Последние новости

КТО ХОЧЕТ СЛУШАТЬ ДЖАЗ
2015-07-30 14:28

КТО ХОЧЕТ СЛУШАТЬ ДЖАЗ (родину продавать не надо) - ПРОЧИТАЙТЕ И ПЕРЕПОСТИТЕ ПОЖАЛУСТА
Вы можете помочь осуществить мечту многих музыкантов и любителей джаза .Первый международный фестиваль джаза в Яффо «International Jaffa Jazz festival” (Израиль) . Это проект задуманный исключительно музыкантами ради музыки !И сейчас ВЫ можете включится в эту благородную историю.
Каждый из ВАС может поддержать фестиваль, купив билеты уже СЕЙЧАС! Нужно зайти на сайт проекта, где ВЫ можете выбрать подходящий вам вариант покупки билетов. http://www.headstart.co.il/projectsupporters.aspx?id=15904


Фестиваль пройдёт с 8-10 октября в Яффо.
Музыканты из США, Бельгии, Испании, Венгрии, Бельгии, Румынии и Австрии уже подтвердили свое участие в фестивале.
Восемь международных джазовых групп в состав которых войдут 35 ведущих израильских джазовых музыкантов.
Каждое выступление – посвящение великим мастерам джаза таким как: Bill Evans, Wes Montgomery, Chat Baker, Joe Henderson, 'Cannonball' Adderley, Philly Joe Jones, Jack Bruce and Carmen McRea.
Каждый из Вас может проявить своё участие и поддержать кампанию Head Start, распространив информацию через Facebook, по электронной почте и т.д. Ваша помощь имеет важное значение , для того чтобы привлечь больше людей и сделать возможным этот праздник.
Пожалуйста, ознакомьтесь с программой и способами поддержать фестиваль.
http://www.headstart.co.il/projectsupporters.aspx?id=15904
До встречи на фестивале!

Историческое событие - первый международный фестиваль-конкурс цирка в Израиле
2015-07-29 17:18

C 16 по 18 августа в Ашдоде пройдет Первый Израильский Международный Цирковой Фестиваль-Конкурс. Настоящий фестиваль, организованный компанией по культуре города, с профессиональным компетентным судейством, отбором номеров и гала-представлением – наподобие фестивалей и камерных и тех грандиозных, что устраиваются в Монте-Карло, Сан-Пауло, Париже и Москве. Уже известны имена некоторых членов судейской коллегии и названия части номеров, которые будут представлены в рамках конкурсных показах и на гала-шоу в Ашдодском Центре сценических искусств, где выступят лучшие цирковые артисты со всего мира.



В фестивале - примере циркового искусства и веселой, бурлящей, чистой, юношеской энергии - примут участие около 40 конкурсантов из 10 стран, включая Россию, Украину, Францию, Беларусь, Венгрию, Чехию, Киргизию и Израиль. Судить конкурс будут ведущие цирковые деятели мира. Среди судей конкурса: Валентина Савина - директор государственного циркового училища в Москве; Николай Кобзов - президент Всеукраинского циркового объединения; Рауль Жибо - директор цирка «Медрано» во Франции, президент компании "Арена Продакшн", вице-президент национального синдиката "Великие Французские Цирки"; Доминик Жандо, один ведущих мировых специалистов в области циркового искусства, автор бестселлера «История мирового цирка». Он - также является вице-президентом и художественным директором Lone Star Circus в Далласе, основателем и куратор Circopedia.org, международной цирковой энциклопедии on-line; Гельмут Гросскурт - президент Европейской Цирковой Ассоциации, издатель журнала «Планета цирк»; Олег Чесноков - зам. ген директора компании Росгосцирк.

Дженнифер Коэн                               Кристапс Павловс


В фестивале примут участие около 40 конкурсантов из 10 стран, включая Россию, Украину, Францию, Беларусь, Венгрию, Чехию, Киргизию и Израиль. К примеру, Канатоходец Евгений Слепухин из России, лауреат международных цирковых фестивалей. Жонглер Эркинбек Сарлаев, обладатель медалей престижных конкурсов (https://www.youtube.com/watch?v=w1kajeowET4&feature=youtu.b). Из Франции прилетает жонглер Амит Кениг, представляющий на фестивале Израиль. От Израиля  в фестивале среди прочих  будет участвовать и воздушная гимнастка Дженнифер Коэн. Латвию на фестивале будет представлять Кристапс Павловс – артист оригинального жанра. И это только начало длинного списка участников и гостей фестиваля.

Целью фестиваля в Ашдоде выявление новых талантливых исполнителей, популяризация Израиля в мире циркового искусства, предоставление возможности отдельным цирковым исполнителям принять участие в профессиональном творческом фестивале. И укрепление культурных цирковых связей между цирковыми исполнителями из разных стран мира.
Первый Израильский Международный Цирковой Фестиваль является конкурсом и организован по стандартам подобных конкурсов за рубежом — таких, как фестиваль в Монте-Карло, Большой Московский цирковой фестиваль, «Фестиваль Латина» и другие. Фестиваль состоит из двух частей: конкурсная часть, которая будет проходить на цирковой площадке Dorato в Ашдоде 17 августа, и которая является полноценным цирковым представлением, однако, кроме публики, которая получит удовольствие от выступления конкурсантов из разных стран, за артистами будет наблюдать судейское жюри. На конкурсе будут представлены две программы: Программа «А» - 17 августа в 10.30 и Программа «Б» - в понедельник, 17 августа в 17.30. Вторая часть - гала-концерт, который состоится на сцене Центра сценических искусств в Ашдоде во вторник, 18 августа (начало в 18-00). В ходе гала-концерта будут представлены 18 номеров, выбранных жюри. По завершении концерта будут объявлены обладатели первых трех премий. Они получат приглашения выступить на международных фестивалях.


Амит Кениг                                          Эркинбек Сарлаев

Слава Нусинский, директор цирка Dorato  и президент фестиваля, говорит: «Я бываю на многих цирковых фестивалях мира. Цирковое искусство в мире и в Израиле развивается. Во многих странах проводятся большие и профессиональные цирковые фестивали. Потому мы и решили, что пора провести такой фестиваль и в нашей стране... Фестиваль познакомит израильскую публику с цирковым искусством, с лучшими номерами из разных стран, даст толчок развитию цирка в Израиле, познакомит международную публику с израильским цирком. Подобные фестивали – это трамплин для прыжка на трапецию профессионального циркового сообщества. На цирковые международные конкурсы приезжают директора цирков, представители фестивалей в других странах, импресарио и на месте заключают контракт с понравившимися им артистами. Можно сказать, что на этих фестивалях формируется цирковое сообщество, в которое входит и ашдодский цирк CircusArt, основанный в Ашдоде восемь лет назад. Dorato - единственный в Израиле цирк со своей постоянной труппой и со своей школой, в которой сегодня занимаются дети от 3 до 18 лет в 10 разных группах».

Слава Нусинский (справа) с Николаем Кобзовым (слева) - Директором Украинского цирка и одним из членов жюри

Мероприятие организованно отделом проектов на русском языке городской Компании по культуре города Ашдод под руководством зам. мэра города Бориса Гитермана. При участии цирка Dorato, а также при участии Европейской цирковой ассоциации
и Национальной Российской академии цирковых искусств в Москве.

Сайт фестиваля
http://www.ashdodfest.doratocircus.com/
Страница цирка «Dorato» в фэйсбуке
https://www.facebook.com/DoratoCircus
Сайт цирка Dorato
http://www.circusart.co.il/
Страница мероприятия Первого Циркового Международного Ашдодского фестиваля
https://www.facebook.com/events/878610618898562/
Страница цирковой школы «Dorato» в фэйсбуке
https://www.facebook.com/CircusArtIsrael
https://www.youtube.com/watch?v=4Een1ZulwoA
Билеты в кассе ashow.co.il (http://ashow.co.il/ru/show.php?id=1505, http://ashow.co.il/show.php?id=1505) и на сайте
www.ashdodfest.doratocircus.com.
Билеты на конкурсные представления - 25 шекелей (зал вмещает 500 человек), на гала-шоу – 100 шекелей.


Фото предоставлены организаторами фестиваля

Чик Кориа и Бобби МакФеррин. Музыкальные отражения.
2015-07-28 10:38

Дамы и господа!
Ну что я могу сказать об этом концерте?
Рассказать? Написать? Выражение "Нет слов!" приобретает свой первоначальный смысл...
Всё, что мог выразить вербально, здесь.
Это  надо было слышать. И мы оказались среди счастливчиков.
Потому что никакие записи, которыми полон интернет, не могут передать очарование этого вечера. Даже жаркая наша погода уступила, наполнив Ришонский амфитеатр прохладным ветерком, слегка остужающим горячие головы зрителей.
Чик Кориа и Бобби МакФеррин были великолепны. Шоу высочайшего уровня, где два музыканта-события, сбросив немалые свои годы,  резвились, баловались, наслаждались, бросали вызов друг другу и бушующему, смеющемуся, подпевающему залу.
А я слушал и фотографировал, фотографировал и слушал!
Пусть говорят мои фотографии.

     
Звуки, голоса, лица рождали причудливые комбинации отражений...




Музыканты играли друг с другом и с залом...




Отражения Бобби в рояле. Фантасмогорические, невероятные, смешные, прекрасные. Как и сама его музыка...





Соло молодого прекрасного Чика. Вы дадите ему 74 года?




Соло МакФеррина. Точёное стройное тело воспроизводит звуки, недоступные никому из последователей и подражателей. Голос и музыка впитали всё вокруг. Даже Луну, для которой он поёт на последнем снимке!




Вдвоём. В четыре руки играют на фортепиано.
Chick Corea & Bobby McFerrin - Take 5
         


... и на два голоса поют. Вернее, на сотни голосов. Бобби использует все свои четыре октавы!




Chick Corea & Bobby McFerrin - Spain
                   



     
Прощание. Чёрно-белый мир ночной сцены снова становится цветным и уводит от нас двух великих музыкантов. В другие страны, города. К другим зрителям, очень похожим на нас.
           
     
Хочется верить, что до новых встреч с Бобби и Чиком, дамы и господа.

«Спектакль-исповедь – идеал для актера». Максим Аверин вскоре в Израиле
2015-07-28 10:31

Жизнь моя, кинематограф, черно-белое кино!
Кем написан был сценарий? Что за странный фантазер
этот равно гениальный и безумный режиссер?
Как свободно он монтирует различные куски
ликованья и отчаянья, веселья и тоски!
А потом придут оттенки, а потом полутона,
то уменье, та свобода, что лишь зрелостью дана.
А потом и эта зрелость тоже станет в некий час
детством, первыми шагами тех, что будут после нас
жить, участвовать в событьях, пить, любить,
идти на дно...

Юрий   Левитанский


В начале августа в Израиле пройдут гастроли популярного артиста театра и кино Максима Аверина с моноспектаклем «Все начинается с любви».



Уже само название подразумевает,  что актер, Максим Аверин, поэзию не просто любит, а относится к ней трепетно, с восхищением, с уважением, которое передает и своим зрителям. Этот спектакль – и беззаветное отношение к стихам Аверина, выступающего в нем и как режиссер и как драматург;  и спектакль, определяющие на сегодняшний день его как артиста, как человека, как мужчину. В моноспектакле «Все начинается с любви» он играет те роли, которые выбрал сам, которые ему не приходилось играть раньше, которые ему не навязаны, а выстраданы, выбраны и любимы.

«Он – поэт. Поэт, и этим всё сказано. Не надо никаких эпитетов – великий, знаменитый, известный. Так же, как артист. Есть два понятия – «артист» и «не артист», и ничего больше».Так Фаина Раневская говорила о Маяковском. И так же можно сказать об Аверине. Он – артист. «Этот моноспектакль – то, с чем я хотел бы обратиться к своему зрителю, рассказав и показав в нем поэтов, которых я не просто люблю, а обожаю. Это Маяковский, это Вертинский, Пастернак, Бродский, Давид Самойлов. Это театр, который мне очень близок, авторы, которые мне сродни по духу. Я открыл для себя эти имена еще в театральной студии, поняв, что Маяковский - это не тот революционной типаж, который мы изучали в школе, а поэт огромного лирического таланта, который был нам тогда малоизвестен. Маяковский - это уникальный человек, уникальный поэт, все в нем было уникально и жаль, что до сих пор не все знают его лирику. Это потрясающая поэзия и также потрясающе то, что сегодня мы все еще с ней знакомимся, открываем ее для себя. Я ничуть не преувеличиваю. Недавно я играл этот спектакль в Ростове-на-Дону перед воспитанниками детского дома. То, как слушали и как смотрели дети, чье внимание завоевать очень сложно, убедил меня в том, что эта поэзия – вечная». О поэзии и любви  во всех ее проявлениях и направлениях, Аверин способен рассказывать бесконечно. Он переполнен этим чувством через край.



В моноспектакле «Все начинается с любви» слово «артист» звучит ничуть не реже, чем слово «любовь»; а многие исполняемые произведения написаны поэтами-артистами - Александром Вертинским и Владимиром Высоцким. Немало актерских типажей встречается и среди персонажей - музыкант, клоун, уличный скоморох, театральный актёр или актёр кино. Две темы – тема любви и разговор о жизни артиста – не просто развиваются параллельно, а постоянно находятся в одной плоскости. Аверин, играющий свой спектакль, в нем и автор, и герой. Моноспектакль - всего один герой, но сколько действий, столько энергии и конечно же - любви.

Бывают спектакли, которые начинаются задолго до третьего звонка. Именно таков и спектакль «Все начинается с любви».  Можно быть музыкантом и писать свои произведения в стол, можно быть скульптором и оставлять скульптуры где-то на чердаке, но актер – это профессия мгновения. Это профессия «здесь и сейчас». Можно переснять сцену на телевидении, сделать дубль в кино, подобрать музыку, но каждый спектакль в театре неповторим, каждая программа должна быть совершенной, а играет Максим Аверин с убеждением, что завтра на сцене будет иначе, чем сегодня. Театр – искусство настоящего времени, пространство, находящееся между тем, что было, и тем, что будет, и называемое одним простым словом «сейчас». Если зрители еще могут наслаждаться воспоминаниями от увиденных пьес, то артисты оставляют вчерашние успехи в прошлом, а также навсегда исключают из своей речи утешительное «в следующий раз обязательно получится», понимая, что «следующий раз» – это уже другой спектакль, сыгранный другим способом, в другой атмосфере, а главное, для другой публики.

Актер театра «Сатирикон», знакомый широкой публике в основном по сериалам, показывает зрителям другие стороны своего таланта. В программе моноспектакля «Все начинается с любви», премьера которого состоялась в апреле 2012 года на сцене московского театра «Ленком» - стихи и проза Самойлова, Вертинского, Пастернака, Маяковского, Рождественского и Высоцкого, песни Вертинского и даже танцы. А еще Аверин иронично и метко рассказывает о закулисье фильмов и программ, в которых снимался сам. В спектакль также вошли отрывки из спектаклей, в которых играл Аверин, песни советских и российских композиторов, видеоряд из кинофильмов, живое общение с залом. Это тщательно продуманный, кропотливо сложенный воедино пазл из музыки, поэзии, прозы, света, таланта и обаяния Максима Аверина. Монологи, стихи, песни -  любимые, не похожие друг на друга и разные в каждом следующем своем прочтении произведения, к которым невозможно привыкнуть. Всё на одном дыхании - ярко, смачно, безумно позитивно и бесконечно жизнерадостно.



И единственная партнерша в спектакле у Максима все-таки есть – Людмила Гурченко. Неизменная и незаменимая, зримо или незримо участвующая сразу в нескольких номерах. Не случайным является и то, что многие песни, звучащие в моноспектакле Максима Аверина, когда-то были и в репертуаре Людмилы Гурченко: «Так, как хочется» и «Се ля ви», открывающие программу вечера, «Вечная любовь», завершающая весь цикл номеров, начавшийся именно с дуэта этих двух артистов, и «Песенка о хорошем настроении». А еще этот моноспектакль – пересечения. Это пересечения эпох, стилей, сюжетов, жанров. Судеб. Да и каждый спектакль сам по себе – и есть то самое событие-пересечение, служащее одним из составляющих, как линии жизни зрителей, так и творческого пути артиста.

Выступления Максима Аверина пройдут в Израиле с 5 по 8 августа 2015.

Видео-линки моноспектакля Максима Аверина «Все начинается с любви»




Официальный сайт Максима Аверина: http://www.maximaverin.ru/

Организатор спектаклей Максима Аверина в Израиле – Марат Лис и компания "Cruise International" http://www.cruiseinter.com/. Продажа билетов на сайте www.gastroli.co.il

Максим Аверин. «Всё начинается с любви…»
Ашдод, 5 августа, среда, Матнас «Дюна-Юд», 20.00
Хайфа, 6 августа, четверг, «Театрон Хэйфа», 20.00
Беэр-Шева, 7 августа, пятница, «Гейхал ха-Тарбут Гистадрута», 20.00
Тель-Авив, 8 августа, суббота, Театр «Гешер» - зал «Нога», 20.30
Касса «Браво» - http://kassa.bravo.org.il/announce/23519

Уже на этой неделе: «Зорба» на сцене - знаменитый сиртаки, знаменитая музыка и знаменитый сюжет
2015-07-26 23:22

Венгерский Национальный балет из города Дьёр и один из известнейших хореографов и постановщиков Венгрии Дьюла Харангозо привозят в Израиль балет «Зорба» на музыку Микиса Теодоракиса: знаменитый сиртаки, знаменитая музыка и знаменитый сюжет. Спектакль «Зорба» откроет летний фестиваль танца в Кармиэле, после чего будет показан еще в нескольких городах Израиля.



Впервые балет на уникальную и мощную музыку Теодоракиса был поставлен в августе 1988 года в Италии на «Арена ди Верона». То шоу побывало в 30 странах и увидело его более 3 миллионов зрителей. Балет "Грек Зорба" был показан и во время фестиваля «Каракалла» в Риме три года подряд - в 1991, 1992 и 1993 годах. «Зорба» гастролировал в Бразилии и Аргентине. И везде во всех странах, завоевывал зрителей благодаря музыке и неукротимой энергии этой истории, мифа о Зорбе, ставшего символом человеческого стремления к свободе, символом широкой души, чувств, страсти и ценностей человека, который знает все о ненависти, ревности, дружбе и любви.

«Грек Зорба» - роман греческого писателя Никоса Казандзакиса, по которому в 1964-м году был снят популярнейший одноимённый фильм. "Лицом" этой прекрасной чёрно-белой ленты по праву стал блестящий актёр Энтони Куинн, сыгравший одну из двух главных мужских ролей - роль Зорбы. С тех пор имя Зорбы стало нарицательным, а сам роман и сюжет неоднократно воспроизводились, в том числе и на балетной сцене. И всегда – с музыкой Теодоракиса.


В основе сюжета - история молодого англичанина греческого происхождения, решившего вернуться на землю предков и знакомящегося на Крите с греком Зорба. А как же традиционный греческий танец сиртаки, мелодию которого знает весь мир - даже те, кто и слыхом не слыхивал о греке Зорбе? Не было никакого народного танца на эту музыку. Мелодию специально для фильма написал известнейший греческий композитор Микис Теодоракис. Создатели ленты, вдохновленные красивой мелодией, придумали танец, который в фильме исполнили Энтони Куинн и Алан Бейтс. Весь мир решил, что это - главный греческий народный танец, а греки не стали спорить. И теперь народный греческий танец сиртаки действительно существует и исполняется везде – и в Греции, и в Венгрии, и ближайшим летом – в Израиле.

Государственный Венгерский Балет города Дьёра - самая известная балетная труппы Венгрии - был основан в 1979 году и сегодня этот венгерский коллектив считается одним из лучших в Европе. В прошлом году в Дьёра проходил уже 10-й Венгерский национальный фестиваль танца, а в этом году балет Дьёра приглашен Кармиэльским международным фестивалем танца выступить в Галилее в день открытия фестиваля.

Уже само сочетание венгерского взрывного характера и знаменитого сюжета вызывает интерес, который умножается на всем знакомую музыку Теодоракиса. А поставил спектакль «Зорба» хореограф Дьюла Харангозо - директор балета Венской государственной оперы и «Фольксопер», а также художественный руководитель балетной школы Венской государственной оперы и руководитель Национального Балета Дьёра – так что стоит ждать и аншлага, и оваций.


Балет города Дьёра был основан выпускниками Венгерского института балета в 1979 году. Благодаря продолжительной и успешной творческой деятельности балетная труппа стала не только визитной карточной Дьёра, но и снискала себе мировое признание как в классическом, так и в современном танце. Своим первым выступлением этот танцевальный театр, снискавший мировое признание, как в классическом, так и в современном танце, произвел настоящую революцию в балетном искусстве Европы. В 1983-м году на Всемирном театральном фестивале в Балтиморе балет Дьёра, единственный из 27 участников, был награжден Премией критиков. «Классический балет, тон которого был задан великой Вагановой, определяет сущность классического балета, который является основой танца. На таком фундаменте можно воспроизвести любую современную фантазию», - говорит руководитель труппы, которая насчитывает 54 человека и где на одной сцене танцуют артисты из Японии и России, Чехии и Германии. Балетная труппа ставит в театре Дьёра две премьеры в год в сотрудничестве с известными хореографами из-за рубежа, а также с собственными хореографами балетной труппы.
С 1995 года труппа гастролирует по всему миру, выступает на многих культурных фестивалях, а с 1998-го года организует свой Венгерский танцевальный фестиваль.
Кармиэль, Амфитеатр, 29 июля, 21:30
Хайфа, Центр конгрессов, 30 июля, 20:30
Ришон ле-Цион, Гейхал «Меир ле-тарбут», 31 июля, 22:00
Тель Авив, «Бейт а-Опера» - Центр сценических искусств , 1 августа, 21:00
Иерусалим, «Театрон Иерушалаим», зал «Шеровер», 2 августа, 20:30
Ашдод, Центр сценических искусств, 3 августа, 20:30

Информация и билеты в кассе «Браво» http://bravo.israelinfo.co.il/announce/23322

Фотографии предоставлены организаторами гастролей и пресс-отделом «Балета Дьёра»

Куклы со всего мира - в иерусалимском «Вагончике» позитивной энергии
2015-07-26 21:47

24-й Иерусалимский международный фестиваль кукольных театров - с 9 по 13 августа

Международный Иерусалимский фестиваль кукольных театров – мероприятие традиционное, мульти-семейное, для детей, уже любящих театр и для взрослых, все еще любящих играть в куклы, а также куклы выдумывать, мастерить, обшивать, превращать их в образы, сказки и тени, привязывать к ним всяческие аллегории и ассоциации, перекладывать на них свои проблемы – кукольные плечи  могут выдержать немалый груз забот.


Сразу несколько искусств таит в себе «широкоформатное» древнее и непростое метафоричное кукольное искусство. Кукольный театр – это и музыка, и пластика, и риторика, актерское мастерство и свободное веселое творческое пространство для зрителей всех возрастов.  Фестиваль кукол по инициативе иерусалимского театра «Карон» ( «Вагончик») впервые был проведен в 1983 году, а начиная с 2001 года стал ежегодным и проходит в августе сразу в 5 театральных залах (от одного до другого - несколько минуты прогулки) и на улицах Иерусалима. Этот фестиваль, который всегда проводится в каникулы, в разгар лета - возможность для детей и родителей вместе посмотреть лучшие представления европейских кукольных театров и увидеть уличный театр.

На фестивале в Иерусалиме всегда показываются  как премьеры – международные и израильские, так и старые спектакли театра "Карон", полюбившиеся иерусалимской (и не только) публике. В рамках фестиваля ежегодно проводятся семинары, встречи, прогулки, вечера, мастерские по изготовлению кукол и много другого, неожиданного и удивительного - того, что делает из нескольких десятков собранных в одном месте и в одно время спектаклей разных стилей, жанров, направлений и представлений из многих стран фестиваль фантазий, теней и образов, а не только чинный просмотр спектаклей. Есть и бесплатные мероприятия - иначе бы фестиваль не был праздником для всех, когда каждый может получить свою толику радости. Есть представления во дворе театра «Хан», есть театр для детей и для взрослых, кукольное музыкальное кабаре, веселый, развлекательный театр и, театр для узкого круга любителей, сложный, философский, постмодернистский, неоклассицизм... Зритель волен выбирать, что ему нужно, только не перепутайте даты: с 9 по 13 августа 2015 года.

Театр "Карон" уже три с лишним десятка лет неустанно прославляет и популяризирует искусство кукольного театра, так что теперь подобные фестивали проводятся в Хайфе, Бат-Яме и Холоне. Но Иерусалимский – самый главный и самый давний, и показываются на нем спектакли всех жанров, традиционные и экспериментальные, театра теней и театра предметов, авангардные и привычные, анимационные и музыкальные, для детей и взрослых, сказочные и реальные, но главное – все сделанные с любовью. Ведь в куклах живет душа человека – их создателя. Из года в год реноме фестиваля растет: чтобы на него попасть выстраиваются очереди,  как из актеров, так и из зрителей. Но главное - фестиваль каждый год предлагает что-то новое, современное видение кукольного театра, постановки спектаклей, творческий диалог между кукловодами из Израиля и других стран на самой интересной сценической площадке – в коробочке-вагончике кукольного театра, а еще и на семинарах, мастер-классах и просто встречах. В этом году на фестивале также представлены и школы кукольных театров. И еще: впервые в этом году на фестивале пройдет конференция «Кукольный театр для самых маленьких – как это делается?» с участием художников, кукловодов и театроведов. Конференции – это место встречи, а благодаря таким встречам и тому, что на Иерусалимский кукольный фестиваль приезжают руководители ведущих фестивалей из Европы и со всего мира, израильские кукольники  получают приглашения выступать за рубежом.

На 24-м фестивале в Иерусалиме за 5 дней с 9 по 13 августа будут представлено 38 спектаклей из 7 стран – всего более 100 представлений. Помимо израильских театров кукол, в фестивале принимают участие куклы и кукловоды из Германии, Чехии, Бельгии, Италии, Франции, Словении и Греции. Всего так много, что выбрать что-то подходящее, можно только зайдя на сайт театра "Карон" www.traintheater.co.il . Рекомендую просмотреть сайт, чтобы не запутаться в 38 спектаклях, цены на которые щадящие – от 30 до 80 шекелей. Фестиваль разрастается, как и кукольные истории, и потому в этом году кукольные мероприятия пройдут не только в самом театре кукол «Карон» - постоянном организаторе фестиваля, но и в театре «Хан», в театре «Карон», в развлекательном комплексе «Тахана ришона», в зале «Лео Модель» и в «Бейт Шмуэль».

Каждый год часть спектаклей фестиваля строится вокруг определенной темы: цирк, гигантские куклы, известные сказки, любимые книги. А на сей раз, эта тема – кино.  Так в спектакле чешского театра «Драк» «Мастер иллюзии» рассказывается о жизни Жоржа Мельеса, одного из создателей кинематографа , великого иллюзиониста и изобретателя спецэффектов.  Во французском спектакле «Клик» через игру кукол-марионеток передают историю изобретения кино и появления цветных лент, а в израильском представлении «Дорога на Эйн-Харод» кинематографическая техника сочетается с театральной, с «Puppet cinema».

Но тема кино – тема лишь части представлений. Итальянский режиссер и актер Антонио Каталано покажет в Иерусалиме спектакль для малышей - пантомиму «Тик-так», рассказывающую о времени и часах. На фестивале будут представлены также спектакли только для взрослых: греческий театр «Merlin Puppet»  привозит т черную комедию об одном доме, в пяти квартирах которого живут шесть несчастных людей. Здесь царят беспокойство, одиночество, жадность и отчаяние. В этом спектакле использованы разнообразные техники изготовления кукол, необычное освещение и дизайн сцены. «Кукольный театр сегодня - это отдельная эстетика, а не только традиционные марионетки и куклы-перчатки, - говорит Шахар Маром, один из организаторов  фестиваля, - но и представления, в которых используется  анимация и участвуют куклы, сделанные из самых неожиданных материалов».

Вторая тема 24-го  Иерусалимского международного фестиваля кукольных театров  - это театр для малышей. Малышей – значит зрителей в возрасте около 3 лет. «Во многих странах люди творчества обращаются к малышам  в возрасте от двух лет до четырех. И на нашем фестивале будет показано несколько спектаклей, предназначенных для самых-самых юных. Программы международного фестиваля кукольного театра составлены с учетом двух основных целей, которые ставит перед собой театр «Карон»: первая – доставить удовольствие публике, вторая – развить кукольный театр в Израиле посредством активного общения израильских кукольников с их зарубежными коллегами» - говорит Далия Яфе-Мааян, директор театра «Карон» и постоянный руководитель фестиваля.

Помимо Антонио Каталано к малышам обращаются и создатели спектакля «Поезд зверей» из Германии: детям предлагается занять места на сцене и принять участие в судьбах зверюшек, едущих в поезде. Спектакль «Овечка, которая свалилась с неба» из Чехии знакомит детей с миром деревянных кукол, а в конце представления они с ними могут поиграть. А главный герой спектакля «Торлотото» из Словении выскакивает из книги и веселится вместе с детьми.

Сам театр «Карон» представит на фестивале премьеру «Будьте здоровы, Морис Маги!» по известной детской книге. Среди других израильских представлений на фестивале - «Три панды» (премьера) и «Йоэль сказал».  Ансамбль «Пупик»  покажет спектакль «Кабаре сумок и чемоданов», хайфский театр «Альгамбра» из «Бейт ха-Гефен» представит  спектакль «Аладдин и волшебная лампа» - старую сказку, рассказанную по-новому:  самые известные рассказы «Тысячи и одной ночи» представлены в современных интерпретациях, обращенных к молодежной аудитории. В фестивале участвуют и театр «Зикит», «Театр Эмилии» Орит Лейбович, театр «Бебит» и другие. Клоун-мим Леша Гавриэлов, уроженец Якутска, выпускник театра-школы Софы Москович, представляет на фестивале спектакль «Апчи» - про простуженного клоуна – добрый, веселый и без слов.

24-й Международный фестиваль кукольных театров, 9-13 августа, Иерусалим.
Заказ билетов: «Бимот» www.bimot.co.il
или в кассе «Браво» - http://kassa.bravo.org.il/festival_of_puppet_theater

Театр «Карон»: www.traintheater.co.il

И по телефону: 02-6237000, 6226*

Цена билетов: от 30 до 80 шек.

Маша Хинич. Фотографии предоставлены театром «Карон»

<input ... >

По просьбе коллег
2015-07-26 21:19
По просьбе коллег из соседних музейных пространств:) ставлю инфу о надвигающемся событии в музее на Ротшильде. Т.к., вечер проходит на иврите, думаю, не разобравшиеся с текстом объявления на таковом, не будут на меня в обиде за недосужность перевода:) (Под катом)



Моцарт в историческом разрезе
2015-07-22 03:27

* Фестиваль Израильской оперы в Акко – 10-12 сентября 2015 года
* Оперный уик-энд в Старом Акко – комическая опера Моцарта
* «Женитьба Фигаро» во дворе крепости; «Итальянский праздник» с тремя тенорами на открытом воздухе; «Золушка» для всей семьи в рыцарских залах.

* Впервые: Итай Тиран ставит «Женитьбу Фигаро» Моцарта
*Израильская Опера продолжает традицию летних оперных фестивалей – на сей раз в Западной Галилеи, уже второй раз устраивая оперный уик-энд в замке госпитальеров в Старом Акко.

Центральное событие фестиваля – комическая опера Моцарта «Женитьба Фигаро», которую ставит актер и режиссер Итай Тиран, а продирижирует ею молодой израильский дирижер Даниэль Коэн (лауреат II Международного конкурса дирижеров имени Евгения Светланова в Монпелье в 2010-м году).

За оперным уик-эндом в Акко стоит немало сил – для начала, естественно, Израильская Опера, а вслед за ней, как ни странно, ЮНЕСКО, объявившее Старое Акко объектом всемирного значения еще в 2001-м году, а за ЮНЕСКО в очередь выстроились министерство туризма, компания по развитию Акко, муниципалитет, управление по развитию Галилеи, все вместе греческим (или оперным) хором, напоминающие, что Акко с его 5000-летней историей - многолик, что в городе живут представители пяти религий, что синагоги соседствуют с церквями, мечетями, друзскими молитвенными домами и бахайским храмом. В Акко всегда полезно съездить, в истории города пластов больше, чем в археологических раскопках во дворе крепости, и недаром сэр Лоренс Олифант заметил еще в 1882 году: «Среди всех городов на Сирийском побережье, от Антиохии и до Газы, нет ещё такого города, как Акко, чья летопись была бы так насыщена событиями, и нет другого такого города, чье влияние на судьбу всей страны было бы настолько велико».

Сочетание культурного досуга и туристических развлечений неоднократно доказывало   себя. В данном случае эти две области времяпровождения просто-таки подталкивают друг друга на фоне того, что классическая музыка и Галилея вновь входят в очередной виток моды, становятся притягательными для израильских и зарубежных туристов.
Министерство туризма в последнее время  вложило более 600 миллионов шекелей в реставрацию города крестоносцев и обновление Старого Акко. По сравнению с тем, что было в крепости Акко несколько лет назад, и даже в прошлом году, когда в Акко впервые проводился Оперный Фестиваль, на котором была представлена опера Моцарта «Дон Жуан» (а в следующем году, по всей видимости, будет поставлена опера Моцарта «Похищение из Сераля»), прогресс - огромный. Раскопки в крепости крестоносцев расширяются, залы реставрируются, экспозиции обновляются – и поводов посетить Старое Акко все больше и больше, если еще вспомнить и о традиционном театральном фестивале и планируемом в октябре фестивале музыки а-капелла. Ну а то, что стены крепости – отличная декорация для любого представления, понятно без излишних объяснений. И также и то, что туристический и культурный потенциал Акко куда больше, чем использовано до сих пор – это подчеркивали на пресс-конференции и г-жа Раайя Штраус Бен-Дрор - одна из спонсоров фестиваля Оперы в Акко, и представители инвестиционной компании «Сокровища Галилеи», поддерживающей 300 галилейских мелких предприятий.

В программу Фестиваля Оперы в Старом Акко в сентябре 2015 года входят следующие постановки:

Опера «Женитьба Фигаро» Моцарта, которая будет поставлена во дворе крепости актером и режиссером Итаем Тираном и дирижером Даниэлем Коэном под открытым небом. «Женитьба Фигаро» - одна из самых известных опер и популярных «вечных» опер Моцарта, ставшая одним из канонов оперного искусства. На презентации для журналистов этого осеннего проекта Оперы Итай Тиран сказал, что в жанре опере для него слились два самых важных в его жизни увлечения – сцена и музыка (он изучал не только драму, но и музыку, вокал и дирижирование). «Работать с такой музыкой – уже само по себе большая честь и привилегия. И огромная ответственность – я впервые ставлю в качестве режиссера оперную постановку. В опере Моцарта есть любовь, юность, легкая забава, шутка и масса удовольствия. И одновременно – зрелость. Постановка в Акко «Женитьбы Фигаро» стала для нас шансом по-новому показать это бессмертное произведение Моцарта, где помимо веселья комедии ошибок, выражен еще и сословный конфликт и война полов».
«Женитьба Фигаро» Моцарта будет представлена в Акко 10 сентября, в четверг, в 21-00; и в субботу, 12 сентября, в 21-00 при участии оркестра «Израильская Камерата – Иерусалим» и солистов Израильской Оперы. На пресс-конференции не раз подчеркивались, что все исполнители этой оперы - израильтяне. Как и все остальные, кто участвуют в работе над этой постановкой: молодой, но уже хорошо известный в мире дирижер Даниэль Коэн (именно он в прошлом году дирижировал в Акко оперой «Дон Жуан»); сценограф и художник по костюмам Таль Шахам; художник по свету Ури Мораг и специалист по видео-эффектам Йоав Коэн. Кстати, видео-эффекты упомянуты не просто так – стены крепости становятся не только естественными декорациями, но и экранами для видео-проекций  на соответствующие Моцарту темы.

Даниэль Коэн: «Работать с партитурой Моцарта – это наслаждение. Те минуты, когда я могу полностью погрузиться в его музыку, приносят мне счастье. А возможность для нас поставить в Акко столь совершенное произведение как «Женитьба Фигаро» - это также возможность прочувствовать каждую ноту этой оперы».
Солисты: Сюзанна - Хила Баджо. Фигаро - Яир Полищук. Графиня Розина Альмавива – Алла Василивецкая. Граф Альмавива - Одед Райх. Керубино, паж графа – Наама Гольдман (та самая, что прославилась исполнением партии Кармен летом 2012 года на Масаде). Доктор Бартолло – Владимир Браун. Марселина – Идит Замир. Дон Базилио – Эйтан Дрори. Дон Курцио, судья – Лиран Копель. Антонио, садовник графа, дядя Сюзанны – Габриэль Лоунхайм. Барбарина, дочь садовника – Таль Бергман.

«Три тенора в Акко». Неаполитанские песни и музыкальные сюрпризы.
Лучшие арии для теноров из опер «Риголетто», «Богема», «Травиата». Итальянский праздник в рыцарском дворе Старого Акко.
Пятница, 11 сентября, 21-00. При участии Гастона Риберо – Уругвай, Доменико Манини – Италия, Сальваторе Корделла – Италия. Оркестр «Симфонетт Раанана» под управлением итальянского маэстро Сальваторе Корделлла, дирижировавшим недавно оперой «Любовной напиток» в «Брейхат ха-Султан» в Иерусалиме.

Джоаккино Россини. «Золушка» для всей семьи – суббота, 12 сентября, 11-00, 13-00 и 15-00. Перевод на иврит – Давид Зебба. Постановка: Ширит Ли Вайс. Исполнение – певцы «Опера Студио» при Израильской Опере. Партия ф-но – Давид Зебба.
Меццо-сопрано Анат Чарны рассказывает о постановке «Золушки» в Акко
https://www.youtube.com/watch?v=S8_6t7_ZCV8

Дополнительная информация на сайте Израильской Оперы
www.israel-opera.co.il и на сайте www.bimot.co.il
Информация о возможностях ночевки и прогулок в Галилее -
на сайтах www.ozrothagalil.org.il и www.bagalil.co.il

Маша Хинич

«Записки для Пины Бауш» - диалог для трех танцовщиц
2015-07-19 15:34

« ...И пожалуйста, давай всегда продолжать танцевать вместе»

Особая премьера на фестивале «Тель-Авив Данс» 24 августа - балетный спектакль Рины Шейнфельд, посвященный ее подруге, великой балерине, легендарной немецкой танцовщице и хореографу Пине Бауш, многогранной личности, одной из реформаторов современной культуры. Спектакль «Записки Пине Бауш» посвящен также и 25-летию фестиваля «Тель-Авив Данс».

«Записки Пине Бауш» - это диалог, но трех женщин: самой Пины Бауш в виде тени проекции (отрывки из фильмов «The Complaint of an Empress» , «Ahnen Ahnen»), Ринф Шейнфельд и Лилии Бурдинской – в танце, рисунок которого перекликается с мотивами хореографии Пины Бауш. Все ищут свою любовь - ищут под музыку, написанную специально для этого спектакля молодым бразильским композитором Энрике Эйзенманом – восходящей звездой Нью-Йорка - и под народные напевы, в том числе и под мелодию сицилианской погребальной молитвы. А родилась идея этого спектакля – из поэзии, из одноименной стихотворного сборника лирики «Записки к Пине Бауш» израильской поэтессы Хадассы Таль, лауреата премии Леи Гольдберг за 2000-й год.

Израильская балерина Рина Шейнфельд, одна из значимых балерин современности по мнению New York Times, посвятила свой балет-перформанс своей близкой подруге Пине Бауш (скончавшейся в 2009-м году) –  легендарному хореографу, дружба Рины с которой длилась более 40 лет. Во всем мире этот спектакль 77-летняя Рина танцует сольно. Но прошедшей весной она впервые исполнила его в России вместе со своей коллегой – петербургским хореографом Лилией Бурдинской, которая приедет в августе в Израиле. 24 августа в Тель-Авиве в рамках фестиваля «Тель-Авив Данс» эта постановка впервые в Израиле будет исполнена не только одной Риной Шейнфельд, но и Лилией Бурдинской.

«В спектакле есть отрывок, где я танцую, а изображение Пины проецируется на мое тело. Я говорю «Помни меня, помни меня», и притрагиваюсь к проекции. И она рядом. В каком-то смысле мне удалось пронести ее в моем теле и дать ей возможность станцевать еще раз. В своих письмах ко мне она писала: «…И пожалуйста, давай всегда продолжать танцевать вместе», - рассказывает Рина Шейнфельд, сотрудничавшая на протяжении своей карьеры с лучшими труппами мира - такими как труппы Марты Грэм и Мерса Каннингема, много лет работавшей вместе с Пиной Бауш , танцевавшая в ансамбле «Бат-Шева», и давно открывшая свой театр танца в Тель-Авиве.

«Записки Пине Бауш» - это дань уважения ее жизни, посвященной танцу. Пина Бауш создала новую форму танца, новый язык тела, с нее началось иное существование актера на сцене. Пину Бауш - основательницу целого направления в области современного танца - интересовал внутренний мир обычного человека, и танец как способ его выражения, как особый язык, доступный каждому вне зависимости от культурной, социальной, языковой принадлежности. Танец в творчестве Пины – универсальный язык общения. Вклад Пины Бауш в современное искусство, ее идеи, ее творчество, экспрессивность трудно переоценить.

Рина Шейнфельд родилась в 1938 году в Тель-Авиве, училась в Нью-Йорке в школе искусств «Джуллиард» - как раз вместе с Пиной Бауш. В 1964 году Марта Грэм и баронесса Бат-Шева де Ротшильд основали в Израиле танцевальную компанию «Бат-Шева». Рина стала сооснователем компании, ее примой-балериной. В 1978 году хореограф открыла собственный Театр танца Рины Шейнфельд в Израиле. Ее стиль в балете - эклектичен и, как она сама говорит, отчасти вдохновлен самим городом и архитектурой баухауза Тель-Авива. Характерной особенностью ее хореографии стало использование в танце и сценографии различных объектов, предметов, необычное взаимодействие хореографии и аксессуаров.

«Ощущение собственного тела» - это то, что интересует в танце, в современном балете и Лилию Бурдинскую - хореографа из Санкт-Петербурга, работающую в стиле contemporary dance, а до этого изучавшую классический балет в Англии. Лилия Бурдинская - создательница и художественный руководитель центра современного танца «ByeBye Ballet», а также основатель «Liliya Burdinskaya Dance Company». Лилия окончила Школу классического балета Николая Легата в Англии и лондонскую школу современного танца «The Place», получила степень бакалавра искусств в contemporary dance в Kent University. За время обучения работала с ведущими хореографами мира, в частности с Мерсом Каннингемом и Тришой Браун, которые также являются учениками школы основательницы американского modern-dance Марты Грэм, с которой работала и Рина Шейнфильд.

В сезоне 2006 года Лилия танцевала в бразильской компании Деборы Колкер, затем - как солистка в Национальном театре танца Уэльса. В 2010–2011 годах изучала технику танца Охада Нагарина в «Бат-Шеве». С 2009 года она создала хореографию пять танцевальных спектаклей: «Мегаполис», «Мистер Ч.», «Сон Симоны», «I Love Me(N)», «Миф». Лилия называет себя хореографом инсталляций, который в своих постановках не стремится построить диалог со зрителем, а пытается дать ему возможность наблюдать. Вторая страсть Лилии - вязание. Нередко хореограф собственноручно создает костюмы для своих постановок. Это увлечение нашло отражение в ее работе «I Love Me(N)», где процесс вязания использован как метафора: мир состоит сплошь из узлов и нитей, Вселенная — это одно большое покрывало. Как-то Лилия сама себе организовала танцевальный марафон, решив танцевать без перерыва и сна. Она танцевала в комнате вместе с аккомпаниатором с окнами без стекла, так чтобы зрители могли свободно наблюдать ее танец, не мешая ей. Лилия протанцевала 31 час. Ее целью было переродиться в танце – осознать себя и свои возможности в движениях.

30 апреля 2015 года в Петербурге состоялось открытие центра исполнительных искусств в лофте «Артмуза», почетным гостем которого стала Рина Шейнфельд. Создатели центра – центр современного танца ByeBye BALLET    Лилии Бурдинской и Международная театральная школа «Легкие люди». Один из залов нового центра назван именем Рины Шейнфельд, а второй - именем Пины Бауш

«Мне кажется, что это было только вчера, ты и я встретились в «Джульярде» в Нью-Йорке. Ты была такой красивой, такой сильной, такой яркой личностью. Я преклонялась перед тобой. Ты давала мне силы, когда в жизни случались разочарования. Мне хотелось с тобой поделиться так многим. Дорогая Рина! Твоя любовь к работе, твои поиски, твоя энергия - вот что поддерживало меня. С любовью, Пина» (Фрагмент из письма Пины Бауш Рине Шейнфельд).

«Записки Пине Бауш» - спектакль, где Рина и Пина снова встречаются, и где они вновь танцуют вместе. Это встреча двух миров, двух жизней, большой дружбы и искусства. Рина Шейнфельд: «Пина была очень закрытой личностью, довольно одинокой. Но между нами возникла особая связь – как ни с кем другим в моей жизни. Мы не сплетничали, ни болтали, как другие студентки «Джульярда». Но чувствовали, что наши судьбы связаны. Когда в последние годы я узнала, что Пина – еврейка, я начала думать, что наши чувства и судьбы связаны и Катастрофой. Иногда, когда я вижу ее фотографии, ее лицо, я начинаю плакать. Но я чувствую, что она со мной, и мы танцуем вместе, как она хотела…». Рину и Пину считали сестрами-близнецами – они были схожи внешне, именами, мировоззрением, танцем. Их обеих любили фотографировать и рисовать. И сравнивать. Пина Бауш приглашала Рину Шейнфельд участвовать в ее фестивале в Германии и преподавать в ее школе танца. Рина часто с ней встречалась и Израиле, куда Пину любила приезжать.

Изначально «Записки Пине Бауш » был моноспектаклем, премьера которого прошла в Тель-Авиве год назад – летом 2014 года. У спектакля существует несколько версий – так в Бангкоке его исполняли 34 танцовщицы. В Петербурге же соло превратилось в дуэт: вместе с Риной Шейнфельд на сцене была не только видеопроекция, но и Лилия Бурдинская, с которой Рина познакомилась на одном из тель-авивских фестивалей танца в 2013 году. Стихи Хадассы Таль звучат как в исполнении самой Хадасы Таль - на иврите, так и в исполнении Лилия Бурдинской по-русски (в переводе Анастасии Карамышевой).

В вечере понедельника, 24 августа, в в тель-авивском Центре Сузан Далаль также будут исполнены отрывки из спектакля «Не уходи сейчас» Театра танца Рины Шейнфельд на музыку израильских композиторов и Леонарда Коэна.

Стоимость билетов – 100-120 шекелей. Информация по телефону 03-5105656 или 03-6046745. Заказ билетов в Интернет-кассе «Браво» - http://kassa.bravo.org.il/announce/49101


Маша Хинич. Фото Арины Нагримовой предоставлены Театром танца Рины Шейнфельд

Творец оживших скульптур
2015-07-13 09:45
Оригинал взят у wildgrass в Творец оживших скульптур

Огюст Роден… Давным-давно, после того, как мне в руки попалась книга Дэвида Вейса "Нагим пришел я…", образ великого, сильного, страстного, талантливого скульптора овладел моими мыслями. Оказавшись в Париже, я в первые же дни посетила бывший дворец Биронов на рю де Варенн, где с 1919 года находится музей Родена. Его скульптуры пронизаны чувствами, от них веет человеческим теплом и жизненной силой. В его работах средством передачи безгранично широкого спектра эмоций становятся движения человеческого тела, а естественные и свободные положения фигур отражают богатство внутренней жизни человека.
Поэтому совершенно естественным кажется создание Борисом Эйфманом балета «Роден». В 2012 году этот спектакль стал лауреатом высшей театральной премии Санкт-Петербурга "Золотой софит", победив сразу в четырех номинациях – "Лучший балетный спектакль", "Лучшая женская роль в балетном спектакле", "Лучшая мужская роль в балетном спектакле" и "Лучшая работа художника в музыкальном театре" (Зиновий Марголин). В этом балете звучат сочинения французских композиторов роденовского периода, рубежа 19-20 веков - произведения Массне, Сен-Санса и Равеля, что помогает создать атмосферу этого спектакля, связанного с культурной традицией 19-20 века и, в то же время, спектакля абсолютно нового балета 21-го века.


"На языке тела мы говорим в этом спектакле о страсти, внутренней борьбе, отчаянии – обо всех тех явлениях жизни человеческого духа, которые гениально изображены Роденом и Камиллой в бронзе и мраморе. Обратить застывший в камне миг в безудержный, эмоционально насыщенный поток телодвижений – вот к чему я стремился, – рассказывает Борис Эйфман. – Я показываю не скульптуры, а процесс работы художника. Спектакль "Роден" - это размышление о непомерной цене, которую приходится платить гениям за создание бессмертных шедевров. И, конечно же, о тех муках и таинствах творчества, что всегда будут волновать художника".
Критики единодушно признают способность Бориса Эйфмана создавать яркие и эмоциональные постановки, оригинальность его хореографического языка несомненна, как и то, что его балеты относятся к сфере современного эмоционально сложного движения. Льюис Сигал из авторитетного издания Los Angeles Times резюмировал так: "Из всех хореографов, ставящих сюжетные спектакли для ведущих театров, российский романтик Борис Эйфман, в сущности, единственный, кто полностью соответствует 21 веку". А сценография спектакля "Роден" названа североамериканской прессой "выдающейся".

Хореография Эйфмана эротична, как и многие скульптуры Родена (особенно в период любви к Камилле). Эйфман, как всегда, стремится пластикой танцовщика выразить самые тонкие душевные переживания героя, а в данном балете – и эстетику, смысл творчества Родена. Эйфман не оживляет в танце скульптуры Родена (как делал это Леонид Якобсон), но в хореографии читаются ассоциации с его работами: «Вратами ада», «Гражданами Кале» и другими.





Композиция самого балета не повествовательная, как в прежних произведениях Эйфмана. Спутывая последовательность происходящих событий, хореограф добился особой динамичности спектакля, создал впечатление несущегося вихря, который «всасывает» в себя героев, перемешивает и калечит их судьбы.
Балет начинается с конца: в «доме скорби» бесцельно бредут или ведут своеобразный хоровод по кругу пациентки больницы, одетые в светлые балахоны и чепчики. Среди них Камилла, которая и здесь – «другая», особенная, за что ее преследуют обитательницы сумасшедшего дома. Немолодой Роден приходит навестить Камиллу. Но и по прошествии многих лет Камилла таит в душе ненависть к Родену, который, как она считает, разрушил ее жизнь. Затем действие возвращается на много лет назад.

В конце спектакля Роден, отрешившись от всех мирских проблем, трудится в своей мастерской – высекает из мрамора скульптуру. В этом его жизнь.
"Роден". Балет Бориса Эйфмана
Музыка: Морис Равель, Камиль Сен-Санс, Жюль Массне
Автор декораций: Зиновий Марголин
Художник по костюмам: Ольга Шаишмелашвили
Художники по свету: Глеб Фильштинский и Борис Эйфман
Тель-Авивский центр сценических искусств
(http://www.israel-opera.co.il/?CategoryID=823&ArticleID=3200)
26 июля, воскресенье, 20:00
27 июля, понедельник, 20:00
28 июля, вторник, 20:00

Информация и билеты в кассах Тель-Авивского Центра сценических искусств по телефону 03-6927777 , на сайте: http://www.israel-opera.co.il/?CategoryID=823&ArticleID=3200 или в кассе «Браво»

Сайт театра балета Бориса Эйфмана: http://www.eifmanballet.ru/

Фестиваль в стране фестивалей: Первый, Цирковой, Международный, Конкурсный, Ашдодский!
2015-07-11 23:43

В Израиле фестивалем называют любое, мало-мальски яркое действо продолжительностью более двух часов. Потому так непросто заставить поверить публику и потенциальных участников фестиваля–конкурса циркового искусства, что в разгар летних каникул, с 16 по 18 августа, в Ашдоде пройдет Первый, Цирковой, Международный, Конкурсный, Ашдодский Фестиваль! Настоящий фестиваль с профессиональным компетентным  судейством, отбором номеров и гала-представлением – наподобие фестивалей  и камерных и тех грандиозных, что устраиваются в Монте-Карло, Сан-Пауло, Париже и Москве, откуда и приедет часть судейской коллегии - из цирка Запашного, цирка Никулина и Высшего Училища Циркового искусства.



Цирковой фестиваль в Ашдоде призван доказать, что цирк – это искусство, а не просто развлечение. Это серьезный подход, призовой фонд, три первых места, особый приз судейской коллегии, профессионализм и тщательный отбор номеров, что предполагает долгие тренировки и долгую подготовку. Фестиваль проводится на конкурсной основе с присуждением призовых мест (золото, серебро, бронза).
Подобные фестивали – это трамплин для прыжка на трапецию профессионального циркового сообщества. На цирковые международные конкурсы приезжают директора цирков, представители фестивалей в других странах, импресарио и на месте заключают контракт с понравившимися им артистами. Можно сказать, что на этих фестивалях формируется цирковое сообщество, в которое входит и ашдодский цирк Dorato, основанный в Ашдоде восемь лет назад. Dorato - единственный в Израиле цирк со своей постоянной труппой и со своей школой, в которой сегодня занимаются дети от 3 до 18 лет в 10 разных группах.

В Первом Цирковом Международном Ашдодском фестивале могут принять участие израильские и зарубежные артисты цирка, профессионалы и любители. Анкеты можно сгрузить на сайте www.circusart.co.il . Лучшие номера конкурса станут программой гала-вечера, который пройдет 18 августа в Ашдодском Центре сценических искусств в 19-30, а сам цирковый конкурс 16 и 17 августа обещает быть не менее интересным, чем заключительный вечер. Конкурс будет проходить на настоящей цирковой 13-метровой арене в двух возрастных категориях в помещении цирка Dorato .

Цель у организаторов фестиваля и конкурса – войти в список самых престижных фестивалей в мире; изменить в самом Израиле отношение к цирковому искусству; развить цирковую культуру; показать, что в Израиле есть цирк международного уровня; есть талантливейшие артисты. Есть готовые интересные номера. Слава Нусинский и его соратники доказывает, что цирк в Израиле существует и у него есть свое лицо. Кстати, вопреки распространенному представлению, цирком, modern circus, в Израиле занимаются не только русскоязычные, но и ивритоязычные израильтяне. Современный цирк, modern circus - это общепринятый сейчас термин, новое направление развития циркового искусства. По своей сути modern circus очень отличается от прежнего цирка. Это, во-первых, цирк без зверей. Во-вторых, в нем очень высок уровень акробатики и воздушной акробатики. Современный цирк - более универсален, это скорее полностью собранное и срежисированное театрально-цирковое шоу, а не отдельные репризы или номера.



Свою цирковую школу Слава Нусинский создал 2010-м году. За это время школа достаточно серьезно разрослась. «Мы сегодня являемся самой большой цирковой школой Израиля. Наша техника, в основном, взята из русской школы, и в плане акробатики и техники обучения нам равных нет. Сегодня высокий уровень акробатики – именно у нас, - говорит Нусинский. - Наша цель – подготовиться и в течение двух-трех ближайших лет попасть на фестиваль в Монте-Карло. Это самый престижный цирковой конкурс в мире, туда отбирают самых лучших. Только пройти отбор на подобные фестивали – уже показатель уровня. Для этого нужно много ездить, участвовать, показывать номера, работать на узнаваемость. Чтобы представить себе уровень, скажу для сравнения - это как стать участником Олимпийских игр. Очень высокая планка, и мы постараемся ее достичь. Международные фестивали и конкурсы стимулируют развитие циркового искусства и подстегивают интерес зрителей к риску, к свободе, к бесшабашности цирка, позволяют оценить его колорит, историю, традицию и современные направления. Цирк – это возможности человеческого тела, юмор и синтез традиционных цирковых амплуа. А наш фестиваль – возможность это увидеть, почувствовать и даже поучаствовать в нем не только как зрителям, но и как артистам».

По словам Нусинского, все познания в цирковом искусстве он получил у Йосефа Черепинского, практически вырос и научился цирку в его школе «Арена». Потом пришло время уйти от учителя и создать собственную группу. Для того, чтобы заниматься собственной школой профессионально, Слава оставил армию, которой отдал 15 лет жизни. Демобилизовался в чине майора, чтобы полностью посвятить себя любимому делу – вести цирковые занятия, ставить концерты и шоу для чего надо быть фанатом, супер-профессионалом и бесконечным оптимистом, чтобы преуспеть в этом виде искусства.



«В мире существует большое количество международных цирковых фестивалей, которые проходят в разное время года, имеют индивидуальную специфику и свою изюминку.  Надеемся, что Первый Цирковой Международной Ашдодский фестиваль станет необычным и притягательным конкурсом-фестивалем  для всех профессионалов цирка и любителей циркового искусства, будет популяризировать и пропагандировать культуру цирка и исполнительского искусства. Наш фестиваль – это новый, смелый цирк и это возможность реализовать  казалось бы, недостижимую мечту». И еще – это новые неординарные  яркие номера, невероятные трюки, развлекательное шоу. Это клоуны, акробаты, эквилибристы, жонглеры, воздушные гимнасты,  иллюзионисты и маги,  поддерживающие в зрителях веру в чудесное и замечательное…

Страница цирка «Dorato» в фэйсбуке
https://www.facebook.com/DoratoCircus
Сайт цирка Dorato
http://www.circusart.co.il/
Страница мероприятия Первого Циркового Международного Ашдодского фестиваля
https://www.facebook.com/events/878610618898562/
Страница цирковой школы «Dorato» в фэйсбуке
https://www.facebook.com/CircusArtIsrael
https://www.youtube.com/watch?v=4Een1ZulwoA
Билеты в кассе ashow.co.il (http://ashow.co.il/ru/show.php?id=1505). Билеты на конкурсные  представления -  25 шекелей (зал вмещает 500 человек), на гала-шоу – 100 шекелей.

(Фото В. Шехтера предоставлены организаторами фестиваля)






LEGO - значит «Играть хорошо»
2015-07-11 18:06

Да и кто бы сомневался в том, что играть - это хорошо, а играть в LEGO – самый узнаваемый бренд в мире игрушек - так вообще замечательно. В четверг, 9 июля, в павильоне номер 2 тель-авивского выставочного комплекса Ганей-Тааруха открылась выставка ПАРК LEGO (продлится до 29 августа) – головокружительный парк развлечений для маленьких детей и сопровождающих их лиц, привезенный в Израиль из Италии. Колесо обозрения, американские горки, карусели, самолеты, скульптуры и машины, площадки для гольфа и дорожки для автомобильных гонок, гиганты и малыши – и все это собрано из кирпичиков-кубиков LEGO, к которым добавлены киноэкраны, видеоигры, аттракционы, площадки для игр и творчества. Более миллиона кубиков LEGO на площади 2400 квадратных метров в закрытом кондиционированном комплексе.




Парк LEGO в Тель-Авиве – это хорошие новости для детей и родителей. LEGO - это шлягер конструкторов и любимые детьми герои из тематических наборов  от «Звездных войн» до «Ниндзя». Трудно представить более популярную и увлекательную детскую игру, чем конструкторы LEGO. Начиная с 1949 года, когда первые наборы LEGO появились в магазинах, цветные пластмассовые кубики помогают родителям по всему миру растить смышленых, развитых и увлеченных детей. Общепринятым уже стало мнение о той положительной роли, которую играет LEGO в развитии ребенка. С LEGO даже самые маленькие дети могут почувствовать себя творцами – собирать, разбирать и выбирать нестандартные решения. Знайте, направляясь на выставку, что игры с конструкторами LEGO развивают моторику; что благодаря занятиям с конструкторами LEGO развивается структурно-логическое мышление; что, собирая конструктор, дети учатся быть внимательными и терпеливыми. Разложите конструктор LEGO на полу и начните сами строить из него дома, города и крепости – и через какое-то время дети начнут вам помогать. Создание объемной модели непростая задача, но дети с ней справляются. Психологи, утверждают, что LEGO полезен даже для взрослых, и, главное - из LEGO можно собирать все что угодно по своему вкусу, руководствуясь фантазией и воображением, как и сделано в парке LEGO в Тель-Авиве.




Не все взрослые знают, что есть двадцать четыре способа соединения друг с другом восьмиэлементных кубиков конструктора LEGO. При условии, что есть три разноцветных кубика, количество вариантов превысит тысячу.  При этом многие из современного поколения взрослых выросли на этом конструкторе, и компания LEGO не собирается терять своих перспективных клиентов. В 2001 году была создана специальная серия для поколения менеджеров: Lego serious play («Серьезные игры Lego»). На Западе эта игра стала одним из способов тим-билдинга и развития корпоративной культуры. По мнению   Дэвида Гаунтлетта из Вестминстерского университета  «LEGO обладает уникальными возможностями объединять людей и раскрывать их слабые и сильные стороны. За старой доброй игрой люди быстро находят выход порой даже из самых сложных ситуаций». С помощью конструктора сегодня возводятся произведения искусства, скульптуры и даже дома. Британский телеведущий Джеймс Мей собрал себе из LEGO настоящий двухэтажный коттедж с несколькими комнатами, ванной и даже туалетом. На создание LEGO-дома было потрачено более 816 миллионов кубиков, а в постройке британцу помогала команда волонтеров.

Бренд LEGO является сегодня самым известным в мире игрушек. Даже более известным, чем кукла Barbie. Но мало кто знает, что датская компания LEGO начинала свою историю, как обычный производитель деревянных изделий. Первые LEGO были сделаны из дерева. История LEGO ведет свое начало с 1932 года, когда Оле Кирк Кристиансен основал в Дании в своем городке Биллунда компанию по производству товаров для повседневного обихода. Продукцию Оле делал из дерева, при этом изначально основную прибыль компании приносили лестницы и гладильные доски, спрос на которые резко упал в период мирового финансового кризиса. Нужно было искать новую нишу. И Оле разглядел ее в производстве деревянных игрушек, так как спрос на них не ослабевал даже в тяжелые с финансовой точки зрения времена. Главным помощником Оле уже в то время был его сын, который трудился вместе с отцом с 12 лет.








Начав выпуск игрушек, Кристиансен стал искать название для своей компании. Он дал задание всем работникам фабрики предложить свой вариант названия. Предложений было много, но в итоге выбрали то, что придумал сам основатель – слово LEGO, которое происходило от двух других – Leg и Godt, которые вместе означают на датском «играть хорошо», играть с удовольствием. Несколькими годами позже основатель узнал, что фраза «LEGO» на латыни означает «я учусь» или «я складываю». Хотя, говорить о том, что над названием думала вся компания слишком уж громко. Трудилось в LEGO тогда всего 7 человек, увлеченных плотников. И они уже тогда заботились о качестве продукции. Над их рабочими местами красовалась надпись, повешенная на стену Оле Кристиансеном: «Только лучшее является достойным».

К 1936 году компания уже имела в своем распоряжении набор из 42 различных игрушек. В 1947 году происходит знаменательное событие: LEGO решается перейти на пластик, даже не подозревая, что это огромный шаг к успеху. Следующий шаг Оле удается сделать благодаря помощи британца Хиллари Фишера Пейджа. Будучи изобретателем, Пейдж к тому же являлся владельцем фирмы Kiddicraft. Созданием игрушек он увлекся, когда еще был ребенком. В самом начале 1940-х он начал выпускать пластмассовые «строительные кирпичики», на которых имелись пазы и выступы для соединения. Изобретатель считал, что, только разбираясь в психологии ребенка, можно создавать хорошие игрушки. Сыну Оле Готфриду к тому моменту уже было 30 лет, и он не меньше отца занимался делами компании. Готфрид понимал, что будущее именно за такими игрушками.

В LEGO стали постепенно отходить от дерева в пользу пластмассы. В конце 1940-х годов у компании было в наличии около 200 различных моделей пластиковых и деревянных игрушек. Но LEGO еще был вовсе не тем, каким мы его знаем сегодня. Кубики, права на которые получила компания LEGO, пока еще были не пригодны для полноценного конструктора. А потому не выпускались вплоть до 1958 года, пока Готфрид Кристиансен не запатентовал систему строительных элементов из кубиков. Это была абсолютно новая система, позволявшая гораздо прочнее соединять между собой детали конструктора. И это было начало становления компании, завоевывающей детские сердца…



В 1980 году любители LEGO выразили любовь к компании, построив огромную башню в 13,1 метра из этого конструктора. В конце 90-х годов в Москве была построена башня из LEGO в 24,88 метра. Она вошла в книгу рекордов Гиннесса.  И вот еще несколько фактов: В 2000 году Британская ассоциация продавцов игрушек назвала кирпичик LEGO самой значимой игрушкой XX века. В безумной популярности LEGO лежат две идеи: «самоскрепляющиеся кирпичики» и то, что, взяв за основу один единственный конструктор, можно дать детям возможность собирать из него какие угодно игрушки. Площадь самого известного парка из LEGOLAND в датском городе Биллунд составляет 100.000 квадратных метров. На его строительство потребовалось 8 миллионов модулей. В Тель-Авиве парк LEGO выглядит немного скромнее, но не менее интересно.

Парк LEGO в Тель-Авиве. Выставка продлится до 29 августа 2015 года.
Часы работы: воскресенье-четверг: 09: 00-19: 30. Пятница: 09: 00-16: 30, Суббота: 09: 00-19: 30.
Предусмотрены различные скидки при приобретении билетов. Подробности на сайте:
http://www.legopark.co.il/.

Фото: Евгений Брестовицкий, strana.co.il


Чулпан Хаматова: Час, когда в души идешь - как в руки…
2015-07-04 20:38

«Когда вместо желанного, предрешенного, почти приказанного сына Александра родилась только всего я, мать, самолюбиво проглотив вздох, сказала: «По крайней мере, будет музыкантша».

«Мать и музыка». Марина Цветаева


Каждая женщина в какой-то момент своей жизни сердится на бога. И потом смиряется. Пожалуй, именно об этом спектакль Чулпан Хаматовой – о том, что мы ждем от жизни и о том, что жизнь нам преподносит. В спектакле «Час, когда в души идешь - как в руки», в музыкальном спектакле со своим драматическим сюжетом, в основе которого лежат прекрасные литературные произведения, вместе с Чулпан участвуют пианистка Полина Кондраткова и саксофонистка Вероника Кожухарова. И еще две великие женщины 20 века, две поэтессы – Марина Цветаева и Белла Ахмадулина.

Другая гостья, голосом глубоким,

осведомилась:

- Одаренных богом

кто одаряет? И каким путем?

«Сказка о дожде». Белла Ахмадулина

Чулпан Хаматова соединяет музыку и слово, поэзию и прозу, судьбы и век, представляя на сцене произведения Марины Цветаевой «Мать и музыка», и Беллы Ахмадулиной «Уроки музыки» и «Сказка о дожде». Не представляя – нет, проживая их. Делясь радостью - тем, что эти слова были написаны и тем, что их можно перечитать.

«Мать не воспитывала, испытывала силу сопротивления... Мать поила нас из вскрытой жилы Лирики, как и мы потом, беспощадно вскрыв свою, пытались поить своих детей кровью собственной тоски». Черный френч, рояль, музыканты в черном, пронзительный луч света - больше ничего не надо, чтобы ощутить дрожащий нерв широкой поэзии Цветаевой, корни которой - в музыке, в деспотически духовном воспитании матери, ставящей непомерно высокую планку для дочерей. «Кровь музыки», впечатления, книги, ноты и эмоции, без конца вталкиваемые в души девочек матерью Цветаевой, умершей слишком рано, дали свои плоды: старшая дочь стала великим и одним из самых трагических поэтов 20 века. Прозу Цветаевой в спектакле «озвучивает» рояль, а Ахмадулину «сопровождает» на первом плане саксофон. «Сказка о дожде» Ахмадуллиной становится романом с Дождем. Хаматова превращает ее стихи в сказку-метафору, перевоплощаясь в героиню Ахмадулиной - кокетливую, нежную, неумолимую, милосердную, виноватую, откровенную, ищущую истину в мире самооткровений.

В этом спектакле помимо слов, музыки и света, очень много честности, слез, нервов, любви и личности одной из наиболее известных и востребованных актрис современности. Сама Чулпан Хаматова говорит: «Это не спектакль - это наше яростное желание поделиться возможностью побега из выхолощенной, бесчувственной реальности. Нас трех «сегодняшних» - саксофонистку Веронику Кожухарову, пианистку Полину Кондраткову и актрису Чулпан Хаматову - поведут за руки две величайших женщины, два великих поэта - Марина Цветаева и Белла Ахмадулина. Большая дерзость читать со сцены эту прозу и стихи, но радость, которую они дарят, перевешивает любой страх. И зажмурившись, мы всё-таки нырнём в эту прекрасную стихию. Вместе с вами!».

Вероника Кожухарова - лауреат многих международных конкурсов, представительница и лицо французской компании Selmer (самой известной в мире фирмы по производству саксофонов), обладательница уникального саксофона, полученного ею в подарок от владельца фирмы Патрика Сельмера. Вероника Кожухарова превращает саксофон в сверхинструмент. Его волнующие звуки то успокаивают, то завораживают, то лечат, то вонзаются в душу. Вероника Кожухарова объездила с концертами более 15 стран, и везде ее принимали прекрасно, ведь музыка не требует перевода.

Полина Кондраткова (фортепиано) - выпускница Московской консерватории им. Чайковского. Она - лауреат международных конкурсов, обладательница нескольких Гран-при. Ее творческий путь богат выступлениями на лучших концертных сценах Европы и мира, частыми гастрольными поездками. Полина Кондраткова — не только известная пианистка, но и молодой талантливый композитор.


Марина, это все - для красоты


придумано, в расчете на удачу


раз накричаться: я - как ты, как ты!


И с радостью бы крикнула, да - плачу.


«Уроки музыки». Белла Ахмадулина 


Чулпан Хаматову часто отличает от прочих способность и стремление всегда быть разной на сцене или экране. Она говорит о себе, что количества разных красок в её актерской палитре ей всегда недостаточно. Но именно в спектакле «Час, когда в души идешь - как в руки…» она выходит к публике не с программой – а с разноцветной палитрой, в которой есть и музыка, и проза, и поэзия Марины Цветаевой и Беллы Ахмадулиной – в проекте, появившемуся по инициативе самой Чулпан Хаматовой. В спектакле, где музыка порой важнее слов, но без слов, без этих эмоциональных текстов, его бы не было. «Я человек, транслирующий слово» - говорит Чулпан. Помимо мелодии и мелодики цветаевской прозы, стихов Ахмадулиной, со сцены звучит музыка классическая и та, что написана специально для этого проекта. Здесь всё, как в стихотворении Беллы Ахмадулиной – «Уроки музыки». «Две сильных тишины, два слабых горла: музыки и речи».

Черный рояль, золотой саксофон и Чулпан Хаматова – как струна. Она читает Цветаеву с таким надрывом - сама Цветаева на сцене. А затем становится улыбчивой Ахмадулиной. Она затрагивает забытые части души, забытые тонкости и переживания. Настоящие переживания…

Чулпан Хаматова в спектакле «Час, когда в души идешь - как в руки…» по произведениям Марины Цветаевой и Беллы Ахмадуллиной

Хайфа, 26 ноября 2015, четверг, 20:00, «Аудиториум»              

Тель-Авив, 27 ноября 2015, пятница, 20: 00, зал «Бейт ха-Хаяль»        

Петах-Тиква, 28 ноября 2015, суббота, 19:30, «Гейхал ха-Тарбут»                               

Заказ билетов: http://kassa.bravo.org.il/announce/49120

Чулпан Хаматова в спектакле «Час, когда в души идешь - как в руки…»

Организатор гастролей Чулпан Хаматовой – продюсерская компания Rest International. Фото: Ольга Лавренкова

        

Форс-мажоры Михаила Ефремова
2015-07-04 20:18

Ждите в октябре. Ждите, потому, что он невероятный, потому, что гениально читает стихи и потому, что он – Ефремов! Хороший, плохой, злой. И бескомпромиссный. Но прежде – востребованный актер, режиссер, блестящий рассказчик, любимец судьбы, лицедей от бога, жонглирующий образами-масками и резкими поворотами своей парадоксальной фортуны .

Искрометный эффект сочетания «Ефремов – Поэзия» знают все. Но у любого человека, помимо внешних и внутренних эффектов, есть биография. Попробуем изложить биографию Михаила Ефремова в двух абзацах. Это невозможно, но основные вехи, намеченные словами, таковы: благодаря отцу Михаил еще мальчиком впервые вышел на сцену МХАТа - в спектакле «Уходя, оглянись!» В кино он также начал сниматься еще с детства. Тринадцатилетним подростком Михаил сыграл в фильме «Дни хирурга Мишкина», а фильм «Когда я стану великаном» (1978) сделал его одним из самых популярных юных актеров страны. В 1980 году Ефремов снялся в фильме «Однажды двадцать лет спустя», затем была армия и институт. У него не только отец и мать – актеры: отец – легендарный режиссер Олег Ефремов, мать - актриса театра «Современник» Алла Покровская. Его дед - оперный режиссер Борис Покровский. Прапрадед - Иван Яковлевич Яковлев, создатель чувашского алфавита и письменности, в свое время открыл триста школ. Сам же Михаил Ефремов долгое время в был (и остался) непредсказуемым, «хорошим, плохим, злым» человеком, от которого никто не знал, что ожидать, эдаким форс-мажором, что не помешало ему в 1987 году окончить школу-студию МХАТ и возглавить Театр-студию «Современник-2», где играли Никита Высоцкий, Мария Евстигнеева, Вячеслав Невинный-младший. В 1991-1999 годах Михаил Ефремов был актeром МХТ имени Чехова.

С конца 1980-х Михаил Ефремов вновь снимался в кино. Он играл главные роли в телесериалах и драмах, в комедиях и музыкальных трагикомедиях. Сыграл вместе с Олегом Ефремовым в сериале «Чехов и К». На его счету множество ролей в фильмах и сериалах – от супергероев до суперзлодеев, от лиц положительных до лиц нежелательных… В 2011 году Ефремов принял участие в проекте телеканала «Дождь» «Поэт и гражданин» (теперь «Гражданин поэт»), в котором читает стихи на злобу дня и едкие политические пародии.

Проект «Гражданин поэт» Михаил Ефремов придумал вместе с бывшим главным редактором «Коммерсанта» Андреем Васильевым и писателем Дмитрием Быковым. Они возродили в новой форме жанр сатиры, а Ефремов стал лицом проекта и вновь сделал актуальной фигуру чтеца. Чтеца не только лирики, но и ядовитых памфлетов в прекрасном исполнении актера-реформатора, чувство свободы которого превратилось в театральную миссию. Актер, художественная позиция которого стала социальной. Актер, который всегда говорит со сцены «человеческим голосом». Ефремов - актер эпохи перемен, убежденный, что именно театр – это вечное искусство и сосредоточение всех искусств, и что театр может и должен играть огромную роль в общественной жизни – будь то политическая сатира или история любви. Михаил Ефремов - художник в оппозиции к миру, хороший, плохой, злой....

Спектакль «Хороший, плохой, злой» - это воплощенный на сцене в поэтических иллюстрациях творческий и жизненный путь Михаила Ефремова, рассказ о сотнях ролях в кино, десятках театральных персонажей, о режиссерских работах, о множестве публикаций и телесюжетах. Это новейшие номера «Гражданина Поэта» и «Господина Хорошего», прошедшие огонь телеканалов, воду интернет-порталов и медные трубы домов культуры; фрагменты из фильмов и личные истории.

Напомним, что «Хороший, плохой, злой» (Il buono, il brutto, il cattivo) - название эпического спагетти-вестрена Серджо Леоне с участием Клинта Иствуда. После выхода на экраны в 1966 году фильм был воспринят неоднозначно в связи с циничностью и аморальностью главных действующих лиц, но со временем стал восприниматься как эталон жанра, одним из лучших по режиссуре фильмом в истории. Может ли Михаил Ефремов стать эталоном? Ответ даст он сам в своем спектакле-откровении.

Михаил Ефремов. Спектакль «Хороший, плохой, злой»

Петах-Тиква, 29 октября 2015, четверг, 20:00, Гейхал ха-Тарбут          

Беэр-Шева, 30 октября, 2015, пятница, 20:00, Гейхал ха-Тарбут Гистадрута

Хайфа, 31 октября, 2015, суббота, 20:00, Хайфский театр                    

Тель-Авив, 2 ноября 2015, понедельник, 20:00, Театр Гешер - Зал «Нога»

Ашдод, 3 ноября 2015, 20:00, Центр сценических искусств

Михаил Ефремов — Хороший, Плохой, Злой…

Информация о билетах - на сайте «Браво»

Организатор гастролей Михаила Ефремова со спектаклем «Хороший, плохой, злой»  в Израиле – продюсерская компания Rest International . Фото: Александр Пчелкин

«Talarium et Lux» представляет в Израиле в октябре: «Жизель»
2015-07-04 19:41

Talarium et Lux с латыни переводится как «Балет и свет» и выражает концепцию московского Театра русского балета «Talarium et Lux»  - показать русскую школу балета в новом свете - в свете мультимедиа, мультимедийных технологий, показать шедевры балета на фоне волшебного мира компьютерной анимации. На сей раз, в октябре 2015 года, театр привозит в Израиль балет «Жизель» - удивительную историю о бессмертной любви, вероломном предательстве и прощении, дарующем жизнь.




Иллюзия реальности – вот то, что называется магией театра. Традиции и современность, статичность и динамика – все это подходит для описания спектаклей «Talarium et Lux», уже в третий раз гастролирующего в Израиле. Закономерный успех этого театра стал справедливой наградой всему творческому коллективу под руководством легендарного артиста балета, балетмейстера и педагога Михаила Леонидовича Лавровского, создавшего «Talarium et Lux»,

Гениальная музыка Чайковского, Рахманинова, Адана, Минкуса, Асафьева звучит иначе, а сцены из лучших балетов мира: «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Корсар», «Вешние воды», «Пламя Парижа» выглядят по-другому в новом прочтении Михаила Лавровского. В обрамлении световых эффектов, новаторского сочетания классической хореографии с современными, немыслимых возможностей, технологиями, мировая балетная классика стала балетом завтрашнего дня. Море света, «волшебные» экраны, неожиданные технические приемы, эффекты 3D, смелые решения постановщика, отточенное мастерство артистов, фантастической красоты костюмы, удивительный синтез музыки, танца и света превращает происходящее на сцене феерическое действо в настоящую магию, которую невозможно описать словами - ее надо увидеть собственными глазами.

Театр русского балета «Talarium et Lux» открылся в Москве в 2012 году. В его составе – 30 профессиональных балетных артистов Москвы и России. Попасть в постоянную труппу «Talarium et Lux» непросто: все кандидаты проходят жесткий отбор. С талантливыми артистами работают наиболее опытные балетмейстеры. По словам Михаила Леонидовича Лавровского, художественного руководителя балета, то, что этот футуристический синтез родился на русской почве – не случайно. Русская школа классического балета по-прежнему удерживает мировое первенство. В то же время, современный балет открыт для всех новаций нашей высокотехнологичной эпохи. Сочетание мультимедийных возможностей с классикой дает возможность молодым хореографам экспериментировать, создавать неожиданные сочетания, ставить новаторские постановки, а танцорам – по новому раскрывать характер классических персонажей. «В нашем мире столько поп-культуры, подкрепленной мощной технической, мультимедийной базой, что создалось ложное впечатление о том, что классический репертуар должен полностью сдать позиции. Но это неправильно: классический репертуар исчезнуть не должен.  Надо создавать балеты с применением всех существующих технологических возможностей. Нужна магия, феерия, сказочная атмосфера – тогда привлечет  внимание зрителей всех возрастов!» – говорит Михаил Лавровский.



Сказочной атмосферой насыщен и спектакль «Жизель» - фантастический балет в двух действиях французского композитора Адольфа Адана на либретто Анри де Сен-Жоржа, Теофиля Готье и Жана Коралли по легенде, пересказанной Генрихом Гейне. В истории любого из поставленных балетов обязательно лежит история любви. И «Жизель» - не исключение. Вряд ли кому суждено узнать, как танцевала великая балерина Карлотта Гризи. Но никто не сможет забыть ее, потому что два не менее великих человека — хореограф Жюль Перро и поэт Теофиль Готье — были влюблены в Карлотту и создали для нее «Жизель». «Жизель» - балет-легенда, бесспорная вершина романтического балета, в котором переплелись легенда о вилисах Генриха Гейне, фантазии Жюля Перро и Теофила Готье, чарующие мелодии модного композитора Адольф Адана и реальная история страстной любви к первой исполнительнице партии Жизели. Премьера балета в Париже в 1841 году прошла с невероятным успехом. «Чего только нет в этом произведении. И выдумка, и поэзия, и музыка, и композиция новых па… и гармония, полная жизни, грации, энергии,…Вот что называется балетом», писал театральный критик Жюль Жанен после премьеры. На сцене Парижской Оперы балет «Жизель» задержался на долгих 18 лет и был показан 150 раз.

Русская судьба балета не менее успешна. В 1842 году на сцене Мариинского театра, а позже – и на сцене Большого театра «Жизель» впервые была показана русским ценителям Мельпомены и с тех пор никогда не покидал русской сцены.
В 1944 году блестящий советский хореограф Леонид Лавровский (отец руководителя «
Talarium et Lux» Михаила Лавровского) предложил авторскую редакцию хореографии великих классиков Коралли, Перро и Петипа. Первой Жизелью «нового времени» стала легендарная Галина Уланова. Именно в хореографическом переложении Лавровского балет «Жизель» вошел в сокровищницу русского балета.

Театра русского балета «Talarium et Lux». «Жизель».
Представления в Израиле с 6 по 20 октября 2015 года.
Билеты – в Интернет-кассе «Браво»

Сайт театра «Talarium et Lux» - http://www.talarium.com/

Фотографии Р. Рычкова предоставлены пресс-отделом театра " Talarium et Lux "


Мюзикл против антисемитизма
2015-07-04 18:48

Интервью с Даниэлем Донским – продюсером и солистом мюзикла «You Wont Succeed on Broadway if You Dont Have Any Jews», поставленного на Вест-Энде в Лондоне и приезжающего в Тель-Авив в середине июля.


Даниэль Донской

- Даниэль! Добрый день! Фраза из мюзикла «Spamalot» «Монти Пайтона» «Нет Бродвея без еврея» стала расхожей. Как из этого, в общем-то, правдивого утверждения, возник еще один мюзикл, так и названный - «You Wont Succeed on Broadway if You Dont Have Any Jews»?
- Прошлым летом, во время военной операции «Нерушимая скала» я находился в Лондоне. Рядом с моим домом проходила 60 тысячная демонстрация – пропалестинская, антиизраильская. Через несколько дней, когда в центре Лондона шла еще одна подобная демонстрация я, ожидая прослушиваний в театре, познакомился со своей будущей коллегой и партнершей по созданию нашего шоу - еврейкой Михаэлой Стерн, также ждущей своей очереди на прослушивание. В это время на Тель-Авив падали бомбы, моя мама сидела в убежище, а в театр вошел разносчик популярной бесплатной газеты - с огромным заголовком о том, какие «плохие» израильтяне. И мы оба – и Михаэла, и я, несмотря на важность того прослушивания, встали и ушли. И решили отреагировать по-своему – музыкой и творчеством на то, что творилось в Лондоне. Из наших разговоров, из желания противостоять антисемитизму и родилась идея мюзикла, который мы привозим с Вест-Энда в Тель-Авив.
По причуде судьбы и Михаэлу, и меня пригласили участвовать в мюзикле, посвященном евреям Биробиджана – бывают такие странные совпадения.  И на репетициях мы вновь заговорили об идее поставить музыкальный спектакль о евреях, но отличающийся от того, что уже делалось в диаспоре: либо о том, как евреям непросто живется, если они ставятся еврейской труппой, либо - если спектакль ставится английской труппой – о том, какие евреи хитрецы. И собрали для этого группу профессиональных актеров Collaborative Artists.

- Вы сразу замахнулись на большой проект о еврейской музыке, точнее о музыке еврейских композиторов, работавших на Бродвее?
- Да. А еще точнее – о 80-летней истории еврейских умов в развитии музыкального театра с 1930-х годов и до наших дней, о еврейском мире Бродвея, где начиная с 30-х годов ХХ столетия вплоть до наших дней, самые известные хиты были сочинены еврейскими композиторами. В спектакле мы - профессиональные актеры созданной нами группы Collaborative Artists - двигаемся от классики Гершвина и Берлина к современным «Rent» и «Волосы». Гершвин, Шолом Секунда, Ирвинг Берлин, Алан Менкен – они родились в Восточной Европе или в США в семьях выходцев из Восточной Европы. Российские евреи создали американскую музыку, также, как российские евреи создали Израиль. Правда, мы используем одну мелодию Коула Портера, но он сам говорил, что причина его успеха в том, что он научился хорошо писать еврейские мелодии. Мы стали изучать биографии еврейских композиторов, историю еврейского театра, историю Бродвея, еврейской музыки, историю евреев 20 века, отбирать хиты, решив, что каждая декада будет представлена в нашем мюзикле тремя песнями и соответствующим видеоматериалом. Поначалу идея была сделать небольшое кабаре-шоу в камерном зале человек на 100, но после того, как мы открыли в фэйсбуке страницу и стали через нее приглашать для участия в мюзикле профессиональных актеров и музыкантов, живущих в Лондоне, к нам стало обращаться множество людей, и мы решили дерзнуть…


Михаэла Стерн и Даниэль Донской

- Начинающий актер, приехавший из Израиля, решает ставить шоу на Вест-Энде. Вас, наверное, сочли за сумасшедшего…
- И, считают таковым по сей день. Я сделал тысячи звонков, и все-таки нашел продюсера в нас поверившего – Лоуренса Миллера, который договорился о нашем выступлении в театре «Гаррик». И вдруг, как-то бывает, все получилось, все завертелось, мы начали работать, репетировать, искать спонсоров. Было множество технических проблем, но все прошло замечательно, и мы познакомились с Джоанной Джолсон, основательницей Английского Национального Театра в Израиле, предложившей нам выступить в Тель-Авиве вместе с ее актерами. Как только мы решили, что приезжаем на гастроли в Израиль, нам предложили контракт на двухнедельные выступления в лондонском театре «Сент-Джеймс» - большая честь для нашей группы Collaborative Artists.

Я сам никогда не выступал в Израиле - я уехал из страны семь лет назад в Берлин. Поначалу изучал менеджмент, затем три года биологию в университете, хотя всегда хотел заняться музыкальным театром, с детства играл на фортепьяно и пел – как и полагается в московской еврейской семье. Но любовь к театру перевесила все, и я поступил в театральную школу в Лондоне - The Arts Educational School of London.

- В том, что вы делаете, присутствует немалая толика патриотизма…
- Еврейские общины в Англии на словах поддерживают Израиль, но на деле мало кто из их представителей приезжает в страну и реально что-то делает. Поэтому нам было так важно приехать и выступить, тем более что многие из наших лондонских еврейских актеров впервые попадут в Израиль.


- Все участники шоу - евреи?
 - Да. Все, кто пришли на прослушивания, были евреями, подтвердив еще раз, что «нет Бродвея без еврея». В Лондоне на репетициях у одного из наших актеров был день рождения - и мы все начали танцевать хору. Это был особый момент.

На спектаклях в Тель-Авиве мы сотрудничаем не только с актерами Английского Национального Театра в Израиле, но и с израильскими музыкантами, актрисами из «Габимы» и «Камерного театра», помощниками режиссера и хореографа. Джоанна Джолсон отбирала кандидатов в 3 тура и посылала в Лондон видео - мы начинали работать на расстоянии. У нас есть еще один русскоязычный актер - израильтянин, работающий по контракту в московской оперетте и приезжающий в Израиль, чтобы выступить в нашем спектакле, где всего участвуют более 20 человек. Мы объяснили лондонским актерам, что в Израиле все говорят слишком громко и слишком быстро – надеюсь, что у них не будет культурного шока: англичане иногда чрезмерно учтивы и благовоспитанны. А если серьезно, то надеюсь, что в Лондоне поймут, что Израиль - это культура, а не военные действия.

- А кто за все платит? За аренду зала, гостиницу, авиабилеты, за огромные технические расходы?
- Мы пытались собрать деньги на эти гастроли через объявление на одном из еврейских филантропических сайтов, но средств, которые мы собрали, не хватило. И тогда я пошел в банк и взял ссуду. Надеюсь вернуть кредит после гастролей. Если не рисковать, то ничего не получится. Я настолько сильно верю в этот проект, что не сомневаюсь, что он принесет всем удовольствие, счастье и что все будет так, как мы задумали. Я искренне верю в то, что искусство соединяет страны и народы куда лучше политиков.

- С такими красивыми лозунгами вы не пробовали получить поддержку от Сохнута или других организаций?
- Для израильских организаций - и государственных и коммерческих, мы – английская частная труппа. Английские же компании не хотят иметь дело с теми, кто едет на гастроли в Израиль. Мы - не амута, мы оказались вне рамок и категорий, позволяющих просить деньги или помощь у государств – мы ведь просто группа молодых еврейских лондонских профессиональных актеров Collaborative Artists.



В мюзикле «You Wont Succeed on Broadway if You Dont Have Any Jews» звучат песни из произведений Джорджа Гершвина, Ричарда Роджерса, Лоренца Харта, Оскара Хаммерстейна, Ирвинга Берлина, Франка Лосссера, Фредерика Лоу, Сая Коулмена, Джона Кандера, Стивена Сондхайма и других.

«You Wont Succeed on Broadway if You Dont Have Any Jews»
https://www.facebook.com/youwontsucceedonbroadway
13 июля, понедельник - 17 июля, пятница
Понедельник - четверг, 19:30; пятница - 14:30
Продолжительность шоу - 2 часа 20 минут, включая антракт
Тель-Авивский музей искусств, зал «Асия» (Тель-Авив, бульвар Шауль ха-Мелех, 27)

Online заказ: http://www.leaan.co.il/you-wont-succeed-on-broadway-if-you-dont-have-any-jews/
или в Интернет-кассе «Браво» - http://kassa.bravo.org.il/announce/49208
Collaborative Artists LTD
Сайт: www.collaborativeartists.co.uk
www.collaborativeartists.co.ukhttp://www.collaborativeartists.co.uk
Английский Национальный Театр Израиля (English National Theatre of Israel):
www.englishtheatreisrael.com
www.facebook.com/ENTheatreIsrael


Маша Хинич

Приобщение к Славе
2015-06-30 11:45

Дамы и господа!
Дело было в Иерусалиме, городе, полном сказок и теней, призраков и мифов, безумия масок и событий.
В четверг вечером в зале "Гармония" на последнем концерте джазового фестиваля, посвящённого Телониусу Монку, организованного неутомимым Владимиром Маком, выступали пианист Слава Ганелин и ударник Аркадий Готесман. Два музыканта, знающие друг друга множество лет, играли так, что сразу понял - писать не буду. В моём журнале обсценная лексика не принята, а описать эту великолепную музыку свободы можно лишь нецензурными словами, выражающими высшую степень восторга.
Фотоаппарат я с собой даже не взял. Всё равно Ганелина фотографировать не могу. Цепенею!
Так почему же всё-таки пишу? А потому, что в этот вечер Бог "Гармонии" не оставил нас без "привета".
         
Свободные импровизации первого отделения были насыщены музыкой 20-го века. Наверняка и Монк где-то прятался, но доминировали призраки Шостаковича, Прокофьева, Шнитке...
В какое-то мгновение я отвёл взгляд в сторону и увидел в первом ряду странную пару.
   
Пожилая религиозная женщина в лыжной шапочке с кокетливо вывязанной надписью SPORT держала на коленях толстый изрядно потрёпанный молитвенник. Читая его, она иногда прикрывала глаза и замирала. Нет, не спала. По напряжённо-раслабленной позе было ясно, что она СЛУШАЕТ МУЗЫКУ. Время от времени она закрывала молитвенник, вместо закладки используя огромный ком мятой салфетки и превращая книгу в мятый бумажный  шар, из которого, как паучки, готовые разбежаться, высовывали усики чёрные буквы ивритской вязи.
     
Её сосед, немолодой мужчина в кипе сосредоточено слушал. Иногда он раскрывал рюкзачок, лежащий на коленях, извлекал оттуда огромный морской бинокль, аккуратно свинчивал крышечки, прикрывающие окуляры, долго и внимательно рассматривал Ганелина, а после проделывал всю процедуру в обратном порядке.

Антракт. Аплодисменты. Бурные обсуждения. Иерусалимская прохлада остужает страсти. Но ненадолго...
Во втором отделении Монк заявил о себе более внушительно. Как сказал Володя Мак, он слушает Ганелина 36 лет, но впервые видит перед ним раскрытые ноты. И не менее редкий случай - ноты перед ударником. Не знаю, что они там написали, но чувствовали друг друга на уровне подсознания. Как правая рука, точно знающая, что делает левая. Ганелин играл на фортепиано и синтезаторе, помогая себе колокольчиками.

Когда раздался звук перебираемых струн, мы решили, что это очередная электронная добавка. Но "музыка плюс" явно раздавалась сзади. Музыканты продолжали "держать фасон", недоумённо вглядываясь в сумерки последних рядов. Организатор фестиваля Владимир Мак героически поднялся и отправился наводить порядок. Вернулся он через некоторое время, грозно и торжественно помахивая "конфискованной" укулеле.
Ну что ж, у каждого свой способ приобщения к Славе.

Все затаили дыхание, ожидая продолжения. Вспомнилась знаменитая старая цирковая реприза, где ковёрный выскакивал на манеж с большой трубой и начинал что-то играть. Сердитый и строгий шталмейстер отбирал у лицедея инструмент и, ругаясь, отправлялся с ним за кулисы. Неунывающий клоун доставал дудочку поменьше. И так далее, пока с крохотной свистулькой не удирал от шталмейстера. Но на сей раз Бог "Гармонии" решил, что "приветов" достаточно и дал музыкантам доиграть.

Прощаясь, мы вышли под ночное иерусалимское небо. Всё было на своих законных местах. Звёзды, прохожие, спешащие по своим сверхважным делам, машины и коты. О произошедшем напоминали лишь "преступный" укулеле, оставленный сбежавшим хозяином, и светлая улыбка на лице странной религиозной слушательницы.
И музыка, музыка, музыка, звучащая в нас.

Мы будем вспоминать этот вечер. Со всеми его странностями и чудесами.
Хотя, может быть, не стоит их разделять. Ведь в свободной музыке было рассказано обо всём. В том числе и о том, что я пытаюсь передать вам на неуклюжем языке слов, дамы и господа.

Балет «Роден» - «Обратить застывший в камне миг в поток…»
2015-06-29 14:45

Санкт-Петербургский театр балета Бориса Эйфмана в июле приезжает в Израиль с двумя балетами: «Up & Down - Ночь нежна» и «Роден». Гастроли театра Бориса Эйфмана пройдут в Израиле с 23 по 28 июля в Тель-Авивском центре сценических искусств «Бейт ха-Опера».




«Up & Down - Ночь нежна» - новый балет Бориса Эйфмана, поставленный им по классическому роману Фрэнсиса Скотта Фицджеральда «Ночь нежна» на музыку Гершвина, Шуберта и Алана Берга. «Up & Down  - Ночь нежна»  - первое хореографическое прочтение этого романа Фицджеральда.  В Санкт-Петербурге премьера «Ночь нежна» прошла  в конце января 2015 года и спустя полгода после премьеры  балет будет показан  в Израиле.  А вот спектакль «Роден», впервые показанный в ноябре 2011 году на сцене Александринского театра в Петербурге,  уже был представлен в Тель-Авиве два года назад и тот факт,  что его привозят во второй раз, говорит сам за себя. Говорит о зрительском интересе и востребованности.



О Борисе Эйфмане, о его балетах и его театре сказано очень много. Мировая пресса заполнена отзывам и рецензиями.  «Роден», основанный на истории отношений Огюста Родена и Камиллы Клодель, на одержимости, безумии, взрыве эмоций, на пластике скульптур Родена, статика которых обманчива и взрывна – не исключение. В этой истории есть страсть, трагедия, чувство и творчество. И роковой разрыв, заговор, нищета, безумие. Точная канва для постановок Эйфмана, всегда ищущего неприглаженные сюжеты, выведшего на сей раз на сцену танцующие изваяния, безумие любви, взрыв эмоций и одержимость искусством. Борис Эйфман не просто показал виртуозное хореографическое осмысление человеческих страстей, которые в свою очередь были отражены Роденом и Клодель в их скульптурах, но создал балетное психологическое произведение о непостижимости источников творчества, использовав танцовщиков как инструмент для выражения чувств, формируя и лепя скульптуры из человеческого тела. Скульптуры Родена живут и дышат, в них заключено множество движений и эмоций – и потому они, на взгляд Бориса Эйфмана, так «просятся» на балетную сцену.

 Скульптуры  Родена объединяли хореографию и скульптуру, художник работал с камнем, а  Борис Эйфман - с телом. Прием оживающей скульптуры существует в балете уже несколько столетий. Еще 1960-е годы выдающийся хореограф Леонид Якобсон поставил серию миниатюр, посвященных шедеврам Родена. В балете скульптуры оживали, и хореограф через пластику тел танцовщиков передавал эмоциональное содержание работ Родена и собственные впечатления от них. Но спектакль Эйфмана имеет совершенно иную философскую основу. В нем показан процесс возникновения замысла скульптуры, пластического образа, работа подсознания художника, процесс художественного поиска.



Критики единодушно признают способность Бориса Эйфмана создавать яркие и эмоциональные постановки, оригинальность его хореографического языка несомненна, как и то, что его балеты относятся к сфере современного эмоционально сложного движения. Льюис Сигал из авторитетного издания Los Angeles Times резюмировал так: «Из всех хореографов, ставящих сюжетные спектакли для ведущих театров, российский романтик Борис Эйфман, в сущности, единственный, кто полностью соответствует 21 веку». А сценография спектакля «Роден» названа североамериканской прессой «выдающейся».

В 2012 году этот спектакль стал лауреатом высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит», победив сразу в четырех номинациях – «Лучший балетный спектакль», «Лучшая женская роль в балетном спектакле», «Лучшая мужская роль в балетном спектакле» и  «Лучшая работа художника в музыкальном театре» (Зиновий Марголин). В этом балете звучат сочинения французских композиторов роденовского периода, рубежа 19-20 веков - произведения Массне, Сен-Санса и Равеля, что помогает создать атмосферу этого спектакля, связанного с культурной традицией 19-20 века и, в тоже время, спектакля абсолютно нового балета 21-го века.



«На языке тела мы говорим в этом спектакле о страсти, внутренней борьбе, отчаянии – обо всех тех явлениях жизни человеческого духа, которые гениально изображены Роденом и Камиллой в бронзе и мраморе. Обратить застывший в камне миг в безудержный, эмоционально насыщенный поток телодвижений – вот к чему я стремился, – рассказывает Борис Эйфман. – Я показываю не скульптуры, а процесс работы художника. Спектакль «Роден» - это размышление о непомерной цене, которую приходится платить гениям за создание бессмертных шедевров. И, конечно же, о тех муках и таинствах творчества, что всегда будут волновать художника».

«Up & Down» - «Ночь нежна». Балет Бориса Эйфмана
Музыка:  Гершвин, Шуберт, Берг.
Декорации: Зиновий Марголин
Костюмы: Ольга Шаишмелашвили
Свет: Глеб Фильштинский, Борис Эйфман
Видеоряд спектакля: Санкт-Петербургский государственный институт кино и телевидения. Режиссер: Сергей Овчаров.
Тель-Авивский центр сценических искусств:
23 июля, четверг, 20:00
24 июля, пятница, 13:00, 21:00
25 июля, суббота, 17:00

Видео-трейлер балета «Up & Down».


"Роден". Балет Бориса Эйфмана
Музыка: Морис Равель, Камиль Сен-Санс, Жюль Массне
Автор декораций: Зиновий Марголин
Художник по костюмам: Ольга Шаишмелашвили
Художники по свету: Глеб Фильштинский и Борис Эйфман
Тель-Авивский центр сценических искусств

(http://www.israel-opera.co.il/?CategoryID=823&ArticleID=3200)
26 июля, воскресенье, 20:00
27 июля, понедельник, 20:00
28 июля, вторник, 20:00


Информация и билеты в кассах Тель-Авивского Центра сценических искусств по телефону 03-6927777 , на сайте: http://www.israel-opera.co.il/?CategoryID=823&ArticleID=3200 или в кассе «Браво»

Сайт театра балета Бориса Эйфмана: http://www.eifmanballet.ru/

Маша Хинич.
Фотографии Evgeny Matveev и Souheil Michael Khoury предоставлены пресс-службой Санкт-Петербургского театра балета Бориса Эйфмана


Легенда джаза - Рой Янг на крыше башен «Азриэли»
2015-06-28 20:12

3 июля Рой Янг и его биг-бэнд выступят в амфитеатре на крыше комплекса "Азриэли" с новой программой «Шоу-блюз».
Рой Янг - известный певец, работающий в разных стилях - джаз, блюз, соул, с блеском выступающий на лучших джазовых сценах мира. Его конек – джазовые обработки черной музыки, спиричуэлс. На крыше «Азриэли» - главной городской концертной крыше, почти что в небесах, он и его биг-бэнд и представят новую программу «Шоу-блюз».





Шоу, показанные публике на фестивале джаза в Новом Орлеане, становятся критерием качества исполнителей и Рой Янг – не исключение. Его программа была принята «на ура» знатоками жанра и суровыми критиками в Новом Орлеане, так что тель-авивцы смогут услышать настоящий джаз. Джаз изначально - это синтез европейской и африканской культур, встретившихся в Америке, и кому как не энергичному Рою Янгу, родившемуся на Ямайке и сделавшему карьеру в Лондоне, уметь исполнять джаз так, как-то было в начале прошлого века: со свободными импровизациями, с одновременным точным следованием мелодии, со склонностью к свингу и синкопированным ритмам. Термин новоорлеанский применяют к традиционному джазу, к манере исполнения музыкантов, стремящихся играть джаз в том же самом стиле, что и его первооткрыватели. И если уж «оперные» итальянцы отдавали дань джазовому вокалисту, а американцы уже наслаждались «своей» музыкой от Роя Янга, то в пятницу, 3 июля, настанет черед тель-авивцев.

Израильские любители джаза давно считают Роя Янга неотъемлемой частью местной культурной жизни. Но не все знают, что родился знаменитый джазовый певец на Ямайке в 1949 году, в маленькой бедной лачуге, в которой не было водопровода и электричества. В 13 лет он бросил школу,  в 15 лет он отправился колесить по свету  с группой Workshop ("Мастерская"), состоящей из 9 музыкантов. Судьба привела его в столицу авангарда – Лондон. Там и началась настоящая творческая деятельность Роя. С детства он был влюблен в соул, и когда впервые услышал популярного джазиста Сэма Кука, Рой решил, что хочет посвятить свою жизнь этой музыке. «За исключением некоторых деталей, джаз, блюз, соул для меня являются одним и тем же. Это музыка, которую надо петь от души, она передает настроение и чувства того, кто ее исполняет».

 В 1969 году Рой Янг  встретился с  известным израильским  бизнесменом  Хаимом Сабаном, немала заработавшем в продюсерской области на американском телевидении. Он и пригласил певца на гастроли, и Рой впервые попал в Израиль. На дебютном концерте в Тель-Авиве певец познакомился с девушкой по имени Орли. «Она была сестрой одного моего хорошего друга. Когда я вернулся в Израиль во второй раз в 1998 году, мы встретились снова. В конечном итоге, мы полюбили друг друга, и поженились», - рассказывает  Рой Янг.
За время своей 40-летней творческой деятельности Янг успел объездить весь мир. Он принимал участие в международных джазовых фестивалях, гастролировал в Австралии, Англии, России, Италии, Швеции... Янг выступал на одной сцене с такими известными исполнителями джаза, как Рэй Чарльз, Джеймс Браун и Чак Бэрри, работал с оркестром American Big Band. В 2006 году он открывал грандиозный концерт Лайонела Ричи в Монте-Карло. Несмотря на международную карьеру, до 2007 года Янг не выступал в Соединенных Штатах. Его диск 2007 года «Memphis»  - благодаря которому Рой теперь частый гость фестивалей и концертов в США - буквально разбудил все мировое блюз-сообщество.
Рой вселяет надежду, он отправляет слушателей в путешествие и исследование собственной души. Его винтажные стилизации соул-композиций приносят успокоение, как и его блюз. Блюз - это музыкальное направление, созданное афро-американцами в начале 20-го столетия. За самим словом блюз  скрывается очень много свойств, это и термин, и имя нарицательное, и многое другое. Блюз - это печаль, это состояние души, blues переводится с английского как хандра или меланхолия. Простое и понятное состояние, но ведь как сказал Альберт Коллинз "Простую музыку играть трудней всего, а блюз - простая музыка». Но он совсем не прост этот загадочный блюз. И многие музыканты, как и Рой Янг,  уходят в этот стихийную, загадочную, притягательную и энергичную музыку.
Биг-бэнд  Роя Янга (http://www.royyoung.net/) – ведущие израильские музыканты:
Ади Гилель - гитара
Эйб Глола - бас
Кфир Цаири - клавиши
Марк Розен - саксофон
Игаль Барам – ударные
http://kassa.bravo.org.il/announce/21604
Фестиваль «На крыше Азриэли» продолжается все лето.
Сайт «Жемчужины музыки»

http://www.pearl-music.co.il/auto/events/3/58/text.ru.html
Страница проекта в фэйсбуке
https://www.facebook.com/ZemcuzinyKlassiceskojMuzyki
Продажа билетов в кассе «Браво» - http://bravo.israelinfo.co.il/search/?producer=71&all=1
Возможно приобретение абонементов на цикл концертов «На крыше Азриэли».
На сайте проекта можно следить за расписанием экскурсий. Возможно приобрести общий билет на экскурсию и на концерт.

Фотографии предоставлены организаторами концертов

Джазовое лето 2015 на Красном море. Разная музыка Джо Ловано.
2015-06-25 18:27

1998-ой год. Событие, развернувшее наши жизни под иным углом. Двенадцатый Эйлатский Фестиваль джаза на Красном море стал для нас ПЕРВЫМ и потому единственным. Это после мы уже не пропустили ни одного. Ни зимнего, ни летнего. Прививка джазом, солнцем и Красным морем сделала ожидание, подобным зиловской утиной охоте. Тогда я впервые константировал, что ночной загар - самый стойкий. Помню озноб на обожжённой пекучим солнцем коже от концерта Мишеля Петруччиани, и от невероятного джема, когда брат вынес его на руках к роялю, и Мишель около часа играл, не отрывая взгляда от меня, застывшего с разинутым ртом на расстоянии вытянутой руки. Тогда я впервые понял, что можно разговаривать без слов. А в джазе возможно любое волшебство.
И второе потрясение. SAX SUMMIT, посвящённый Джону Колтрейну. Великолепная ритм секция (пианист Фил Марковиц, басист Руфус Рид и ударник Билли Харт) и три невероятных саксофониста - Майкл Брейкер, Дэйв Либман и наш сегодняшний герой, участник нынешнего фестиваля Джо Ловано.
 

Вернёмся назад, в хроники семьи Ловано. На пророческой фотографии, взятой с сайта музыканта, маленький Джо снят в объятиях матери, держащей в руке альт саксофон. Инструмент практически в два раза больше ребёнка. Прошло 63 года, и сегодня по определению "Нью-Йорк Таймс" этот младенец "один из величайших музыкантов в истории джаза".
 

                           
Джозеф Сальваторе Ловано, обладатель множества джазовых наград, среди которых и Грэмми, родился в Кливленде, штат Огайо, 29 декабря 1952 года в семье музыкантов. Его отец Тони, по прозвищу Big T, днём работал парикмахером, а по ночам играл на тенор саксофоне вместе с братьями Ником и Джо, тоже тенор саксофонистами, и Карлом, би-боповским трубачом.
       
Понятно, что маленький Джо с детства привязался к "безумной" этой музыке, тем более, что его мать Жозефина с сестрой Роуз очень любили хороший джаз и прекрасно в нём разбирались. Мама часто вспоминала, как Big T играл со Стеном Гетцем, а тётя Роуз побывала на знаменитом концерте Джаз в Филармонии с Эллой Фицджеральд, когда они гастролировали в Кливленде.
       
Не удивительно, что Джо  в пять лет начал играть на альт саксофоне, а несколько лет спустя перешёл на тенор. В 16 лет он уже был членом Профсоюза джазовых музыкантов и играл в клубах, иногда заменяя отца. Заработанные деньги откладывал на учёбу в колледже.

 
       
"Мой отец был фантастическим саксофонистом, страстно любящим музыку. Я вырос на его фонотеке, и подростком ходил с ним на репетиции и джемы".
         
В начале семидесятых Ловано поступает в Беркли.
"Музыкой моего детства был би-боп, и вдруг я обнаружил, что существуют другие стили. И сразу понял как буду играть в будущем".

С тех пор более трех десятилетий Ловано в своей такой разной музыке сочетает традицию с новыми идеями, темами и формами. Среди его партнёров на джазовых сценах мира были доктор Лонни Смит, Вуди Герман, Мел Льюис, Пол Мотиан, Джо Скофилд, Херби Хэнкок, Элвин Джонс, Чарли Хэйден, Карла Блей, Бобби Хатчерсон, Билли Хиггинс, Дэйв Холланд, Мишель Петруччиани, Ли Кониц, Эйби Линкольн, Маккой Тайнер, Орнетт Коулман, Джим Холл, Дэйв Либман, Майкл Брекер, Рави Колтрейн, Дэйв Дуглас, Стефон Харрис и многие другие.
Послушайте замечательную запись "Made in Heaven" в дуэте с Хэнком Джонсом.
                     
Музыкант, лидер комбо, композитор, Ловано находится в постоянном поиске, экспериментируя со звучанием иструментов. Соло, дуэты, трио, квартеты и другие составы. Помимо саксофона и кларнета музыкант играет на гонгах (их у него большая коллекция) и на ударных.
В отзыве в "New York Times" Джо Ловано охарактеризовали, как одного из самых универсальных музыкантов нашего времени.

   
   
В августе 2008-го года, спустя 10 лет после первого, состоялся второй в моей жизни SAX SUMMIT. Ушедшего от нас в 2007-ом году Майкла Брекера сменил сын Джона Колтрейна Рави. И опять чудо настоящего джаза. И снова Джо Ловано.

   


Тех, кто побывал на живых его концертах, убеждать ни в чём не надо. А для остальных...
25-го и 26-го августа в фестивальном зале Sea Club с Джо Ловано будут играть
Lawrence Fields - Piano, Peter Slavov - Bass и Otis Brown III -  Drums
Добро пожаловать в Эйлат, дамы и господа.