957

«Момикс» - искусство алхимии и алхимия искусства
2015-05-10 19:06

Как-то про руководителя балетной группы «Момикс», хореографа Мозеса Пендлтона сказали: «он не перегружает свои спектакли драматизмом». Возможно, зато наполняет их смыслом, цветом, движением, философией и в данном случае еще и алхимией. «Алхимия» – мир магии, воссозданный в музыке и танце - новая постановка Мозеса Пендлтона (кудесника, широко известного в алхимических кругах) для его группы «Момикс», приезжающий в Израиль в конце мая.

В своем предыдущем шоу «Bothanica» Пендлтон представидл зрителям эволюцию природы и круговорот жизни в смене четырех времен года. Десять танцоров, участвовавших в балетном спектакле, превращались на сцене в растения, зверей, мифологических кентавров, бабочек и улиток - и все это происходило не во сне, а наяву.

В новом спектакле «Алхимия» Мозес Пендлтон раскрывает секреты четырех элементов (Земля, Воздух, Огонь и Вода), чтобы явить залу сюрреалистический мир магии. Для танцоров труппы - это новый театральный эксперимент, полный фантазии, иронии, красоты и тайны. Древние алхимики искали эликсир вечной молодости и формулу золота. Они редко работали в одиночку и вызывали духов при помощи тайных обрядов. Не оставлен без внимания в «Алхимии» и процесс обучения колдунов. Да и сами танцоры в этом балете напоминают иллюзионистов в шоу об искусстве алхимии и алхимии искусства – мультимедийном фантасмагорическом спектакле, полном красоты, чувства юмора и изобретательства, эстетических ощущений и удивительных волшебных метаморфоз в толковании сути четырех элементов.

Пендлтон пришли к идее «Алхимии», когда он фотографировал этапы жизненного цикла подсолнечника. Он пытался проникнуть в тайну того, как из маленьких семян появляется высокий цветок, в тайну того, какие миры скрыты за внешней яркой оболочкой подсолнуха. «Исследование биологических жизненных процессов превратились в процесс творческий, а позже - в балет о жизни, огне и смерти, о музыке земных существ» - говорит Пендлтон, придумавший уникальную балетную трансформацию, балет-изменение. – «Наши желания берут начало в невероятных мечтаниях, но кто и где создает мечту? Как она возникает? Это те вопросы, которые я задаю себе и пытаюсь найти ответы на них в танце». Кстати, Пендлтон, работая над этим спектаклем, состоящим и из игры и из танца, немало наблюдений подсмотрел не только в книгах об алхимических лабораториях средневековья и о философии алхимии, но и в своем саду, следя за ростом цветов и растений.

Мозес Пендлтон начал еще в «Пилоболусе» и продолжил в «Момиксе» играть с телом человека и пространством, играть с ожиданием волшебства и с самими иллюзиями. Недаром, часть удовольствия от спектаклей «Момикса» - это удовольствие от визуальных эффектов и от того, как заманчиво поддаваться на такую эффектную визуальную ложь, сотворенную талантом, танцем, реквизитами, светом и тенью, огнем и зеркалами, музыкой-транс и нью-эйдж и особыми костюмами. Ведь алхимией может быть все, что угодно – и даже «Момикс» и его ритуальные танцы огня, воды, земли и воздуха.

Имя Мозеса Пендлтона ассоциируется с американской хореографией уже 40 лет, причем с хореографией современной, которая за эти десятилетия также успела трансформироваться, измениться и возродиться. Пендлтон еще 40 лет назад начал вводить в свои хореографические спектакли элементы цирка, физического театра, легкой атлетики, акробатики и комедии дель-арте.
Пендлтон также известен по труппе «Театр танца Пилоболус», основанной им вместе с Джонатаном Уокеном в 1971 году. В семидесятые не было такого хореографа-американца, который не пытался бы что-нибудь разрушить и переиначить. Пендлтон и Джонатан Уокен делали это забавнее всех. Их спектакли меняли традиционные представления о том, как тело выглядит, сколько оно весит и как оно должно перемещаться в пространстве. Танцовщики в работах «Пилоболуса» вырастали до размеров двухэтажного дома, складывались в колоды и вытягивали руки из глубин сцены до рампы. Все эти фокусы и иллюзии Пендлтон сохранил и в «Момиксе».
Изначально «Момиксом» Пендлтон назвал номер, поставленный им для церемонии закрытия зимних Олимпийских игр в Лейк-Плесиде. Сама же студия «Момикс» выросла из спортивно-танцевальной команды, учрежденной в начале 1970-х несколькими американцами - фанатами танца и спорта. Они веселили публику, пародируя драматические спектакли, балеты и шоу, и быстро завоевали популярность. К концу 1970-х из основателей компании остался один Мозес Пендлтон - изобретательный хореограф-режиссер, ставивший и вполне «конвенциональные» балеты, в том числе и в Парижской опере. С тех пор Пендлтон привносит в свои спектакли трюки, фокусы, оптические обманы и много танца. Потому его зачастую называют руководителем театра-шоу, хотя параллельно он придумывает и чисто балетные спектакли. Но «Момикс» - труппа танцоров-«иллюзионистов» под руководством Мозеса Пендлтона, завоевала мировую известность именно за большую изобретательность и пластическую красоту, а не только за технику танца или красоту хореографии.


Кроме собственных спектаклей, труппа часто участвует в специальных проектах, появляется в кино и на телевидении. Театр, постоянно базирующийся в Вашингтоне в штате Коннектикут, гастролировал в США, Канаде, Испании, Франции, Германии, Австралии и других странах мира.
Сайт группы «Момикс» - http://www.mosespendleton.com/

"Момикс". "Алхимия". Тель-Авивский Центр исполнительских искусств - "Бейт ха-Опера"
27 мая, среда, 20.00
28 мая, четверг, 20.00
29 мая, пятница, 13.00
Информация по телефону 03-6927777 или на сайте Израильской Оперы http://www.israel-opera.co.il/?CategoryID=823&ArticleID=3198/
Заказ билетов - http://kassa.bravo.org.il/announce/Momix

Ссылка на видео:

Маша Хинич. Фотографии © Max Pucciariello предоставлены организаторами гастролей.

«Наполненный музыкой» - 47-й Фестиваль вокальной музыки в Абу-Гош
2015-05-10 16:54

Абу-Гош - это фестиваль, ставший звучащей галереей лучших музыкантов Израиля, исполнителей, посвятивших себе вокальной и литургической музыке, джазу и фолку, опере классической и современной. Фестиваль в Абу-Гош – это также бесконечная энергия его художественного руководителя Ханны Цур, сумевший соединить в трехдневной программе ближайшего фестиваля на Шавуот с 22 по 24 мая сочинения вокального и литургического репертуара, кантаты и инструментальную музыку, выступления хоров и солистов, оперные арии и мотеты. Но Абу-Гош - это куда больше, чем просто фестиваль. Это музыкальное переживание, любовь к музыке, уникальность церковной акустики, особенность этой деревни в Иерусалимских горах, живописность монастырского двора, виды на все стороны света, сам воздух, наполненный музыкой.

Программа фестиваля в Абу-Гош - очень цельная и в то же время необычайно разнообразная, пестрая. В этом году в фестивале принимают участие такие исполнители как Карин Шифрин, Даниэла Скорка, Клер Менаджи, Шарон Дворин, Яэла Авиталь, Ревиталь Равив, певцы Израильской Оперы, различные израильские хоры под руководством Михаэля Шани, Анат Мораг, Рона Зархи, Гилы Бриль, Юваля Бен Озера и, конечно, самой Ханны Цур. С фестивалем уже много лет постоянно сотрудничают определенные оркестры, составы и музыканты. Всех не перечислить. Но вот, к примеру, два – израильский оркестр барочной музыки «Barocade», играющий концерт из произведений Баха, Моцарта и Листа в воскресенье 24 мая (вместе с Камерным хором Тель-Авива и органистом Александром Волхом), и Шем-Тов Леви - певец, композитор и музыкант, который исполнит на 47-м фестивале в Абу-Гош не только свои всем известные песни, но и произведения Баха (в субботу 23 мая вместе со скрипичным трио).


Ханна Цур

Ханна Цур - композитор, дирижер, классическая певица сопрано-альт - стала художественным руководителем фестиваля в Абу-Гош в 1995 году. «За двадцать лет музыкальный ландшафт Израиля невероятно изменился, появились замечательные молодые певцы, дирижеры, ансамбли, чей уровень таков, что мы могли бы проводить фестивали собственными силами, не приглашая исполнителей из-за рубежа – но мы, конечно, их приглашаем. Для меня главное, чтобы все наши слушатели влюбились в музыку. Можно научить понимать музыку, а вот для того, чтобы в нее все влюбились, надо, прежде всего, любить ее самим» - говорит Ханна Цур. Еще в 1993 году она основала в Рамат-Гане камерный хор, которым руководит по сей день, до него организовав хор в консерватории «Штрикер». Пение именно ее хора звучит в фильме «Список Шиндлера». Она постоянно выступает в вокальном квартете «Четыре плюс» - «Арба плюс». Дирижирует хорами «Ринат» и «Раананим». Ханна Цур писала сценарии для музыкальных передач детского образовательного канала, дирижировала Израильским Камерным оркестром, Кибуцным, Рамат-Ганским и многими другими. За год она составляет 36 концертных программ и программы двух фестивалей, набирая гигантский репертуар.

Ханна Цур умеет найти правильные баланс и пропорции между музыкой старинной, барочной, классической и современной. «Реквием» Форе, «Креольская месса» аргентинского композитора Ариэля Рамиреса, кантаты Баха, произведения Вивальди и Россини – такие сочинения беспроигрышны на любом фестивале. Но в Абу-Гош звучит и менее знакомая музыка, например произведения Ференца Листа для органа (в воскресенье, 24 мая). А учитывая акустику церкви в монастыре «Богоматери и Ковчега завета» (Notre Dame Arche D'Alliance), крипты в монастыре бенедектинцев в нижней части деревни и атмосферу концертов на природе, становится понятно, что фестиваль в Абу-Гош наполнен музыкой.


Карин Шифрин

Рассказать обо всех участниках музыкантах невозможно. Вот, к примеру, Карин Шифрин - оперная певица, драматическая меццо-сопрано, исполняющая в субботу, 24 мая на концерте в нижней крипте концерт из произведений Гершвина, Бернстайна, Курта Вайля и Оскара Хаммерстайна. Карин Шифрин известна своим участием в израильских операх Гиля Шохата, Исраэля Шарона и Менахема Авидона. Закончив Музыкальную академию в Тель-Авиве, Карин Шифрин выступала в Германии, Австрии, Италии, Израиле с такими известными музыкантами, как Зубин Мета, Шломо Минц, Даниэль Инбал, в концертах Симфонического оркестра Teatro Di Bolognia, Симфонического оркестра Израиля и другими музыкальными коллективами в Израиле (Симфонические оркестры Иерусалима, Раананы, Ришон ле-Циона, Израильский камерный оркестр) и в других странах. Она пела на фестивале в Венеции и в «Метрополитен-Опере». Карин Шифрин выступает на израильской оперной сцене с 2005 года, впервые появившись в 2006 году в опере Гиля Шохата «Макс и Мориц». Затем – в «Маленькой волшебной флейте». Она также принимает участие в постановках двух оперных израильских ансамблей «Опера - Фриндж» и «Опера-Камера» и в спектаклях театра «Габима». Универсальная певица – и это же можно сказать о многих других участниках 47-го фестиваля вокальной и литургической музыки в Абу-Гош.

Путь в Абу-Гош из центра страны сократился на 25 минут благодаря новой дорожной развязке на 1-м шоссе. Вся информация о фестивале (включая программу на русском языке) – на сайте http://agfestival.co.il/.
Страница фестиваля в фэйсбуке - https://www.facebook.com/festivslabugosh?fref=nf&pnref=story
Художественный руководитель фестиваля в Абу-Гош– Ханна Цур. Продюсер фестиваля – Гершон Коэн.
Приобрести билеты можно в кассе «Бимот» *6226 www.bimot.co.il, в кассе «Браво» или на месте проведения концертов у входа на территорию Кирьят-Яарим (оплата наличными).



Маша Хинич. Фото предоставлены продюсером фестиваля.

Куда ты, удаль прежняя, девалась...
2015-05-09 11:20
Оригинал взят у wildgrass в Куда ты, удаль прежняя, девалась...

Эту арию Григория Грязного из оперы Римского-Корсакова "Царская невеста" я помню с детства. Но посмотрела эту оперу целиком первый раз. Удивительно, как можно при помощи гениальной музыки, режиссуры, исполнения, сценографии передать атмосферу страшных времен правления Ивана Грозного, который по словам Н.И. Костомарова " одаренный... в высшей степени нервным темпераментом и с детства нравственно испорченный, уже в юности начал привыкать ко злу и... находить удовольствие в картинности зла."
Личность царя и его эпоха исполнены драматизма. Но любовь - это такой цветок, который расцветает в любых условиях, и стара, как мир, история - он любит ее, она любит другого..

С этой оперой на гастроли в Израиль с 9 по 19 мая приезжает Московский театр «Новая опера» под руководством дирижера Феликса Коробова.
Этот театр уже бывал в Израиле: «Новая опера» приезжала к нам с концертной программой еще под руководством создателя этого театра, «неистового маэстро» Евгения Колобова (1946-2003). «Князь Игорь» Бородина в постановке этого театра открывал прошлый сезон Израильской Оперы. На сей раз «Новая Опера» предлагает возрожденную задумку Евгения Колобова в постановке известнейшего российского режиссера Юрия Грымова, динамичную музыкальную и сценическую редакцию «Царской невесты» - историю о любви страстной, горячей, опаляющей и сжигающей все вокруг себя, о душе, в глубинах которой присутствуют чистота, поэзия, жертвенность и милосердие.

Феликс Коробов. Его работа в «Новой Опере" - авангардный вызов клавиру Римского-Корсакова. В ней немало ремарок, купонов, перестановок и сокращений. Консервативная публика реагирует по-своему, молодая приветствует новшества и ждет их с любопытством. Премьера этого спектакля прошла 10 лет назад в Москве. Кстати, и в Тель-Авиве эта опера будет показываться всего лишь второй раз и впервые за последнее десятилетие.

«Царская невеста» - не из той категории опер, которые все знают и любят на Западе. А этот спектакль - еще и последняя работа Евгения Колобова, так и не законченная им и не поставленная. При этом - его «авторская» опера.

"Евгений Колобов мечтал поставить «Царскую невесту», - рассказывает дирижер и музыкальный руководитель «Царской невесты» Феликс Коробов. - Это, как бы, не совсем «Царская невеста» Римского-Корсакова, - так как она напечатана в клавире: есть сокращения, музыкальные перестановки, но это все - музыка Римского-Корсакова. Колобов очень любил эту оперу, даже дочь свою назвал Марфой в честь главной героини этой оперы. Его вдова Наталья Григорьевна Попович, главный хормейстер театра, предложила мне закончить незавершенную работу Евгения Владимировича над оперой «Царская невеста». Я согласился, потому что убежден, что любая задумка мастера должна быть доведена до конца. Моя задача была, как у врача, не навредить и попытаться сохранить, не мешать. В этом виде опера приезжает на гастроли в Израиль. Это первые зарубежные гастроли «Царской невесты», хотя в Москве она идет уже 10 лет. Бывает, что публика знает названий двадцать, а за их пределами есть очень много чудесной музыки. К этому числу, несомненно, относится опера «Царская невеста». Прекрасная музыка, но относительно редко звучащая со сцены."






Сценографию можно назвать скупой. Практически весь объём зловеще чёрной сцены занимает огромная деревянная конструкция, и действие оперы разворачивается внутри и окрест этой гигантской клети, где действуют герои, одетые в стилизованные костюмы эпохи Ивана Грозного. Возможно - это является символом смутных времен и той безысходности, которая владела тогда всеми. Ведь время действия оперы — страшный период в истории нашей страны, когда законы попирались властью, а люди гибли в её руках. Огромная клеть, внутри которой живет зловещий лекарь Бомелий со своей свитой серых призраков, и вокруг которой происходят все события - и светлые, и темные.

Невинной жертвой жестокости и беззакония становится юная Марфа Собакина — воплощение чистоты, духовности и верной любви. Пронзительную музыкальную драму по пьесе Л. Мея Римский-Корсаков написал за несколько месяцев, премьера состоялась на исходе XIX века — в октябре 1899 года.
Это одна из самых проникновенных опер Римского-Корсакова, лирическая драма о любви, о том, что еще есть на этой земле такая любовь, которая не уничтожается ни «приворотным зельем», ни деньгами, ни властью, ни смертью, ни пытками. В этой, сaмой мелодраматической опере Римского-Корсакова речь идет о любви, точнее, о любовях – счастливых, несчастных, невинных, темных. Что такое обычное оперное либретто? Это предательство, адюльтеры и убийства. Привязка к истории, к эпохе и музыка. Сам Римский –Корсаков в одном из писем характеризовал свою оперу в шутливой манере:

"... было б хорошо, когда б в Вечашу
Приехали вы к нам, на долю нашу
Взглянуть, послушать Царскую невесту.
В ней есть Andante, Moderato, Presto,
Ансамбли, арии, речитативы,
Мелодии, аккорды, лейтмотивы.
И кривда драматическая есть,
А правды музыкальной и не счесть..."

Генеральный директор Израильской оперы Ханна Муниц в преддверии нынешних гастролей «Новой оперы» сказала: «В Тель-Авиве эта опера будет показываться всего лишь второй раз и впервые за 10 лет. В Израиле много русскоязычной публики и она скучает по этой музыке, которую хорошо помнит с советских времен. И, безусловно, мы хотели, чтобы это сочинение представил московский театр, сохранивший культуру, традицию, знание и, если можно так сказать, ноу-хау исполнения, полное особенных ощущений, особенной сердечности. По сравнению с «Князем Игорем» эта постановка более символична, абстрактна. Я уверена, что наши зрители смогут проникнуться и самим сочинением, и его сценическим решением».

При написании использованы материалы интервью Маши Хинич с Феликсом Коробовым, а также все остальные сведения, любезно предоставленные Машей и Соней.

Либретто Н. Римского-Корсакова и И. Тюменева по одноименной драме Л. Мея
Солисты, хор и оркестр Московского театра «Новая Опера» имени Е. В. Колобова.
Музыкальный руководитель: Феликс Коробов
Дирижеры: Феликс Коробов, Валерий Крицков
Постановка: Юрий Грымов
Сценография: Владимир Максимов
Костюмы: Мария Данилова
Григорий Грязной - Андрей Бреус (лауреат премии «За беззаветное служение оперному искусству» Фонда Евгения Колобова, обладатель специального приза на конкурсе Пласидо Доминго «Operalia»)
Анджей Белецкий (лауреат премии «За беззаветное служение оперному искусству» Фонда Евгения Колобова, кавалер ордена «За возрождение России. XXI век», лауреат Международного конкурса «Пилар-2007»)
Любаша - Анастасия Бибичева, Анна Викторова, Агунда Кулаева
Марфа - Галина Королёва, Виктория Шевцова
Лыков - Вениамин Егоров, Алексей Неклюдов
Бомелий - Максим Остроухов, Сергей Поляков
Дуняша - Анна Синицына, Александра Саульская-Шулятьева
Собакин - Виталий Ефанов, Владимир Кудашев, Алексей Тихомиров
Малюта Скуратов - Евгений Ставинский, Андрей Неклюдов
Домна Сабурова - Ольга Терентьева

Спектакли пройдут в зале Израильской Оперы в Тель-Авиве (http://www.israel-opera.co.il/?CategoryID=816&ArticleID=3161):
8 мая, пятница, 13:00
9 мая, суббота, 21:00
11 мая, понедельник, 20:00
12 мая, вторник, 20:00
13 мая, среда, 20:00
14 мая, четверг, 20:00
15 мая, пятница, 13:00
16 мая, суббота, 21:00
18 мая, понедельник, 20:00
19 мая, вторник, 20:00
Параллельно со спектаклями будут проходить традиционные для Израильской Оперы лекции для зрителей и talk-back’и .
Центр сценических искусств, Шауль ха-Мелех, 19, Тель-Авив
Телефон для заказа билетов – 03-6927777 или в кассе «Браво» http://kassa.bravo.org.il/announce/23588

Фотографии предоставлены пресс-отделом театра «Новая опера»





Тележурнал "Ерушалаим" - май 2015
2015-05-08 15:21
Друзья вашему вниманию новый выпуск тележурнала "Ерушалаим"

- С 70-летием Победы, дорогие ветераны!
- АРМЯНЕ В ИЕРУСАЛИМЕ. К 100-летию геноцида армян в Османской империи.
- «ЗОЛОТЫЕ ВОЛОНТЕРЫ» 2015.   Награды добровольным помощникам и наставникам.
- ЩИТ ДАВИДА В ДОЛИНЕ ИОРДАНА.  О буднях армейских медиков.
- Из музыкальной копилки.  Суперюбилей в Латруне, 2004



Тележурнал израильского OТВ на русском языке (пр-во телекомпании Алонель).
Эфир: канал 98 "מכאן" пон.10:00 вторн. 20:30

 

А вы бывали в Бердичеве?
2015-05-08 11:20
Оригинал взят у wildgrass в А вы бывали в Бердичеве?

Талантливые люди вызывают благоговейное восхищение.
Талантлив Фридрих Горенштейн, автор пьесы "Бердичев", спектакль по которой 7, 8 и 9 мая в рамках Международного фестиваля «Гешер» при поддержке российской национальной премии «Золотая маска» покажет Московский академический театр им. Вл. Маяковского.
Великий Андрей Тарковский говорил о нем кратко — «гений», Марк Розовский как-то написал, что «будь мы на месте Нобелевского комитета, непременно выдали бы премию по литературе Фридриху Горенштейну — писателю, масштаб и уровень творчества которого сопоставим с самыми высокими изъявлениями искусства ХХ века».
Талантлив режиссер спектакля Никита Кобелев, сумевший рассмотреть в этой пьесе самое главное.
Талантливы актеры, которые не играют, нет, они просто проживают перед нами свою жизнь, не очень счастливую, ничем не выдающуюся, но вместе с ними мы проходим все эти времена, в которые им пришлось жить.
Спектакль начинается репликой Чебутыкина из чеховских «Трех сестер»: «Бальзак венчался в Бердичеве». Ее произносит в прологе главный герой Виля (Александр Паль), рассказывая о французах, приезжавших в Бердичев на поиски церкви, где венчался Бальзак. За церковь они приняли водонапорную башню, а на самой бывшей церкви вывеска: «Детская спортивная школа», рядом поменьше: «Этот дом посетил Бальзак». «Когда он его посетил, по какому поводу — неясно. Создается впечатление, что Бальзак в детстве посещал бердичевскую спортивную школу», — недоумевает герой Александра Паля.
Итак. Мы в Бердичеве, вдали видим "ту самую" водонапорную башню.


На сцене появляются две сестры: Злота (Татьяна Аугшкап), - кроткая портниха, заботливая тетка для сироты-племянника Вили, и Рахиль (Татьяна Орлова), несгибаемая военная вдова, член КПСС с 1928 года, обожающая своих дочерей Рузи (Зоя Кайдановская) и Люси (Нина Щеголева), и классическая теща для зятя Мили (Виталий Гребенников). Они живут вместе, в одной бердичевской квартире и на протяжении всех шести действий актрисы, играющие главных героинь, три с половиной часа почти не покидают сцены. Сестры- полные антиподы друг друга, громкая Рахиль бесконечно скандалит, а тихая Злота «имеет от нее отрезанные годы». Даже если их нет на сцене, мы слышим их голоса.










Действие пьесы происходит на протяжении 30 лет: с 1945-го по 1975-й год. Шесть эпизодов разделены на разные временные отрезки: в первом действии — на три послевоенных года, а во втором — на три десятилетия. Перемены действия показывают таблички на световом панно, которые меняют прямо по ходу действия. Изменения, которые привносит время видны в разнообразнейших бытовых деталях — мебели, одежде, посуде. Режиссер Никита Кобелев и художники Михаил Краменко и Наталья Войнова старались максимально натуралистично воспроизвести бытовую среду — весь реквизит на сцене реальный, найденный на барахолках и собранный по друзьям.









По словам Татьяны Орловой, колоссальную роль для нее сыграла Анна Марковна Бруссер, педагог по сценической речи в Щукинском училище.Весь этот местный еврейский выговор получился благодаря ей. Актриса проработала с ней всю пьесу, каждую фразу. «От так, как я держу руку, я войду тебе в лицо» - эта фраза запомнилась всем:-).

В одном из интервью актриса говорит о героях спектакля:
"Абсолютно простые люди, которые не понимают, что можно жить по-другому. Они же не знают, они не умеют. А как? Они вот в такой манере. Но нельзя так существовать, в результате ты останешься одна, от тебя все разбегаются. И все время орать, все время кричать, все время угрожать, все время хамить. Так нельзя. Это я говорю уже со своей точки зрения. Кровные узы — да, она защитит. Но форма! Я говорю только про форму сейчас. По сути она права, но невозможно в такой форме существовать в жизни. Просто невозможно. Ну как? Все время вот этот ор, эта давиловка. Но здесь показан такой характер — яркий, гротесковый. И тоже потом — «Вай, детоньки!», а детоньки — «Да пошла ты в печь!». Они здоровее будут, когда они уезжают. Но — характер, и характер расплачивается за это. Это очень интересно играть, потому очень яркий характер, многогранный, разные проявления его.










Прошли годы, выросли внуки. Количество пиджаков на пустых стульях, символизирующих ушедшие жизни, становится больше. Злота недоуменно спрашивает: " Я прожила жизнь, а что у меня есть?"

Пьеса пронизана бесконечным юмором, и многие обвиняли Горенштейна в изображении евреев босховскими уродцами. На это у писателя был ответ: исключительно положительное изображение евреев — форма расизма, которая делает нацию неполноценной. Юмор Горенштейна безграничен. «В этой братской могиле лежат погибшие за Родину всех национальностей, кроме жидов», — смех в зале не обрывается даже на этой страшной антисемитской фразе.

Пьеса завершается — и кажется, будто эти пророки взывают к нам. Что за странная любовь, которой мы мучим друг друга? Что за странная жизнь, если даже любовь калечит? Что с нами делает время? Вопросы вне эпохи и национальности. История семьи и ход времени — вот что интересует режиссера Кобелева. Недаром он не выносит на первый план национальный вопрос, а через изображение типично еврейских характеров затрагивает проблемы универсальные.

Посмотрите этот спектакль! И не бойтесь, что он идет почти 4 часа. Вы их проживаете вместе с героями и не замечаете, как быстро они проходят!

Только 8 и 9 мая в театре "Гешер" вас ожидают жители того Бердичева, который давно ушел в прошлое.

19 Мая 2015 года - ЮРИЙ НАУМОВ - легенда блюза, виртуоз 9-струнной гитары!
2015-05-06 22:22
19-05-2015

Билеты онлайн:
http://bravo.rock-club.org/announce/Юрий-Наумов

Билеты по телефону:
*3221 или 072-275-3221

Один из лучших и уникальнейших блюзовых гитаристов мира Юрий Наумов выступит в Израиле с единственным концертом.
Наумов — автор и исполнитель удивительных блюзов, баллад, психоделических номеров и виртуозных инструментальных композиций, неповторимых по сочетанию великолепной музыки и глубоких текстов. Журналы «Guitar World» и «The New York Magazine» назвали его «группой из одного человека, который звучит так, как если бы три гитариста играли одновременно». Широкую известность получила история о том, как Эрик Клэптон, послушав Юрия, запросто согласился с тем, что тот играет лучше него.

iframe>

Юрий не только разработал свою уникальную технику игры на гитаре, заменяющую ему целый бэнд, но еще и придумал свою собственную девятиструнную гитару, построенную для него скрипичным мастером.
Музыкант также является автором собственных гитарных строев. Описывать его выступления — занятие неблагодарное, также как и слушать их в записи. Те, кто был на его концертах, знают, как много теряет эта музыка в записи, потому что концерт Юрия Наумова — это театр одного актера, со всеми живыми вибрациями и энергиями, которые, к сожалению, невозможно записать на диск.

Юрий Наумов много гастролирует, в основном его музыка звучит в России, Украине и других странах бывшего СССР, но концерты проходили и в США, Голландии, Англии, Норвегии, Германии и даже в Японии.
В Израиле гитарист-виртуоз выступает уже не первый раз, здесь Наумова всегда ждут и с удовольствием идут на его концерты.
Аудитория Юрия Наумова — люди абсолютно разных поколений, потому что у хорошей музыки нет возраста.

«… В ночь перед похмельем, будто бы в содоме,
Когда все воды мира станут адским зельем
И небосвод провалится под землю,
Я, упавший с неба, будучи бездомным,
Пойду неведомо куда,
Мосты сжигая за собой во тьме бездонной;
Пойду заведомо туда,
Откуда просто некуда вернуться…
Я плачу… Я обнажен…
Ночь спьяну в сердце бьет ножом
И мне не увернуться…»


Концерт пройдет 19 мая, в 20:00, в Тель-Авиве, в аудиториуме Бейт-Франкфурт (ул. Кицис, 23) с отличной акустикой и мягкими креслами, необходимыми, по мнению организаторов, для такого рода концертов. Билеты на выступление Юрия в этом зале несколько лет назад были раскуплены за каких-то пару недель. Не упустите шанс увидеть и услышать Юрия Наумова на сцене, особенно если вы еще ни разу не бывали на его выступлениях, зал предполагает быть забитым до отказа, как и в прошлый раз.


«… when i’m alone, lost and invisible
and there’s no ground under my feet
who’s gonna be with me?
Who’s gonna be with me in my defeat?
Inside my naked heart, babe, i’m calling you…»


Кстати, хорошая новость: Юрий Наумов планирует в ближайшее время приступить к записи нового альбома.
Этот концерт — своего рода акция поддержки предполагаемого грандиозного студийного проекта, и вы обязательно услышите о творческих планах из уст самого маэстро.
Мы приглашаем всех любителей хорошей музыки принять в этом участие. На концерте можно будет приобрести диски и сборник текстов «Иная Вечность», а после желающие смогут подойти к артисту и получить автограф.
Предстоящий концерт будет состоять из двух отделений с антрактом. Первое отделение называется «Немое кино», а второе — «Нетривиальные истории».
Почему? Вы это сами поймете. Приходите, ждем вас!

Сергей Юрский: «Командовать парадом буду я!»
2015-05-05 16:48

Иосиф Бродский посвятил в середине 1990-х Сергей Юрскому стихотворение «Театральное»:

Не думайте, что я для вас таю опасность, скрывая от вас свою биографию.
Я — просто буква, стоящая после Ю на краю алфавита, как бард сказал.
И я бы вам с радостью показал, откуда я взялся.
Но там чернеет зал, пугающий глубиной и тьмой.

Юрского зал не пугает. В Юрском – огромный заряд мощной, созидательной энергии. Он все время находится в развитии, его театральные постановки подпитаны литературной работой, а кино дополняет публицистика. Он способен поставить все с ног на голову, посмеяться над веком и самим собой, зная, что дорогу осилит идущий, а его путь – всегда вперед и вверх. «Есть путь, в котором я за все отвечаю сам. То, что сделаю – будет», - говорит Юрский.
Юрий Рост так сказал о нем: «Мы - современники Юрского - не вполне, возможно, осознаем, с кем имеем дело. Ну тех, кто раньше жил, понять можно, у тех, кто живет потом, шанс разобраться еще сохраняется, а вот мы… Надо не пропускать. Ни одного его явления: в театре ли, на филармонических подмостках, в журнале с прозой, в книгах со стихами…».
28 мая в Тель-Авиве пройдет единственный в Израиле юбилейный концерт Сергея Юрского - этого уникального актера, писателя чтеца, режиссера, драматурга.

Именно юбилей снова стал поводом, когда все вновь ищут слова, чтобы определить уникальный феномен Сергея Юрского. «У него много ролей – актер, режиссер, чтец, писатель, ведущий, собеседник. Все роли можно свести к одной – думающий актер, мыслящий человек театра. Он - это редкостное соединение культуры и непосредственности, актерского ума и актерского блеска» - так отозвался о нем театровед Вадим Гаевский. «Юрский – это знак качества. Все, что связано с ним как с актером и режиссером, потрясающе интересно», – заверяет народный артист России Александр Филиппенко.

Сергей Юрьевич Юрский - один самых лучших чтецов на сцене. Он не читает, он – завораживает. Завораживает богатством интонаций, цельностью произнесенных фраз, своим отношением, упоением словом. Фраза «Эпоха юрского периода» - стала одной из распространенных острот. А ведь Сергей Юрский мог и не стать актером. Но судьба вывела его, ленинградского мальчика - из семьи директора цирка, из юридических коридоров - на театральную сцену и съемочную площадку... В молодости он едва не стал юристом. Провалив экзамены в Школу-студию МХАТ, Юрский поступил на юрфак Ленинградского университета, но спустя три года все-таки попал в театральный институт, 20 лет был ведущим актером Большого драматического театра под руководством Георгия Товстоногова, параллельно на эстраде читал стихи и прозу. Переехав в Москву, Юрский сам начинает ставить спектакли в Театре имени Моссовета. В это же время растет список ролей в кино: «Республика ШКИД», «Время, вперед!», «Место встречи изменить нельзя». Его самая любимая роль - Остап Бендер в «Золотом теленке». Многие обожает его дядю Митю в комедии «Любовь и голуби». Он беспрерывно играет, сочиняет, концертирует.
Юрский - это «брожение» эпохи. И хотя сегодня он часто сетует, что живет в чужом времени, он все еще с полным правом может произнести любимую фразу одного из своих персонажей - «Командовать парадом буду я!».

Юрский все время находится в развитии, его театральные постановки подпитаны литературной работой, а кино дополняет публицистика. Он способен поставить все с ног на голову, посмеяться над веком и самим собой, зная, что дорогу осилит идущий, а его путь – всегда вперед и вверх.

Викниксору из «Республики Шкид» и Остапу Бендеру из «Золотого теленка» уже далеко не двадцать пять. Впервые на театральные подмостки Юрский вышел 62 года назад. В кино первую главную роль Юрский сыграл еще в 1961 году в комедии Эльдара Рязанова «Человек ниоткуда». В его фильмографии более 40 картин. Из всех ролей, сыгранных Сергеем Юрским в кино, самый большой интерес у зрителей вызывают работы в фильмах «Золотой теленок» и «Любовь и голуби». Он сыграл 70 ролей в театре, начав с классики - Чацкий, Тузенбах, Эзоп. Да и еще и на потрясающей сцене - у Товстоногова, в БДТ. В конце 1970-х годов Сергей Юрский дебютировал в литературе, опубликовав книгу «Кто держит паузу». Его перу принадлежат циклы стихов, рассказов, повестей и очерков, а также несколько книг прозы и стихов. Юрский - автор, постановщик и исполнитель более пятнадцати литературных программ. Он умеет удивлять зрителей, открывая тайны в хрестоматийной прозе или заставляя воспринимать по-новому известные стихи. И каждый раз его слово звучит остро и современно. Сергей Юрский выступал более чем в 200 странах мира, и всегда - аншлаги. Однажды артист заметил: «Я никогда не смог бы играть в пустом зале, потому что театр - это кровообмен сцены и зала». Юрский еще и писатель, со своей интеллектуальной и острой манерой письма. У него нет лишних фраз, слов и ненужных красот. Сергей Юрьевич пишет стихи, очерки, рассказы. И чем бы он ни занимался, всегда стремится к совершенству, делая все с большим удовольствием и вдохновением.

На каждом своем концерте он читает нелегкие тексты - Чехов, Бабель, Зощенко, Хармс. То завораживая, то заставляя смеяться переполненный зал. Юрский все время в размышлении и в движении - в поисках новых пьес, новых форм. «Не сохранять роли, которые ты уже по возрасту пережил, отказаться от них, уйти. И вообще - обновлять, обновлять», - говорит он.
У него еще масса идей. Его голос - сильный, строгий, полный скепсиса - воспитывает звучанием. Это всегда урок размышления, волшебство, магия, театр Сергея Юрского.

Рассказы Чехова, Зощенко, проза Гоголя, Бабеля, Шукшина, поэзия Пушкина, Пастернака, Мандельштама и многое другое - в Большом Юбилейном вечере Сергея Юрского!
Тель-Авив, четверг, 28 мая, 20.00, театр «Гешер».
Заказ билетов - здесь.
Организатор Большого Юбилейного концерта Cергея Юрского в Израиле – компания Rest International

Сергей Юрский читает Бродского - «Театральное»

Феликс Коробов: «Мой любимый термин - «сотворчество»
2015-05-05 15:23

Московский театр «Новая опера» под руководством Феликса Коробова приезжает в Израиль на гастроли с 8-го по 19-е мая. На этот раз театр привозит «Царскую невесту» Николая Андреевича Римского-Корсакова. «Новая опера» приезжает в Израиль в третий раз, уже представляя ранее в нашей стране «Евгения Онегина» в концертном варианте и «Князя Игоря». «Царская невеста» - не из той категории опер, которые все знают и любят на Западе. А этот спектакль - еще и последняя работа Евгения Колобова, так и не законченная им и не поставленная. При этом - его «авторская» опера. Что это означает? Каковы принципы режиссерского прочтения, «дирижерской режиссуры»?

- Евгений Колобов мечтал поставить «Царскую невесту», - рассказывает дирижер и музыкальный руководитель «Царской невесты» Феликс Коробов. - Это, как бы, не совсем «Царская невеста» Римского-Корсакова, - так как она напечатана в клавире: есть сокращения, музыкальные перестановки, но это все - музыка Римского-Корсакова. Колобов очень любил эту оперу, даже дочь свою назвал Марфой в честь главной героини этой оперы. Его вдова Наталья Григорьевна Попович, главный хормейстер театра, предложила мне закончить незавершенную работу Евгения Владимировича над оперой «Царская невеста». Я согласился, потому что убежден, что любая задумка мастера должна быть доведена до конца. Моя задача была, как у врача, не навредить и попытаться сохранить, не мешать. В этом виде опера приезжает на гастроли в Израиль. Это первые зарубежные гастроли «Царской невесты», хотя в Москве она идет уже 10 лет. Бывает, что публика знает названий двадцать, а за их пределами есть очень много чудесной музыки. К этому числу, несомненно, относится опера «Царская невеста». Прекрасная музыка, но относительно редко звучащая со сцены.


Феликс Коробов

Феликс Коробов ухитряется руководить двумя музыкальными театрами, стоять сразу за двумя дирижерскими пультами, создавая и авторский и репертуарный театры. Он -
дирижер, виолончелист и педагог – был главным дирижером театра «Новая Опера» с 2004 по 2006 год. Сейчас он - главный дирижер Московского академического Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, заслуженный артист России, Абхазии, лауреат Национальной театральной премии «Золотая маска». Коробов окончил Московскую государственную консерваторию по классу виолончели и по специальности «оперно-симфоническое дирижирование», а затем аспирантуру МГК по специальности «струнный квартет». Дирижерскую карьеру он начал в Государственном академическом симфоническом оркестре России имени Светланова – одном из старейших симфонических коллективов. В течение трех сезонов совмещал должность главного дирижера в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко и в Московском театре Новая Опера имени Евгения Колобова. Именно он осуществил в Новой Опере постановки «Нормы» и «Царской невесты». Коробов также музыкальный руководитель и автор идеи серии музыкально-театральных проектов для детей и юношества в Музыкальном театре. Сотрудничал с выдаю¬щимися балетмейстерами - Джоном Ноймайером и Юрием Григоровичем. Дирижировал программой русских балетов в Гамбургском балете Дж. Ноймайе¬ра, был музыкальным руководителем постановки балета «Спартак» в Немецкой опере на Рейне в Дюссельдорфе.

Феликс Коробов также активно гастролирует как дирижер и виолончелист. Сотрудничает с симфоническими оркестрами России, Германии, Финляндии, Италии. Он - главный приглашенный дирижер Оркестра государственного Эрмитажа под управлением Сондецкиса («Санкт-Петербург Камерата»), а также художественный руководитель и главный дирижер Камерного оркестра Московской государственной консерватории имени Чайковского.

Его работа в «Новой Оперы» – авангардный вызов клавиру Римского-Корсакова. В ней немало ремарок, купонов, перестановок и сокращений. Консервативная публика реагирует по-своему, молодая приветствует новшества и ждет их с любопытством. Премьера этого спектакля прошла 10 лет назад в Москве. Кстати, и в Тель-Авиве эта опера будет показываться всего лишь второй раз и впервые за последнее десятилетие.

- В последние 15 лет я являюсь главным дирижером Театра Станиславского и Немировича-Данченко, - продолжает Феликс Коробов. - Был период, когда я возглавлял оба театра – и Театр Станиславского, и «Новую оперу». «Новая опера» - театр, который создавался Евгением Колобовым, это театр одного художника, который как сильная личность притягивал к себе много талантливых людей. Эта постановка была настоящим фейерверком. Мне кажется, что главное, чтобы спектакль был талантливым, интересным. Главное для меня, чтобы в постановке сохранились те взаимоотношения, те чувства, эмоции, которые закладывали композитор и либреттист. Чудо оперного спектакля - это когда всё хорошо вместе. Мой любимый термин здесь - «сотворчество». Очень непросто сегодня говорить о чем-то новаторском. Шкловский сказал как-то, что после «Черного квадрата» Малевича сложно придумать что-то новое. Мне кажется, сейчас возрастает интерес к внутреннему миру, а не к декорациям или к одежде, в которой поют герои. Чувства и эмоции у людей остаются во все времена одни и те же. И сюжетов, в общем-то, только любовь да деньги. И они не требуют какого-то специальной адаптации под наше время, под наш язык. Главное - никогда нельзя опускаться, пытаться заигрывать с публикой, упрощать. Все должно быть разумно. Если это не нарушает авторского замысла, если это не идет вразрез со смыслом, с музыкой, с драматургией, с музыкальной формой, тогда всё допустимо - и купюры, и вставки.

Н.А. Римский-Корсаков. «Царская невеста». Опера в двух действиях.
Либретто Н. Римского-Корсакова и И. Тюменева по одноименной драме Л. Мея
Солисты, хор и оркестр Московского театра «Новая Опера» имени Е. В. Колобова.
Музыкальный руководитель: Феликс Коробов
Дирижеры: Феликс Коробов, Валерий Крицков
Постановка: Юрий Грымов
Сценография: Владимир Максимов
Костюмы: Мария Данилова
Григорий Грязной - Андрей Бреус (лауреат премии «За беззаветное служение оперному искусству» Фонда Евгения Колобова, обладатель специального приза на конкурсе Пласидо Доминго «Operalia»)
Анджей Белецкий (лауреат премии «За беззаветное служение оперному искусству» Фонда Евгения Колобова, кавалер ордена «За возрождение России. XXI век», лауреат Международного конкурса «Пилар-2007»)
Любаша - Анастасия Бибичева, Анна Викторова, Агунда Кулаева
Марфа - Галина Королёва, Виктория Шевцова
Лыков - Вениамин Егоров, Алексей Неклюдов
Бомелий - Максим Остроухов, Сергей Поляков
Дуняша - Анна Синицына, Александра Саульская-Шулятьева
Собакин - Виталий Ефанов, Владимир Кудашев, Алексей Тихомиров
Малюта Скуратов - Евгений Ставинский, Андрей Неклюдов
Домна Сабурова - Ольга Терентьева

Спектакли пройдут в зале Израильской Оперы в Тель-Авиве:
8 мая, пятница, 13:00
9 мая, суббота, 21:00
11 мая, понедельник, 20:00
12 мая, вторник, 20:00
13 мая, среда, 20:00
14 мая, четверг, 20:00
15 мая, пятница, 13:00
16 мая, суббота, 21:00
18 мая, понедельник, 20:00
19 мая, вторник, 20:00
Параллельно со спектаклями будут проходить традиционные для Израильской Оперы лекции для зрителей и talk-back’и .
Центр сценических искусств, Шауль ха-Мелех, 19, Тель-Авив
Телефон для заказа билетов – 03-6927777 или в кассе «Браво».

Фотографии предоставлены пресс-отделом театра «Новая опера»

Дуэт пианиста Даниила Крамера и трубача Вадима Эйленкрига в Иерусалиме
2015-05-04 21:00

Единственный концерт в Израиле! В Иерусалимском клубе "А-Цолелет а-Цеуба" (Yellow Submarine) 10 мая 2015 г высадится московский джазовый десант, то есть дуэт в составе:Даниил Крамер (ф-но) и Вадим Эйленкриг (труба).




Немного об участниках дуэта:
Вадим Эйленкриг - на сегодняшний день один из самых популярных и востребованных российских джазовых музыкантов. Когда-то газета «Коммерсант» назвала его «русским Крисом Ботти». Но от концерта к концерту, от пластинки к пластинке Вадим вырабатывал свой собственный, самобытный стиль, неповторимый звук и индивидуальную подачу.

Десять лет музыкант был известен как солист Биг-бэнда Игоря Бутмана. В 2009 году вышел первый сольный альбом «The Shadow of your smile», который стал одним из самых продаваемых релизов лейбла «Butman music». Продюсером выступил Игорь Бутман, а в записи принимали участие музыканты легендарной группы Brecker Brothers во главе с Рэнди Брекером. Второй альбом под названием "ЭЙЛЕНКРИГ" объединил таланты ряда именитых музыкантов: Алана Харриса, Верджила Донатти, Дугласа Шрива, Игоря Бутмана и других.
Артист с огромным успехом выступает в составе Квинтета Вадима Эйленкрига, в дуэтах с Антоном Барониным и Даниилом Крамером, ведет проект с шоуменом Тимуром Родригезом, электронный дуэт с DJ LeGran. Вадим представляет Россию в Европе, на сольных концертах и фестивалях в Мюнхене, Дюссельдорфе, Риге и Таллине. Музыкант солировал на сценах Карнеги-Холла, Линкольн-центра, Чикагской и Бостонской филармонии. На протяжении всего этого времени Вадим Эйленкриг ведет педагогическую работу, ныне - доцент джазовой кафедры в Государственной академии им. Маймонида.
На российском телеканале «Культура» Вадим Эйленкриг - ведущий популярного шоу «Большой джаз».

Даниил Крамер - пианист, импровизатор, руководитель множества джазовых фестивалей. Народный артист России,Лауреат Европейской премии им. Густава Малера.
Сольные концерты и выступления с различными музыкантами, в том числе в США, во многих странах Европы, Африки и Центральной Америки и Китая. Крамер участвует в международных джазовых фестивалях, таких, как "
Munchner Klavier sommer" (Германия), "Manly Jazz Festival" (Австралия), "European Jazz Festival" (Испания), "Baltic Jazz" (Финляндия), "Foire de Paris" (Франция) и т. д.
По каналу ОРТ в 90-х годах прошла программа уроков джазовой музыки, впоследствии ставшая видео-серией "Уроки джаза с Даниилом Крамером".

Музыкант много лет преподавал в институте им. Гнесиных, а в 1994 году Даниил Крамер открыл в Московской Государственной Консерватории (впервые в ее истории) класс джазовой импровизации. Педагогические разработки и программы Крамера используются на джазовых отделениях музыкальных школ и училищ страны.
В России стали популярными сборники джазовых пьес и обработок джазовых тем Крамера, выпущенные различными издательствами.

С 1994 года Даниил Крамер интенсивно сотрудничает с Международным благотворительным фондом "Новые Имена", занимающимся высокоодаренными детьми. Он является своего рода куратором классико-джазового направления этой организации, работает с талантливыми детьми, занимающимися классической музыкой, развивая в них также знание, понимание и исполнение джаза. Как результат этой работы, в 2001 году совместно с "Новыми Именами" создан детский квинтет "Классика и джаз".

Даниил Крамер является арт-директором многих российских джазовых фестивалей.
Является заведующим эстрадно-джазовой кафедрой в Институте Современного Искусства в Москве.
Много лент его уникальный концертно-гастрольный абонемент "Джазовая музыка в академических залах" собирает полные залы во многих городах России. Даниил Крамер занимается организацией и проведением профессиональных джазовых конкурсов в России. В марте 2005 года впервые в Москве состоялся первый международный конкурс джазовых пианистов, соорганизаторами которого выступили Павел Слободкин и Даниил Крамер, среди членов жюри - наиболее известные пианисты из Европы и России.

Билеты можно заказать здесь (иврит и английский):
http://goo.gl/h9G65S или на русском языке - через Интернет-кассу сайта CursorInfo
http://afisha.cursorinfo.co.il/announce/23834
Телефон клуба: 02-6794040
Адрес: הצוללת הצהובה
הרכבים 13 תלפיות,
ירושלים
Начало концерта в 21:00 (открытие дверей в 20:00).
Мероприятие организовано концертным агентством "White sail".
Итак, друзья, до встречи в "подводной лодке" 10 мая в воскресенье (йом ришон)!
Ну, и ВСЕХ - с наступающим Праздником Лаг ба-Омер! И с Днем Победы!

Ваша Мириам Гурова

Cиртаки из Венгрии
2015-05-04 19:05

Спектакль «Зорба» Венгерского Национального балета из города Дьёра в постановке одного из известнейших хореографов Венгрии Дьюла Харангозо на музыку Микиса Теодоракиса откроет летний фестиваль танца в Кармиэле, после чего будет показан еще в нескольких городах Израиля.
«Безумия! Тебе не хватает безумия! Иначе ты никогда не сможешь обрубить веревку и быть свободным
Никос Казандзакис



Сиртаки сделало Грецию модной. Щемящие аккорды музыки сиртаки вызывают ностальгию и надежду одновременно, берут за душу и успокаивают сердце. Танцоры, исполняющие сиртаки, утверждают, что в процессе танца окружающее перестает существовать, остается лишь движение, доходящие до автоматизма, и ритм, захватывающий, околдовывающий и не дающий остановиться. Так и в балетном спектакле «Зорба» - спектакле о том, как надо танцевать до потери дыхания, танцевать на обломках любви, на радость жизни и назло смерти. Когда весело и когда больно. Когда пусто на душе и когда эмоции выливаются через край, когда и зал и танцоры начинают отбивать ритм сиртаки.

Прародителями национального греческого танца сиртаки, вокруг которого выстроен спектакль «Зорба» из Венгрии, были критские танцы сиртос и  пидихтос с сочетаниям медленных и быстрых версий старинного танца хасапико. Но не все знают поразительную историю происхождения танца сиртаки, появившегося чуть более полувека назад, в 1964 году на съемочной площадке фильма «Грек Зорба» по роману известного писателя Никоса Казандзакиса.



Появился сиртаки спонтанно. По сценарию фильма, его главный герой, которого играл Энтони Куинн, должен был показать национальный греческий танец. Сцену предполагалось сделать короткой, на две минуты. Перед режиссером Майклом Какоянисом появилась задача найти музыканта, который бы написал музыку к этой сцене, да так, чтобы за две минуты успеть передать всю энергию греческого танца. Столь нелегкое задание Какоянис доверил греческому композитору Микису Теодоракису. И тот справился блестяще. Сам танец, который, кстати, назывался «Танец Зорбы», был придуман Энтони Куинном. Чтобы он был максимально похож на греческий, Энтони Куинн учил  технику танца у местных  жителей. А поскольку фильм снимался на Крите, то Куинн учился танцевать наиболее популярные национальные критские танцы - сиртос и пидихтос. Но есть и еще одна деталь: за день до съемок финальной сцены, в которой   Зорба   обучает танцу, Энтони Куинн сломал ногу. Актер мог обходиться без гипса, но был не в состоянии подпрыгивать. Вот как он вспоминал об этом: «Я не мог поднимать ногу и опускать ее - боль была нестерпимой, но я понял, что могу волочить ее без особого дискомфорта. Тем самым я придумал танец с необычным скользяще-тянущим шагом. Я вытягивал руки, как в традиционных греческих танцах, и шаркал по песку. И я танцевал». После выхода фильма на экран, сиртаки стал самым популярным греческим танцем в мире и одним из символов страны.
Сиртаки (в переводе с греческого это слово означает «касание») буквально склеен из сиртоса в начале танца и пидихтоса во второй быстрой части. Отсюда и появился, ставший безумно популярным, ускоряющийся ритм национального греческого танца. Название «сиртаки» новому танцу придумал сам же Энтони Куинн, и происходило оно от названия танца сиртос в уменьшительно-ласкательной форме. Интересно то, что «Танец Зорбы» настолько тронул греков, что молниеносно стал самым популярным греческим танцем и очень скоро на законодательном уровне был признан национальным греческим танцем и одним из символов Греции. Исполнителю роли Зорбы американцу Куину после выхода фильма даже присвоили звание Почетного гражданина Греции.



За время существования сиртаки появилась масса вариаций танца, но основные его черты - медленное начало, ускорение темпа от начала к концу танца – остаются неизменными. И вот еще одна история: в Константинополе во время византийского периода танец хасапико (танец мясников) был официальным танцем гильдии мясников. Танец оставался популярным долгие годы в Константинополе и западной Азии до 1922, когда он был поглощен музыкой рембетика. Вариант танца стал популярным среди моряков и исполняется ими в портах под названием «нафтико» (похож на русский танец «Яблочко»). Из хасапико в сиртаки вошли некоторые движения, похожая музыка, движения в линию, количество участников. Медленный хасапико иногда сейчас называют «Зорба», по названию фильма. И вся эта запутанная история танца и любви теперь отражена еще и в балете «Зорба» из венгерского города Дьёра.

https://www.youtube.com/watch?t=103&v=jeNsr_nQEfE

Венгерский государственный балет города Дьёра. «Зорба».
Кармиэль, Амфитеатр, 29 июля, 21:30
Хайфа, Центр конгрессов, 30 июля, 20:30
Ришон ле-Цион, Гейхал «Меир ле-тарбут», 31 июля, 22:00
Тель Авив, «Бейт а-Опера» - Центр сценических искусств , 1 августа, 21:00
Иерусалим, «Театрон Иерушалаим», зал «Шеровер», 2 августа, 20:30
Ашдод, Центр сценических искусств, 3 августа, 20:30

Информация и билеты в кассе «Браво»
http://bravo.israelinfo.co.il/announce/23322

Фотографии предоставлены организаторами гастролей и пресс-отделом «Балета Дьёра»

Фестиваль в Абу-Гош
2015-05-04 18:51

Начата предварительная продажа билетов на международный музыкальный фестиваль вокальной и литургической музыки в Абу-Гош. До 10 мая - 10 процентов скидки на билеты на все концерты фестиваля. Подробности - здесь: http://goo.gl/Klp6Td
О фестивале - здесь: http://karga-golan.livejournal.com/394778.html