Последние новости

Впервые в Израильской Опере: «Диалоги кармелиток» Франсиса Пуленка
2024-04-17 11:56 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Фото: DIALOGUES DES CARMELITES – De : Francis POULENC – Au Theatre des Champs Elysees – Le 29 01 2018 – Photo : Vincent PONTET*

«Диалоги кармелиток» – одна из самых знаковых, важных и ярких опер XX века, основанная на реальной истории монахинь, принявших мученическую смерть в дни французской революции – была написана Пуленком в 1956 году для миланского театра La Scala по пьесе Жоржа Бернаноcа и с тех пор не сходит со сцен европейских театров. Реальная история о мученической смерти 16 обитательниц кармелитского монастыря в Компьени во времена событий Великой французской революции превратилась у Пуленка в нечто большее, чем просто музыка и драматургия.
Эта опера – о хрупкости человека перед идеологией, о кровавой игре, которой предается человечество. «Диалоги кармелиток» – это шедевр, основанный на реальных событиях. Опера была а впервые поставлена в Милане 26 января 1957 года.
В Израильской Опере в Тель-Авиве «Диалоги кармелиток» будут показаны впервые с 28 мая по 3 июня. Постановщик – Оливье Пи. Дирижер – маэстро Ашер Фиш.

Опера «Диалоги кармелиток» Франсиса Пуленка рассказывает о судьбе Компьенских мучениц – 16 сестёр-монахинь, послушниц и служительниц, казнённых 17 июля 1794 года во время террора Робеспьера по обвинению в фанатизме. Казненные во время якобинского террора четырнадцать монахинь и две служительницы Компьенского монастыря (расположен в 72 км к северу от Парижа) были причислены к лику блаженных в 1906 году папой Пием X. Трагедии кармелиток посвящена новелла Гертруды фон Лефорт «Последняя на эшафоте», созданная на основе дневника одной из казненных монахинь. Эта новелла, в свою очередь, легла в основу сценария фильма, диалоги к которому написал католик-монархист Жорж Бернанос. После смерти Бернаноса в 1948 году А. Бегин и М. Тассенкур переделали эти диалоги в пьесу, которая и стала основой либретто оперы Пуленка.

DIALOGUES DES CARMELITES – De : Francis POULENC – Au Theatre des Champs Elysees – Le 29 01 2018 – Photo : Vincent PONTET

Во время процесса сестра Мария-Генриетта попросила дать определение «фанатизму» и наводящими вопросами подвела прокурора к формулировке, идентифицировавший «фанатизм» как комплекс религиозных представлений; иными словами, женщины были казнены за инакомыслие.
Процесс проходил без свидетелей и адвоката, приговор был подготовлен Фукье (обвинителем Революционного Трибунала) заранее: «Бывшие кармелитки проводят контрреволюционные собрания, где плетут заговоры против Республики. Обнаруженная у них объемная переписка показывает, что они непрестанно работают против Революции. Они – не более чем союз мятежников, совратителей и фанатиков, питающий в своём сердце преступную надежду: снова увидеть французский народ во власти тиранов, в рабстве у кровожадных, лживых священников». В толпе криками «браво» приветствовали уничтожение «бесполезных ртов».
Мать Мария Воплощения Христа или Франсуаза Женевьева Филиппа (1761-1836) была в отъезде по семейным делам и избежала общей участи. Она оставила записки, где описала происшедшие события и рассказала обо всех обезглавленных монахинях.

Само же либретто повествует о молодой женщине из аристократической семьи, которая ищет убежища в монастыре, спасаясь от террора революционеров. «Диалоги кармелиток» поднимают важнейшие проблемы жизни в эпоху исторических катаклизмов: безнаказанность террора, гибель в жерле политических переворотов, страх смерти, ответственность личности, революционный экстаз толпы, обретение истины в вере, уничтожения духовности.

DIALOGUES DES CARMELITES – De : Francis POULENC – Au Theatre des Champs Elysees – Le 29 01 2018 – Photo : Vincent PONTET

В Израиле «Диалоги кармелиток» будут представлены в подстановке французского режиссера Оливье Пи, мировая премьера которой состоялась в театре Елисейских полей в Париже в 2013 году.
Эта постановка имела огромный успех и получила Гран-при ассоциации критиков как лучший спектакль сезона 2013/14 гг. В почти исключительно женской обстановке, без какой-либо романтической сюжетной линии, «Диалоги кармелиток» – это опера, которая имеет дело с глубокими экзистенциальными темами, такими как страх и смерть. Черно-белая постановка Оливье Пи – это идеальный баланс между визуальной силой и утонченностью, драматизмом и сдержанностью, явными и тонкими смыслами. «История кармелиток, – объясняет Оливье Пи,- это история, в которой рассматриваются теологические проблемы – такие как мученичество, и социальные проблемы – такие как трагические последствия Французской революции». Но пьеса Бернаноса придает этой истории философский оттенок: что такое смерть? Как мы сосуществуем вместе как общество? Как человек может достичь истинного, вечного существования? Пуленк привносит в пьесу страсть и человечность, рассказывая в музыке историю о любви к людям, любви к друзьям, любви к Богу и любви к самому себе».

Франсис Пуленк – один из самых выдающихся французских композиторов 20 века. Он сочинял как светскую, так и религиозную музыку, и эта двойственность отражала и его личную жизнь, колеблющуюся между светской и религиозной. Покинув свою католическую семью на юге Франции, Пуленк оказался в центре бурной арт-сцены Парижа 1920-х годов, где вращался в богемно-либеральных кругах, но после того, как его близкий друг погиб в автокатастрофе в 1936 году, композитор нашел утешение в лоне католического христианства. События Второй мировой войны укрепили веру Пуленка и придали новую глубину его творчеству, а произведения, написанные им после войны, продолжали воплощать разные стороны его личности в рамках его уникального музыкального языка.

Франсис Пуленк – один из самых значимых композиторов, которых дала миру Франция в XX столетии. Он вошел в историю музыки как участник творческого союза «Шести». В «Шестерке» – самый молодой, едва перешагнувший порог двадцатилетия, – он сразу завоевал авторитет и всеобщую любовь своим талантом, своими человеческими качествами и умением одаривать людей своей необыкновенной дружбой. «Франсис Пуленк – это сама музыка», – писал о нем французский композитор, один из участников «Шестёрки» Дариус Мийо, – «я не знаю другой музыки, которая действовала бы столь же непосредственно, была бы столь же просто выражена и достигала бы цели с такой же безошибочностью».
Будущий композитор родился в семье крупного промышленника. Мать – прекрасная музыкантша – была первой учительницей Франсиса. С 15 лет его музыкальное образование продолжалось под руководством пианиста Р. Виньеса и композитора Ш. Кеклена, которые приобщили его к современному искусству, к творчеству Дебюсси, Равеля, Стравинскому и Сати. Молодость Пуленка совпала с годами Первой мировой войны. Он был призван в армию, что помешало ему поступить в консерваторию. Однако на музыкальной арене Парижа Пуленк появился рано. В 1917 году восемнадцатилетний композитор дебютировал на одном из концертов новой музыки «Негритянской рапсодией» для баритона и инструментального ансамбля. Это произведение имело такой шумный успех, что Пуленк сразу стал знаменитостью. О нем заговорили…
В 1930-е годы расцветает лирический талант композитора. Он работает в жанрах вокальной музыки. В качестве пианиста с исполнителем его песен Пьером Бернаком Пуленк гастролировал по городам Европы и Америки на протяжении более чем 20 лет.
Годы второй мировой войны Пуленк проводит в осажденном Париже и в своем загородном особняке в Нуазе, разделяя со своими соотечественниками тяготы военной жизни. Именно тогда он написал знаменитую кантату «Лик человеческий» на стихи поэта французского Сопротивления Поля Элюара – не путайте эту кантату с моно-оперой Пуленка «Человеческий голос», основанной на одноимённой пьесе французского драматурга Жана Кокто.
Наследие композитора составляют около 150 произведений. Наибольшей художественной ценностью обладает именно его вокальная музыка – оперы, кантаты, хоровые циклы и песни.

DIALOGUES DES CARMELITES – De : Francis POULENC – Au Theatre des Champs Elysees – Le 29 01 2018 – Photo : Vincent PONTET

Оливье Пи родился во Франции. Он – руководитель Авиньонского фестиваля, где поставил множество спектаклей, работая также для театральных трупп во Франции и других странах. Среди его многочисленных оперных работ: «Воццек», «Лулу» (Альбан Берг), «Гугеноты» (Мейербер), «Сила судьбы», «Трубадур» (Верди), «Гамлет» (Амбруаз Тома), «Пенелопа» (Форе), «Таис» (Жюль Массне), «Человеческий голос» (Пуленк), «Пеллеас и Мелисанда» (Дебюсси), «Альцеста» (Глюк), «Путь повесы» (Стравинский), «Джоконда» (Понкьелли), «Лючия ди Ламмермур» (Доницетти), «Осуждение Фауста» (Гектор Берлиоз), «Лоэнгрин» (Вагнер), «Кармен» (Бизе), «Река Керлью» (Бенджамин Бриттен) и другие. Оливье Пи также ставит спектакли в миланском театре Ла Скала и в оперных театрах Брюсселя, Лиона, Афин, Барселоны, Мюнхена, Берлина, Парижа, Амстердама, Мальмё, Женевы и других.
«Диалоги кармелиток» – его первая работа в Израильской Опере.

Всемирно известный израильский дирижер как в оперном, так и в симфоническом мире, Ашер Фиш особенно известен своими блестящими интерпретациями основного немецкого и итальянского репертуара эпохи романтизма и постромантизма, в частности, Вагнера, Брамса, Штрауса и Верди.
Фиш родился в 1958 году в Иерусалиме, был музыкальным руководителем Симфонического оркестра Ришон ле-Циона и Израильской Оперы С 1998 по 2008. Ашер Фиш известен своими выступлениями на самых престижных сценах Нью-Йорка, Чикаго, Вены, Лондона и Берлина.
Сегодня он является главным дирижером и художественным руководителем Симфонического оркестра Западной Австралии. В его обширный оперный репертуар входят «Кольцо Нибелунгов», «Тристан и Изольда», «Тангейзер», «Лоэнгрин», «Парсифаль», «Летучий Голландец» (Вагнер), «Вертер» (Массне), «Богема», «Манон Леско», «Турандот» (Пуччини), «Сказки Гофмана» (Оффенбах). и множество других опер. Он регулярно дирижирует в оперных театрах Мюнхена, Вены, Болоньи, Неаполя, Турина, Дрездена, Мадрида, Токио, а также в Метрополитен-опера в Нью-Йорке и других. Он также дирижирует многочисленными ведущими симфоническими оркестрами по всему миру. В Израильской опере он дирижировал многими операми, в том числе «Электра», «Ариадна на Наксосе» (Рихард Штраус), «Путешествие на край тысячелетия» (Барданашвили), «Норма» (Беллини), «Евгений Онегин» (Чайковский), «Самсон и Далила» (Сен-Санс). ), «Воццек» (Алан Берг), «Аттила», «Дон Карлос» (Верди), «» (Дворжак), «Триптих» (Пуччини) и многими другими.

---

«Диалоги Кармелиток»
Опера Франсиса Пуленка (1957, Милан), в 3 действиях; либретто Жоржа Бернаноса.
Либретто основано на одноимённой пьесе Жоржа Бернаноса, написанной по немецкой новелле Гертруды Ле Форт (Gertrud von le Fort) «Последняя на эшафоте» («Die Letzte am Schafott»).
Постановщик – Оливье Пи
Дирижер – Ашер Фиш
Режиссер обновленной версии – Дэниэль Иццо
Художник-постановщик и костюмер – Пьер-Андре Вайц
Художник по свету – Бертран Килли
При участии оркестра Израильской Оперы – Израильского Симфонического оркестра Ришон ле-Циона и хора Израильской оперы под управлением Итая Берковича и солистов.

Действующие лица и исполнители:
Бланш (де ла Форс) / Blanche de la Force (сопрано) – Яэль Левита и Шакед Струль
Маркиз де ла Форс / Marquis de la Force (баритон) – Йонуц Паску
Шевалье де ла Форс / Chevalier de la Force (тенор) – Пьер-Антуан Шомайн
Мадам Лидуан / Madame Lidoine (сопрано) – Алла Василевицкая
Мадам де Круасси / Madame de Croissy (альт) – Шай Блох
Мать Мария / Mère Marie (меццо-сопрано) – Анат Чарны
Сестра Констанс / Constance (сопрано) – Шира Печорник
Сестра Матильда / Mathilde (меццо-сопрано) – Ярден Киперман
Священник – Энтони Уэбб
А также: Одед Райх, Ади Эзра, Яир Полищук, Пнини-Леон Грубнер и Йоав Аялон

Даты представлений:
Вторник | 28.05.2024 | 19:30 | Премьера
Четверг | 30.05.2024 | 20:00
Пятница | 31.05.2024 | 13:00
Суббота | 01.06.2024 | 20:00
Понедельник | 03.06.2024 | 18:00

Билеты в кассе Израильской Оперы по телефону 03-6927777 или в кассе «Браво» – https://bit.ly/4aXPlh7

Текст подготовила Маша Хинич. Фото: © Vincent Pontet
Пиар – агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting

Оркестр «Симфонет Раанана». «Юбилей» – 9-й концерт абонементного сезона
2024-04-10 20:28 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: Гиль Шохат -photo © Алон Сегаль

Оркестр «Симфонет Раанана» отмечает юбилей маэстро Гиля Шохата вместе с друзьями и солистами из числа музыкантов оркестра. Пятая симфония Бетховена, произведения Коула Портера и Дюка Эллингтона, Концерт для виолончели Сен-Санса и песни Мати Каспи, Чайковский и «Дон Жуан» Моцарта, Концерт для фортепиано с оркестром Грига, «Огненная симфония» Гиля Шохата и другие сюрпризы.
Гиль Шохат – дирижер, пианист и ведущий.
Леонид Пташка – фортепиано
Нитай Цори – скрипка
Григорий Яновский – виолончель
Тали Кецеф – сопрано
14 апреля, воскресенье, 20:00
15 апреля, понедельник, 20:00
16 апреля, вторник, 20:00
Все концерты пройдут в городском Центре искусств и музыки Раананы

«Задача художника – вглядываться в окружающий его мир. Он не может самоизолироваться. Он должен быть частью своего времени и своего общества, – так говорит Гиль Шохат». – На художнике лежит ответственность».
Гиль Шохат – композитор, пианист и дирижер, названный престижным журналом Forbes наиболее влиятельной фигурой в области музыки в Израиле и одной из ключевых фигур современной культуры, – прав в оценке востребованности и необходимости популяризации классической музыки. И занялся Гиль этим уже после того, как правительство Франции наградило его Орденом почетного легиона за выдающийся вклад в области классической музыки, а сразу пять израильских изданий выбрали его в качестве музыканта, оказавшего наибольшее влияние на классическую музыку наших дней в Израиле.
Тридцать лет музыкальной деятельности, более 3500 концертов по всему миру, сочинение 250 заказных и исполненных произведений, включая девять симфоний, 15 концертов и три оперы, создание сотен оригинальных шоу, объединяющих исполнителей поп, джаза и мировой музыки, аудитория более чем в 30.000 подписчиков и около полумиллиона посещений каждый год – все это ставит Гиля Шохата на вершину музыкальной сцены Израиля.
Гиль Шохат родился в Рамат-Гане в 1973 году, начал играть на фортепиано в 5 лет, через год начал учиться в местной консерватории, в десять лет продолжил обучение в Израильской консерватории в Тель-Авиве и начал выступать и сочинять музыку в возрасте 12 лет. Еще до окончания военной службы Шохат получил две степени в Музыкальной академии Тель-Авивского университета, а затем продолжил обучение на докторскую степень в Национальной музыкальной академии Санта-Чечилия в Италия и в Кембриджском университете в Англии.
Гиль Шохат преобразует язык музыкального модернизма в доступный для широкой публики, а его произведения получили беспрецедентное признание в мире израильской музыке, в том числе благодаря многочисленным исполнениям его опер, театральных произведений, симфоний и ораторий.

Леонид Пташка. Photo -© Гади Дагон

Его произведения заказывались и исполнялись в абонементных сезонах крупнейших музыкальных учреждений мира, таких как: Токийская филармония, Пекинская филармония, Национальный оркестр Таиланда, симфонические оркестры Азербайджана, Армении, Эстонии, Литвы, Латвии, Украины, оркестр Санта-Чечилия в Риме, оркестр Берлинского радио, симфонические оркестры Нью-Йорка, Вермонта, Чикаго, Милуоки – и многими другими оркестрами по всему миру. Шохат выступал на многих международных фестивалях, включая Лондонский фестиваль, Венецианскую биеннале, Гонконгский фестиваль, Фестиваль в Карнеги-холл в Нью-Йорке, Фестиваль Запретного города в Пекине, Фестиваль Моцарта в Берлингтоне и других.
В Израиле его произведения исполнялись всеми оркестрами, включая Филармонический а также на Фестивале Израиля и в Израильской Опере.
Гиль Шохат записывался для многих ведущих звукозаписывающих компаний, а его произведения транслировались на важнейших радиостанциях Европы.
Шохат завоевал множество наград и грантов в Израиле и по всему миру. Он также выиграл стипендии от Американо-израильского культурного фонда, британского консульства и итальянского правительства, среди других. Шохат посвящает свое время общественной деятельности в Израиле и выступает с сольными концертами для сбора средств для многих некоммерческих организаций.

Леонид Пташка, о таланте которого нет нужды писать еще раз, феноменален своей энергией и умением давать концерты одновременно в нескольких частях света, ни на секунду не снижая качество исполнения. Пташка своим энтузиазмом и воодушевлением напоминает динамо-машину, он умеет связывать в одно целое совершенно невообразимые программы и «Парижский свинг и волшебство» тому доказательство. Уже в 1994 году Леонид Пташка провел в Ашдоде свой первый джазовый фестиваль… Описание его творческой биографии и фестивалей, им придуманных и при его участии составляет несколько десятков страниц. Можно всем поинтересоваться в Википедии. А можно послушать – и не один раз.
Леонид Пташка окончил Музыкальную академию имени Гнесина в Москве и был одним из заметных джазовых музыкантов СССР. Леонид Пташка перенес джаз в мир этнической музыки и импровизации, основанной на традиционном джазе. Он завоевал более 15 международных наград и давал джазовые концерты и сольные концерты более чем в 50 странах. На протяжении многих лет Пташка сочетает в своем творчестве игру на классическом и электрическом фортепиано, на синтезаторе и специальных ударных инструментах. Он выработал уникальный стиль и технику, характеризующие его творчество и выступления, получив за это признание в джазовых кругах и в прессе всего мира. На протяжении своей карьеры он сотрудничал с такими знаменитыми композиторами и исполнителями, как Ларри Портер, Бенни Картер, Фредди Хаббард, Джоан Беркин, Том Ли, Джеймс Ньютон, Эл Фостер и другими. Пташка репатриировался в Израиль, когда ему было 25 лет, и с тех пор считается одним из самых влиятельных джазовых музыкантов у нас в стране.

Нитай Цори. Photo – © Дан Лев

Нитай Цори – первая скрипка оркестра «Симфонет Раанана», один из самых известных скрипачей и альтистов Израиля.
Нитай выступал в качестве солиста с большинством оркестров Израиля, среди которых –Иерусалимский Симфонический оркестр, оркестр Ришон ле-Циона, Хайфы, «Симфониетт Беэр-Шева» и Симфонический оркестр Раананы. Постоянный участник самых престижных международных фестивалей современной камерной и барочной музыки, Нетай Цори много гастролирует по миру, он сотрудничал с такими дирижерами, как Ноам Шариф, Мэнди Роден, Гэри Бертини и Омер Меир Вельбер. Израильские композиторы пишут музыку специально для этого выдающегося музыканта.
Нитай Цори начал заниматься музыкой со своим отцом Цви Цори, с отличием окончил Музыкальную академию имени Рубина в Тель-Авиве по классу скрипки и учился у профессора Исидоро Тинкельмана в Сан-Франциско. Сегодня Нитай Цори является преподавателем скрипки в Музыкальной школе Бухмана-Меты и в Иерусалимском Музыкальном центре «Мишкенот Шеананим», а также воспитывает новое поколение музыкантов в Молодежном филармоническом оркестре.

Виолончелист Григорий Яновский родился в 1948 году в Санкт-Петербурге. Защитил докторскую диссертацию по классу виолончели в Московской консерватории, лауреат Всероссийского музыкального конкурса 1972 года. После этого играл в Мариинском театре под руководством Валерия Гергиева, преподавал виолончель в Музыкальной академии, а также выступал с симфоническими оркестрами и различными ансамблями. Участвовал во многих теле- и радиопрограммах.

Григорий Яновский. Photo – © Дан Лев

В 1990 году Григорий Яновский репатриировался в Израиль и играл в различных оркестрах, таких как Израильский Филармонический оркестр, Беэр-Шевская Симфониетта, Тель-Авивский камерный оркестр и другие. Он часто записывался и выступал в Израиле и за границей – в Германии, Франции, Испании, в Канаде, США, Индии и во многих других странах. Сегодня он возглавляет группу виолончелистов в оркестре «Симфонет Раанана». Григорий Яновский много выступает и сольно, и в различных камерных составах. Его репертуар очень широк – от барокко до современной музыки.

Израильская сопрано Тали Кецеф изучала вокальное мастерство в Академии Бухмана-Меты в Тель-Авиве и была участницей израильской оперной студии «Мейтар».
Тали Кецеф дебютировала в Израильской Опере в 2016 году с партиями Клоринды («Золушка») и графини Чепрано («Риголетто») и с тех пор ее оперный репертуар включает различные роли из популярных опер, таких как «Риголетто», «Летучая мышь», «Гензель и Гретель», «Травиата» и других. Она также выступала на многочисленных концертах и реситалях, демонстрируя свои вокальные способности в таких произведениях, как: «Реквием» Моцарта и «Магнификат» и «Глория» Вивальди.
Тали обладательница наград вокальных конкурсов, в том числе Первой премии конкурса Международного института вокального искусства в 2015 году, премий Клермонта (2010 г.) Бухольца (2016 г.), Бессера (2017 г.) и Берковича (2019 г.)
Она работала с известными дирижерами, такими как Дэвид Стерн, Патрик Саммерс и Дэниэль Коэн. Тали продолжает регулярно выступать и в этом сезоне уже исполнила роль Гиневры в постановке «Ариодант» и будет исполнять роль Луизы в опере «Теодор» Йонатана Кнаана.

---

Оркестр «Симфонет Раанана». «Юбилей»

Дирижер, пианист и ведущий – Гиль Шохат
Фортепиано – Леонид Пташка
Скрипка – Нитан Цори
Виолончель – Григорий Яновский
Сопрано – Таль Кецеф
В программе: произведения Моцарта, Грига, Чайковского, Бетховена, Сен-Санса, а также Гиля Шохата, Мати Каспи, Коула Портера и Дюка Эллингтона
14 апреля, воскресенье, 20:00
15 апреля, понедельник, 20:00
16 апреля, вторник, 20:00

Центр искусств и музыки Раананы – ул. а-Пальмах 2-алеф.
Заказ билетов: 09-7457773 или на сайте оркестра: www.symphonette.co.il
Страница оркестра в Фейсбуке – Symphonette Raanana תזמורת סימפונט רעננה | Ra`anana

Фотографии (Алон Сегаль Дан Дев, Гади Дагон) предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»

Bar Geva Trio – джаз на грани. Концерт в музее Иланы Гур в старом Яффо 11 апреля 2024 года
2024-04-01 00:20 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Фото - © Ори Барекет

Bar Geva Trio – джаз на грани. Концерт в музее Иланы Гур в старом Яффо 11 апреля 2024 года.

Джаз-фьюжн-композиции Bar Geva Trio с их гармониями, свободными ритмами и авторскими аранжировками, включающими импровизации не только в джазовом ключе, но и в стилях музыки мира и классической музыки, погружают слушателей в мир музыки на грани - в мир красочный, разнообразный и завораживающий.
Джаз - это музыка, наполненная страстью и изобретательностью, музыка, не знающая границ и пределов, а реинкарнации и метаморфозы классической музыки в современном джазе давно стали популярным явлением. И уже давно не надо доказывать, что джаз – это искусство… Искусство - также на грани, на переходе от свинга к бибопу, из олдскула в арт-пространство.

Грани в данном случае это не только границы между жанрами музыки, но и границы географические. Трио музыкантов – бас, ударные, фортепиано - создают музыку на грани между джазом и классикой, исполняя, как всем привычны, так и свои новые авторские произведения, возникшие под влиянием музыки латинской, скандинавской и андалузской и музыки мира. Bar Geva Trio движется со своей акустической программой и на грани между залами – от домашних гостиных до концертных залов в своём стремлении к многообразию и открытию новых измерений джазовой музыки.
Это движение в джазе между музыкой черно-белой и разноцветной, размытой и четкой, от забавных к серьезным посланиям, от ясности мелодий к созерцательности. В любом случае, джаз бьет ключом: отодвиньте подальше свои лэп-топы и телефоны - концерт начинается, музам отдыхать некогда. Магия джаза начинается и никто не знает, куда музыка повернет в следующее мгновение.

*****
Bar Geva Trio. Джаз на грани.
Четверг, 11 апреля 2024 года в Музее Иланы Гур в Старом Яффо.
Начало концерта – в 19:30.
Музей открыт с 18:30.

Контрабас - Бар Гева | Фортепиано - Эрга Котлер | Ударные – Ифтах Фридман

Посмотреть >>

Bar Geva - Newspeak

Bar Geva Music | Trio Showreel

Послушать >>

Дополнительные ссылки

https://www.youtube.com/@BarGevaMusic

Цена билета на весь вечер (включая концерт и входной билет в музей) - 80 шекелей.
Заказ билетов по ссылке: Custom Domain by Bitly или по телефону 03-6837676.
Страница мероприятия - Bar Geva Trio – джаз на грани. Концерт в музее Иланы Гур в старом Яффо 11 апреля 2024 года.
Количество мест ограничено. Места не нумерованы, рассадка в свободном формате.
Сайт музея - https://www.ilanagoormuseum.org
Страница музея в фейсбуке на русском языке - Музей Иланы Гур | Jaffa-Tel Aviv

Адрес Музея Иланы Гур: Старый Яффо, ул. Мазаль Дагим, 4, тел. 03-6837676.

Ближайшая парковка: Яффский порт (намаль Яффо)

Фото - © Ори Барекет - предоставлены Bar Geva Trio

«Золушка» Израильского балета. Сказка для всех
2024-03-31 12:00 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: сцена из “Золушки” Израильского балета. Фото – © Эяль Хирш

Израильский балет представляет: «Золушка» в оригинальной постановке для всей семьи. Песах 2024 года. Музыка – Сергей Прокофьев. Хореография – Рональд Савкович (Staatsballet Berlin). С 13 по 27 апреля 2024 года в Иерусалиме, Тель-Авиве, Хайфе и в Нес-Ционе.

«Золушка» в постановке немецкого хореографа Рональда Савковича – пленительное сочетание старинной волшебной сказки французского писателя Шарля Перро и божественной музыки великого Сергея Прокофьева. Сказочное королевство в сказочные времена, яркие костюмы и декорации, пасхальные каникулы в Израиле, 30 участников и вновь «Золушка», поставленная впервые Рональдом Савковичем для Израильского балета еще в 2015 году. Сейчас Рональд Савкович представляет новую версию этого балета, новую постановку – расширенную, с привлечением учеников школы Израильского балета, легкую, красивую. Золушка так любила танцевать… И что можно придумать лучше танца, чтобы вновь пересказать ее историю?

Рональд Савкович – выпускник Венгерской балетной академии в Будапеште. Более десятилетия он занимал должность ведущего танцора Государственного балета Берлина и был художественным руководителем Национального балета города Риеки в Хорватии. Савкович – обладатель множества премий, как за танцевальное мастерство, так и за блестящие успехи в хореографии, модный в Европе и Америке хореограф, очень перспективный и интересный балетмейстер – успешно работает в разных странах, в том числе, и со знаменитым Staatsballet Berlin. Его хореографию часто называют «прозрачной» – так чисты линии его постановок… Он один из тех зарубежных хореографов, с которыми сотрудничает Израильский балет. Его «Золушка» – эта волшебная сказка, классический балет-феерия, продолжающий традиции романтического сказочного спектакля, но в современной хореографии, отказавшейся от стереотипов. Потеряет ли Золушка туфельку в яркой и образной версии Рональда Савковича? В балете, который по-новому перерождает в сценическом движении персонажей сказки Перро, основываясь на классическом базисе самой идеи танца. Ведь и сам Сергей Прокофьев, создавший столь лиричную и столь «театральную» музыку писал о своем балете так: «Для меня очень важно было, чтобы балет «Золушка» получился наиболее танцевальным, чтобы танцы вытекали из сюжетной канвы, были разнообразны и чтобы артисты балета имели возможность в достаточной мере показать свое искусство».

Сцена из “Золушки” Израильского балета. Фото – © Ирина Ташлицкая

«Золушка» – волшебная сказка Шарля Перро (1628-1703) из его сборника «Сказки матушки Гусыни, или Истории и сказки былых времен с поучениями» (1697), много раз привлекала композиторов разных времен. На ее основе написаны несколько опер, из которых самая известная – опера Россини; неоднократно ставились и балеты. В частности, именно «Золушкой» – «Сандрильоной» композитора Ф. Сора – открылся московский Большой театр в июне 1825 года. Эта чудесная история, созданная французским сказочником, сказка для всех, претерпела множество версий.

Либретто для Прокофьева написал театральный критик, искусствовед и драматург, юрист по образованию Николай Волков. Постановщиком спектакля должен был стать Чабукиани. Однако начало Великой Отечественной войны перечеркнуло все планы. Лишь в 1943 году, приехав в Пермь, где находился эвакуированный Театр имени Кирова, Прокофьев обсудил все детали балета с либреттистом и, вернувшись в Москву, закончил музыку в клавире. «Я писал «Золушку» в традициях старого классического балета, – сообщал композитор, — в ней есть pas de deux, adagio, гавот, несколько вальсов, павана, паспье, бурре, мазурка, галоп. Каждое действующее лицо имеет свою вариацию». Но еще до этого Прокофьев решил написать балет специально для Галины Улановой, которая произвела на него огромное впечатление в роли Джульетты.
Уланова после войны танцевала на сцене Большого театра. Именно там балетмейстером Захаровым и была осуществлена постановка балета. На премьере, состоявшейся в Москве 21 ноября 1945 года, партию Золушки танцевала О. Лепешинская. Лишь на следующих спектаклях Уланова вошла в роль. Менее чем через пять месяцев в Ленинграде, в Кировском театре К. Сергеев также поставил «Золушку». В дальнейшем балет шел на многих сценах мира в различных постановках.

Художник по костюмам для постановки Израильского балета – Авиад Герман, израильский танцовщик и модельер, работающий в Гетеборге. Кроме балетных постановок, Герман придумывает дизайн вечерних платьев для конкурсов красоты в разных странах, в том числе, и для конкурса «Мисс Вселенная».

---

Израильский балет. «Золушка». С 13 по 27 апреля 2024 года в Иерусалиме, Тель-Авиве, Хайфе и в Нес-Ционе.
Заказ билетов в «Браво»: Золушка — Израильский балет

Фотографии – © IraTashlitzki , © Eyal Hirsch Photography

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting & Masha Hinich PR

26-й ежегодный международный музыкальный фестиваль имени Фелиции Блюменталь
2024-03-28 10:31 @taniatom Tania Tomer

С 25 по 30 марта на сцене Тель-Авивского художественного музея состоится 26-й ежегодный международный музыкальный фестиваль имени Фелиции Блюменталь

Уникальное сочетание классической и современной музыки фестиваля имени Фелиции Блюменталь

На этот раз один из старейших и любимых зрителями фестиваль, носящий имя выдающейся пианистки Фелиции Блюменталь, соберет воедино лучших израильских артистов из совершенно различных музыкальных направлений – популярной, классической, старинной, современной, арабской музыки, джаза, мюзиклов, песен пятидесятых и многих других. Зрителям и слушателям представится уникальная возможность отправиться в увлекательное путешествие по многообразию различных музыкальных направлений и проследить связь между творчеством артистов из разных эпох.

Для заключительного вечера фестиваля ансамбль «Пинхас и сыновья» совместно с певцом Шломи Шабаном подготовили единственную в своем роде программу.

Еще одной оригинальной постановкой станет совместное выступление в американском стиле певицы Бат Эла и нью-йоркского кантора Ази Шварца, которые часто выступают вместе по всему миру в сопровождении ансамбля Гилада Эфрата и расширенного состава музыкантов. В музыкальной программе ретроспектива 150-летия творчества для синагог и культуры еврейской общины США во всем ее многообразии.

Фестиваль представит художественную музыку античных времен, начиная с эпохи Возрождения и барокко, пройдут концерты в исполнении ансамбля Mezzo (итальянская и испанская музыка) и дуэта Дорона Шлейфера и Офиры Закай (английская музыка).

Как и каждый год, лучшие музыканты со всей страны представят непохожие друг на друга концерты классической музыки – камерные и оркестровые, среди прочего, необычное исполнение октета Шуберта на старинных инструментах.

Арабская классика будет исполнена на фестивале еврейскими и арабскими музыкантами на вечере, посвященном великим арабским певцам египетской и ливанской школ.

Еще одно объединение музыкантов – Анат Порат, Майя Блазицман и Эран Вайц – представит вместе с певицами Карми Зисапель и Нурит Гальрон музыкальный коллаж из многообразного израильского песенного репертуара.

Также на фестивале колоритные персонажи 20 века: с одной стороны, «Король кабаре Нагарии» Фредди Дора в зрелищном шоу, захватывающей ретроспективе кабаре 1950-х годов, переносящем зрителя во времена после основания государства. А с другой стороны, американский композитор-минималист Терри Райли и его авангардное произведение In C будет исполнено оркестром Palace in Time.

Восхитительный ансамбль «Тремоло» представит шоу, исследующее становление стиля Бит через оригинальную музыку, цифровой саундтрек и видеоарт. Группа также устроит шоу для всей семьи и детей. Перкуссионистка Ноя Шлайн даст еще одно шоу для всей семьи – на барабанах.

Концерты будут проходить как в залах музея, так и на других площадках. Например, запланировано проведение дневного концерта во дворе музея, в рамках которого ансамбль “Галиль” исполнит музыку, соединяющую в себе элементы еврейской, арабской, армянской, турецкой и румынской музыкальных традиций.

Как говорит Эбигейл Арнхейм, директор музыкального фестиваля имени Фелисии Блюменталь: «В этом году у нас есть уникальная возможность насладиться бурным воображением израильских музыкантов, за каждым проектом которых стоит много смелости и страсти. Кто такой Фредди Дора? Какая работа Терри Райли наиболее воздействует на слушателя? Для чего исполнять произведение Шуберта на старинных инструментах? Как виртуозы-перкуссионисты создают новый мир на сцене? Что такое американский стиль? Как во всем этом переплетается оригинальная самобытная израильская поэзия с творчеством самых известных музыкантов?

Классическая музыка будет исполнена оркестром и прекрасными камерными ансамблями, а репертуар будет включать в себя наряду с музыкой эпохи барокко и романтизма классическую арабскую музыку. Музыкальный фестиваль имени Фелиции Блюменталь 2024 года предлагает вашему вниманию уникальные встречи, атмосферу умиротворения и многообразие красок и звуков. Вам непременно следует выйти из дома».

Заказ билетов и программа фестиваля:

#партнерскийматериал

Премьера в «Белом Театре». История утраты, или Тема и вариации
2024-03-25 15:00 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

«Люди у меня вышли живые, но какова сама по себе пьеса не знаю»
А. П. Чехов

Независимый Мультикультурный Театральный Проект «Белый театр» представляет спектакль «Последняя пьеса Антона Павловича» – сценические вариации на тему «Вишневого сада», последней пьесы великого драматурга, в которых удивительным образом соединяется мир героев пьесы с миром самого автора, его мыслями, чувствами и переживаниями в последние годы жизни, когда он работал над «Вишневым садом.
История утраты дома, сада, как духовной и человеческой опоры, как жизненной оси, как места безоговорочного счастья, рассказанная сквозь призму вынужденной эмиграции, становится сегодня очень важным высказыванием и звучит пронзительно больно. Как сохранить свой родной дом при любых обстоятельствах, и возможно ли это вообще?
Все в этой пьесе говорят о том, как спасти сад, а думают о том, нужно ли его спасать.

Что такое тема дома в наше время? Дома физического или ментального, реального или придуманного, в эмиграции или в бегах, на родине или в стране, где и не думал оказаться? Тема дома актуальна во все времена и занимает не только нас – «просто простых людей», но и философов, писателей, драматургов, режиссеров – всех, настолько эта тема универсальна и насущна всегда, везде, во все времена во всех странах. Понятие дома и его недостижимости – это символ экзистенциальной тоски. И об этой неизбывной тоске по дому и жизни на чужбине писали и пишутся пьесы, ставились и ставятся спектакли. На сей раз – Чехов, «Вишневый сад», история его утраты, тема и вариации, размышления и трансформации.

Михаил Кайт . Фото © Леон Мороз

Режиссеру спектакля «Последняя пьеса Антона Павловича» и руководителю «Белого театра» Михаилу Кайту тема поиска дома близка. Прожив 35 лет в Израиле, окончив театральную студию Нисана Натива, он до сих пор не знает, где его дом. А может быть и нигде, а может быть, в той прежней России, где он учился у Константина Райкина и у Камы Гинкаса, где до войны и ковида ставил спектакли, участвовал в фестивалях, работал в режиссёрских лабораториях.

Эта же темы поисков дома близка и актерам «Белого театра» – все они новые репатрианты. Четверо приехали в Израиль давно. Четверо после начала войны России в Украине. Актеры, получившие образование «там», учившиеся в Минске, Москве, Петербурге, Лондоне играют и взаимодействуют иначе, чем актеры, обучавшиеся «здесь». И все вместе они представляют Чехова на иврите в ожидании того, что на спектакль придут израильтяне, не знающие русского языка и репатрианты из других стран – ведь для них/нас тема дома никогда и никуда не уходит.

Спектакль не просто так назван «Последняя пьеса Антона Павловича» – сценические вариации на тему «Вишневого сада»: ведь «Белый театр» – это театр-лаборатория, где режиссер и актеры терпеливо исследуют и тему, и ее вариации, разбирают пьесу, чтобы заново ее сконструировать. Исследуют с литературной точки зрения, философской, драматической, актерской, человеческой, с точки зрения лучших традиций театра – как русского, так и западного – им органично присущи обе ипостаси, рефлексия поиска. И передают результаты своих исследований зрителям – а мы/они/зрители на основании этих исследований делаем свои выводы, получаем свои впечатления.

Этот спектакль строится, как строится дом – для себя. Для актеров и для зрителей. И его главный вопрос не в том, как спасать дом, а нужно ли его спасать и для кого его спасать. Никто из героев пьесы не хочет по-настоящему сохранить дом для себя – иначе бы не было бы у них сомнений.
Перипетии «Вишневого сада» в «Белом Театре» переплетается с судьбами каждого из актёров – все они эмигранты, все потеряли дом. Пусть для кого-то эта метафора, а для кого-то – реальность, но через личные потери и через чувство потерянности во времени и в пространстве прошли все.

Многие из нас проживают свою – не свою жизнь, живут в своем – не своём доме. Многие из нас не знают, чего хотят. Многие из нас проживают странную жизнь, и она не идеальна. В идеале человек должен жить спокойно в том месте, где он на сто процентов чувствует себя дома. Так что же об этом говорил Чехов? Приходите на спектакль и узнаете. Премьера – 18 апреля в Тель-Авиве.

---

Независимый Мультикультурный Театральный Проект – «Белый театр» (התיאטרון הלבן)
«Последняя пьеса Антона Павловича».
Премьерные спектакли: 18, 19 и 20 апреля 2024 года. Начало – в 20:00
Все спектакли идут на иврите (без перевода на русский язык)
Спектакли пройдут в зале “Театрон а-Ханут” в Тель-Авиве
Информация и заказ билетов:

Страница «Белого театра» в фейсбуке –

Иллюстрация – © Евгений Романовский – предоставлена пресс-службой «Белого театра»

Коллекция городских историй. Музей города Тель-Авива-Яффо открывает двери для широкой публики
2024-03-24 16:05 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото – Музей города Тель-Авива-Яффо. Фото Эяля Тагера.

Коллекция городских историй. Муниципалитет Тель-Авива-Яффо. Музей города Тель-Авива-Яффо открывает двери для широкой публики. В ближайшие выходные в музее и на площади Бялика пройдет ряд мероприятий и выступлений. Четверг, пятница, суббота – 28.3-30.3.24

Отреставрированный городской музей (бывший Бейт ха-Ир) рассказывает об истории Тель-Авива-Яффо через призму взглядов и духовных ценностей его жителей.
Это первый партиципаторный (музей, который отчасти создают сами посетители) музей в Израиле, разместившийся в историческом здании муниципалитета на площади Бялика в Тель-Авиве.
Официально новый городской музей откроется в конце этой недели, хотя на деле он отрыт уже несколько месяцев. Открытие будет сопровождаться public-art мероприятиями в помещениях музея и на площади Бялика.

Тель-авивцы и гости города смогут принять участие в ряде увлекательных уникальных художественных событий, которые приоткроют завесу тайны над коллекциями музея, постоянными экспозициями и сменными выставками. Это отличная возможность встретиться, обменяться мнениями, выразить свой протест и окунуться в гражданское партиципаторное (вовлеченное) искусство, действие которого разворачивается по всему музею и на площади Бялика.

В программе: показ гражданской моды дизайнера Давида Векслера, который заново формулирует коллективный и личный опыт в текущий период; «Спасательная станция» – интерактивная инсталляция в сотрудничестве с береговыми спасателями и патрулями; выступления «хора Городской горячей линии 106» – попурри из призывов о помощи и жалоб, поступивших в городской колл-центр (аранжировка: Алон Эдер, Рона Кейнан, Майя Ландсман, Ор Ример и Майя Дуниц); перформанс-создание карты городских перекрестков любви и разбитых сердец с вовлечением публики; Кафе-сопротивление — пространство для обмена мнениями с активистами и лидерами протестов в Тель-Авиве-Яффо; личные встречи с выставляющимися в музее художниками, которые будут сопровождать зрителей в путешествии за кулисами своих работ.

Музей города Тель-Авива-Яффо. Фото Эяля Тагера.

Рон Хульдаи, мэр Тель-Авива-Яффо: «Музей города Тель-Авива-Яффо, полностью посвященный первому еврейскому городу в современной истории, является еще одним шагом в реализации плана города по обновлению и модернизации всех его культурных институций, в списке которых также значатся центральная городская публичная библиотека Бейт-Ариэла, городские театры, отреставрированный зал Доэль в районе ха-Тиква и новое крыло Тель-Авивского музея изобразительных искусств.
По завершению пилотного проекта, несколько затянувшегося из-за войны, мы рады открыть музей для широкой публики. Бродя по этажам музея, вы сможете познакомиться с живой историей Тель-Авива-Яффо и историями людей, которые принимали и по сей день принимают участие в его строительстве, а также проникнуться духом города и моральными устоями, в свете которых он живет на протяжении многих лет: демократия, толерантность, культура и искусство, свобода мысли и свобода слова».

Четверг и суббота – с 19:00. Вход бесплатный.
Пятница – с 10:00. Путешествие по музейному закулисью (по предварительной записи)
Ул. Бялика 27, Тель-Авив-Яффо
Подробности и регистрация на сайте муниципалитета: https://bit.ly/3vhVdTb
Художественный руководитель: Дафна Крон. Продюсер: Коби Эвен-Хаим
Сайт музея – https://taycm.org.il/

---

Музей города Тель-Авива – Яффо. Фото – © Маша Хинич

Пилотное открытие Городского музея Тель-Авива-Яффо планировалось на ноябрь 2023 года. В первые же дни после чудовищных событий, постигших Израиль 7 октября, музей открыл свои двери для жителей города, детей медперсонала больницы «Ихилов» и эвакуированных израильтян, временно переселившихся в Тель-Авив. Музей проводит семинары, мероприятия и встречи вживую и онлайн. Буквально с первых дней войны музей организовал у себя бесплатные программы для учащихся, чтобы поддержать учителей и школы в эти нелегкие для всех времена. При содействии художников музей инициировал сбор и документирование историй города, чтобы запечатлеть эти уникальные моменты в истории Тель-Авива в коллекции музея.
В рамках данной деятельности, в сотрудничестве с соседними культурными центрами – Музыкальный центр им. Фелиции Блюменталь и «Бейт-Либлинг» – были запущены два проекта по документированию жизни города во время войны.
Городской музей входит в комплекс расположенных на Площади Бялика Домов культуры. Это новое городское культурное пространство, раскинувшееся вокруг исторической площади Бялика в Тель-Авиве-Яффо. Комплекс представляет собой совокупность пяти культурных центров, которые осуществляют художественную и архивную музейную деятельность: Дом Бялика – Национальный музей и архив поэта, Городской музей Тель-Авива-Яффо, Музыкальный центр и библиотека им. Фелиции Блюменталь, «Бейт-Либлинг» – центр Белого города и Дом-музей Реувена Рубина.

Реконструкция Музея города Тель-Авива-Яффо имени Шошаны и Звулуна Томер была проведена муниципалитетом Тель-Авива-Яффо под руководством и при поддержке мэра, председателя Фонда Тель-Авива Рона Хульдаи по инициативе Тель-Авивского фонда, который создает партнерские отношения с донорами для развития проектов и программ по благоустройству города и поддержки его жителей.
За архитектурный проект и дизайн Городского музея ответственна компания Breeze Creative. В проекте приняли участие три куратора – Галит Гаон, Керен Оз и Том Коэн, в качестве архитектора-реставратора выступил Ури Падан. Руководитель проекта – директор и главная куратор музея Михаль Бахарав-Узрад.
В музее проходят три основные выставки: Коллекция городских историй (куратор – Том Коэн); «Дело и безделье» (куратор – Галит Гаон) и постоянная экспозиция (куратор – Керен Оз).
Городской музей Тель-Авива-Яффо имени Шошаны и Звулуна Томер существует на пожертвования семьи Томер, сделанные в память истории их семьи.

Музей города Тель-Авива – Яффо. Фото – © Маша Хинич

В программе:
Четверг и суббота 28.2 и 30.3, с 19:00

«Хор 106. Решите проблему!».
Попурри из криков о помощи и жалоб, поступивших в городской колл-центр
Десятилетиями в муниципальном колл-центре накапливаются жалобы, требования, протесты и предложения. Все, что беспокоит жителей города, скапливается в архиве службы 106. Этот кладезь слов и звуков находится на границе между поэтическим и политическим, между экзистенциальной повседневностью городской рутины и философскими размышлениями о насущном. По случаю открытия Музея города Тель-Авива-Яффо был основан проект «Хор 106»: гражданский вокальный ансамбль, продолжающий давнюю традицию «жалобных песен». В основу композиций легли мелодии городских музыкантов Роны Кейнан, Алона Эдера, Михаеля Коэна, Майи Дуниц и группы Power Strangers (Ор Ример и Майя Ландсман) музыкальный руководитель – радикальная хоровая дирижер Томер Дамски. В этом хоре переплетаются крики, жалобы и требования жителей города, скопившиеся в течение нескольких поколений.
Художественный директор и концепция: Дафна Крон
Композиции: Рона Кейнан, Михаэль Коэн, Алон Эдер, Ор Ример и Майя Ландсман.
Музыкальный руководитель, аранжировщица и дирижер: Томер Дамски
Дирижирует хором «Бахуц» («На улице»): Яэль Плотниарц.
Певцы хора в сотрудничестве с ансамблем «Бахуц – уличный хор Тель-Авива»

Музей города Тель-Авива – Яффо. Фото – © Маша Хинич

«Когда мы ходим». Показ мод – Давид Векслер
Перформанс-дефиле по-новому трактует восприятие личного и коллективного в наши дни. Чередуя ежедневные действия, от рутинных до экстренных, участники модного показа будут перемещаться по площади Бялика. В рамках перформанса воздвигается инсталляция-памятник, символизирующая утраты и память о них: объекты, характеризующие текущий период времени, складываются исполнителями в единую композицию, которая строится и разбирается на глазах у зрителей. Тела, движущиеся по подиуму и площади, приближаются друг к другу, предлагают утешение, объединяясь на мгновение в единую общину. Коллекция дизайнера Давида Векслера состоит из переработанной одежды, скрупулёзно собранной им в Тель-Авиве-Яффо. За каждой вещью кроется целая история, каждая деталь одежды повествует о себе. Участники показа – не профессиональные модели, а друзья дизайнера и типажи из городской жизни, вместо привычного подиума они дефилируют по площади, создавая эффект обычной городской жизни. Название перформанса «Когда мы ходим» пробуждает множество ассоциаций и отсылает к цитате знаменитого израильского поэта и драматурга Ханоха Левина: «Когда мы путешествуем, нас трое — ты да я, да следующая война».
David Wexler — это модный бренд из переработанных материалов, основанный в 2019 году.
Процесс дизайна и производства одежды бренда автономен и содержит в себе аспекты устойчивой моды: от персональных принтов, до смешивания пожертвованных вещей и производства новой одежды из текстильных отходов.
Бренд обращается ко всем и подходит для любого сезона, пола и размера. Дизайн учитывает комфорт для тела, умение носить открытую и облегающую одежду. Источники вдохновения, из которых черпает дизайнер, варьируются от повседневных до фантастических, стремясь производить израильскую футуристическую «вымышленную» моду, одновременно разрабатывая решения для устойчивого производства модной одежды.
Бренд David Wexler руководствуется верой в культуру сотрудничества и взаимообмена, шагая в авангарде израильской модной промышленности.
Дизайнер: Давид Векслер
Режиссер и продюсер: Галь Кармона
Художник по свету: Шай Дрор
Арт: YELLOW—FOREVER
Стилист: София Картавцева
Визажисты: Атлья Харази, Ким Меллисдорф, Инбаль Шомер, Нога Дизицер
Фотограф: Яир Меюхас
Видеооператор: Эден Бахар
Фотограф look-book: Зохар Шитрит
Руководитель репетиций: Май Асор
Украшения: collectroo
Менеджер студии: Яэль Михаль Беркович
Стилисты: Шахар Философ, Амальмаль Авия, Эден Дафна
Модели: Итамар Рубин Эренберг, Эйтан Мехтингер, Аллая Хофф, Энжель Гуарин, Ахиноам Гебельфиш, Барахано Ицхак, Галь Зив, Таль Хазом, Таль Калими, Яэль Бен Давид, Якир Портал, Мейрав Цабари, Ноам Порат, Ники Исраэльстам, Нимрод Кляйн, Омер Торк-Арлозоров, Омер Философ, Идо Хертман, Идо Мокди, Амит Нудельман, Карен Йосеф, Ром Ниссан, Роми Галь, Ротем Шадор, Рахели Оксман, Шир Мэрима, Барби Кьют – Хани Сиркис

Музей города Тель-Авива – Яффо – фото – © Маша Хинич

«Спасательная станция»
Интерактивная инсталляция – в сотрудничестве с Департаментом пляжей и пляжными спасателями
Горизонт. Город, в котором есть музей и пляж, — это город, который открывает для своих жителей новые горизонты — пространство для дыхания и вдохновения.
Тель-Авив – город, раскинувшийся на берегу моря, с 14-километровым пляжем. За безопасность купающихся отвечают 66 городских спасателей, посвятивших свою жизнь морю. Многие из них буквально выросли на море, будучи потомственными спасателями – детьми и внуками первых тель-авивских спасателей.
«Спасательная станция» — это партиципаторный арт-проект, который создавался в течение долгих месяцев в сотрудничестве со спасателями пляжей Тель-Авива-Яффо и художницей Мор Лидор. Спасательная станция помещена ​​в пространство городского музея в качестве интерактивной инсталляции, благодаря которой спасатели наблюдают за публикой, что также становится частью творчества, и принимают прохожих на спасательной станции, где ведутся философские беседы о море.
Художник: Мор Лидор
Дизайнер спасательной станции: Шай Ид Алони
При участии: Голан Мари, Гай Энжель, Эли Сабаг
Особая благодарность всем сотрудникам Департамента пляжей, Операционный отдел муниципалитета Тель-Авива-Яффо, и Элиразу Перецу из отдела обслуживания муниципалитета Тель-Авива-Яффо.

«Ракушечная лотерея 2.0». Интерактивный перформанс
На фоне культовой фотографии Авраама Соскина посетителей городского музея приветствуют тель-авивские художницы Майя Шарабани и Ротем Волк, «жонглирующие» ракушечной лотереей, символизирующей основание города, и судьбоносными вопросами о песке, почве, земле и недвижимости. Ракушечная лотерея 2.0 – это интерактивное представление с призами, открытое для публики.
Художница: Майя Шарабани
При участии: Майя Шарабани, Ротем Волк, Майя Магнат

«Здесь ко мне пришла любовь».
Интерактивный перформанс-создание карты городских эпицентров любви
Гитарист с улицы Спинозы, вновь и вновь разбивающееся вдребезги сердце на улице Маталон, песня в клубе «Блок», под которую мы прильнули друг к другу.
Шестеро артистов бродят по музею и площади в поисках – тебя!
Приглашаем вас на личные встречи в рамках перформанса-создания карты перекрестков любви и разбитых сердец. Людские откровения вкрапляются в карту города, затрагивая эмоциональные точки и отправляясь в сердечные путешествия по городу. В течение вечера перед глазами участников сложится городская карта влюбленностей и разбитых сердец.
Художница: Алит Крейз
При участии: Офер Амрам, Ахиноам Мендельсон, Орит Мамрод, Шахар Нэц, Алит Крейз.

Музей города Тель-Авива – Яффо – фото – © Маша Хинич

Кафе-сопротивление.
Посидеть за чашечкой кофе с лидерами городского протеста
Лидеры протестов, активисты и активистки приглашают вас на чашечку кофе.
Кафе-сопротивление — это пространство для обмена мнениями и знакомства с закулисьем нынешнего протестного движения в Тель-Авиве-Яффо, балансирующее на тонкой грани между шумной и, казалось бы, эскапистской культурой кофейных заведений, которая, в то же время, является настоящим двигателем одного из ведущих активистских и протестных движений в Израиле.
Художник: Амит Хахамов
При участии:
Альма Бек | Культура солидарности
Сапир Слуцкий Амран | Пробивая стены
Джанет Блай | CallActivit
Янив Сэгаль | Розовый фронт
Йонатан Зейган | Мирный активист
Яара Перец | Активистка движения за борьбу с изменением климата
Омар Бен-Эльханан | Религиозный молодежный активист. Сионист. Демократ.
Арасма Тама | Активистка, выступающая за права беженцев эритрейской общины.
Спасибо Итаю Дорону за инициативу и первоначальную идею создания Кафе-Сопротивления.

Пятница, 29 марта, 10:00-14:00
Музей открыт для публики

За кулисами городского музея – эксклюзивные экскурсии только для владельцев карт «ДигиТель»:

• Экскурсии по музею выходят каждый час (для владельцев карты «ДигиТель» по предварительной записи)
• Беседа с кураторами – о строительстве и создании Музея города Тель-Авива-Яффо (по предварительной записи):

1. Вместе или порознь – эскапизм или вовлеченность?
   Беседа с Керен Оз – куратором постоянной экспозиции городского музея.
   В эти дни, когда каждый человек в Израиле сталкивается с беспрецедентными проблемами в социальной сфере и сфере безопасности, мы рассмотрим постоянную экспозицию музея и сам город Тель-Авив-Яффо сквозь призму испытания временем. Мы обсудим, как выставка отражает историю города, который на протяжении многих лет умудряется быть культурным центром страны, островком экономической и личной безопасности, одновременно с этим заработав себе имидж эдакого «пузыря», который стремится отмежеваться и сепарироваться от всего Израиля.

2. О деле и безделье
   Беседа с Хадассой Коэн, помощником куратора сменной выставки

В беседе с субкуратором временной выставки «О деле и безделье» (главный куратор: Галит Гаон) мы подробнее расскажем о выставочном закулисье. Обсудим, как была выбрана тема для выставки, и поговорим об уникальном сопроводительном процессе, который варьировался от группового мышления до индивидуального творчества. Мы услышим истории, кроющиеся за работами, поговорим о том, как на выставке представлен город и его мастера и о пользе бездействия в творческих процессах. Попытаемся начертать связующие линии между музеем и городом, пространством и действием.

3. Коллекция городских историй
   Встреча с куратором Том Коэн

Дополнительная информация на сайте музея – https://taycm.org.il/

Фотографии предоставлены пресс-служой Музея города Тель-Авива-Яффо

Ансамбль «Бат-Шева» представляет: «FURO» хореографа Охада Нахарина и художницы Табаимо
2024-03-23 16:58 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Фото – © Гади Дагон

«FURO» - это видео-арт и танец. «FURO» - это хореография Охада Нахарина и анимация японской художницы Табаимо (Аяко Табата). «FURO» – ожившая анимэ, трехмерный комикс-манга в исполнении «Бат-Шевы», балетная инсталляция анимации. «FURO» в первоначальном варианте появилось давно – в 2004-м как анимация, затем, как шоу в постановке Нахарина, – в 2006-м году в Швеции, позже – в 2008 в Тель-Авиве, в специально возведенном павильоне в Тель-Авивском порту, вызвав фурор – фурор FURO, затем было показано в центре Сюзан Далаль в 2012-м году в честь 60-летия дипломатических отношений между Японией и Израилем. И вот: третье тель-авивское явление - на сей раз в студии «Варда» ансамбля «Бат-Шевы» в центре Сузан Далаль с 24 марта по 6 апреля 2024 года.

Табаимо описывает свои работы как повседневные пространства дискомфорта, как сложную критику традиционного японского общества. В «FURO» на трех огромных экранах показывается японская баня (о-фуро) - анимационный фильм Табаимо, обновленная версия ее работы 2004 года – рисованная в стиле «манга» традиционная японская баня фуро, события в которой зачастую смотрятся как порождения фантазии. На фоне проецируемого банного ритуала танцоры проводят «живой ритуал» - через движения, вокал и музыку.
Балет «FURO», впервые созданный в 2006 году для Еврейского музея в Стокгольме, бросает вызов условностям того или иного жанра искусства. «FURO» - постановка вне жанров, в пространстве, определяемом движениями сменяющихся танцоров в цикле шоу-танца, которое длится несколько часов. Зрители «пребывают» в этом видео-балетном пространстве, могут оставаться «внутри» этой работы несколько часов, могут входить и выходить, двигаться, смотреть, радоваться…
«FURO» – не чистый балет, а некое длительное действо, в котором надо поучаствовать, чтобы прочувствовать его. И главное: «FURO» - доказательство того, что те, кто считает будто они уже все видели, всё давно знают, и что всё давно изобретено, слегка ошибаются. «Искусство бесконечно. Кто сомневается – знайте: в город приехал хореограф Охад Нахарин со своим ансамблем, непредвзятым отношением к жизни и широким взглядом на искусство» – так писали газеты в Стокгольме после мировой премьеры в Швеции «FURO» в марте 2006 года.

«FURO» вызывает своего рода аддикцию, потому что это шоу – сколь точно, столь и аморфно, и никогда не достигает окончательной формы. Каждый раз немного по-другому. Каждый раз немного другой танец. Каждый раз обновленная постановка открывает новые пласты. Каждый раз наши глаза видят немного больше – новую перспективу, новую интригу, новые необыкновенные впечатления.
В отличие от настоящей японской бани о-фуро в тель-авивском «FURO» не так душно и влажно – работают кондиционеры, но накал страстей достигает температуры горячей воды в шайках, умноженный на явный экспериментальный характер постановки, которая относится к новому жанру: не к анимации, не к видео-дансу, не к современному балету, а к чему-то другому, без сомнения, прекрасному.

Исполняют «FURO» 16 участников ансамбля «Бат-Шева» - но поочередно. Танец идет на фоне анимации: движения танца сочетаются с движением кадров по-разному, в зависимости от частоты прокрутки. Loop анимации - 12 минут, танца – 45-55 минут. Танцоры составляют множество дуэтов - мужские, женские, смешанные, поэтому смотрится это представление каждый раз по-разному. В Тель-Авиве «FURO» исполняют как мужчины и женщины – в отличии от авангардного «Еврейского театра» в Стокгольме, заказавшего эту постановку в 2006-м году, когда танцевали только мужчины.
Еврейский театр в Швеции – не традиционный идишский, а экспериментальный. Ежегодно в его зале показываются оригинальные заказные постановки, высокотехнологичные и межжанровые. «FURO», как баня шайками, наполнен технологией: видеоэкраны, проекторы и прожекторы, вращающаяся сцена, динамики, освещение сверху и снизу, эффекты, шумы, Япония, манга. Всем управляет компьютер, а танцовщиками руководит фантазия. Этот анимационно-балетный спектакль-манга показывался в Стокгольме несколько месяцев, позже покатился по мировым фестивалям, а в 2008 году был, как уже сказано, представлен в тель-авивском порту.

Визуальный эффект, которого достигли Нахарин и Табаимо – великолепен. «FURO» - смесь анимации и движения, наивности и урбанизма, светлого и темного, стремления к чистоте и жажды крови, юмора и трагизма, картинок и смешков, песенок и слез, вибраций и желтых шаек с непонятными японскими надписями. Срочно - учить японский! Срочно - учиться танцевать! А до этого смотреть «FURO» в зале «Варда» в центре Сюзан Далаль с 24 марта по 6 апреля 2024 года.

Даже тому, кто хорошо знаком с японскими комиксами манга, традициями анимэ, с современной японской анимацией и с балетными постановками «Бат-Шевы» трудно представить, что такое «FURO»: помимо уже сказанного, это два сцепившихся борца сумо, чувственные танцоры, мерно, как маятники, ритмично двигающиеся между 60 банными ярко-желтыми шайками, вороны, полицейские, человек, сдирающий с себя слои кожи, словно лишнюю одежду, синхронно танцующие пары, женщина-гигант, младенец, спрятанный в выдвижном ящике, женщины в о-фуро – японской бане, волки, стаей вылетающие из бассейна. Плеск воды. Голоса. Музыка. И анимация, выплескивающаяся в зал с экранов и подхватываемая танцовщиками в живом движении.

История создания «FURO» такова: Охад Нахарин увидел в галерее в Челси в Нью-Йорке одну из анимационных работ Табаямо «Японская баня». Позже этот ролик видео-арта демонстрировался в Музее Израиля в Иерусалиме на выставке «Восходит солнце, растворяется луна», где присутствовала и сама Аяко Табата. Нахарин использовал этот видео-арт, как анимационный рассказ, на основе которого он создал рассказ хореографический – увлекательный, точный и иной.
Табаимо – одна из самых любопытных на сегодня японских художниц. На 54-м венецианском биеннале в 2011-м году Аяко Табата оформила японский павильон и представила свою новую работу, после чего ее творчество назвали «сумрачной стороной японского искусства». Сумрачный, странный внутренний мир работ – абстрактных, сюрреалистических, беспокойных, - критикующих японское общество, используя для этого японские же традиционные образы и понятия, черный юмор, абсурд и приемы комиксов-манга. Она манипулирует образами-символами, как Нахарин – танцовщиками. Видео-арт Табаимо был инспирирован гравюрой 19 века и искусством манга - японских комиксов. Получилась рисованная анимация, традиционная японская купальня в новом преломлении, населенная борцами сумо, рыбами и птицами, фигурами, возникающими из пара над бассейном и образами, в этот же бассейн погружающимися. По просьбе Охада Нахарина Табаимо добавила несколько новых эпизодов к варианту 2004 года и заново смонтировала видео-ролик. Перед экранами на высокой вращающейся сцене близко к публике стоит пара танцовщиков. Смена каждого дуэта – 45-55 минут, после loop, в танце, как часть хореографического перехода, пара меняется.
Сны о Японии не оставляют Охада Нахарина, как-то признавшегося, что его мечта - переехать на какой-нибудь дальний остров Рюкю. Возможно, что поначалу именно во сне он и увидел «FURO» – еще до того как увидел наяву, сначала рисованным в видео-арте Табаямо, вместе с которой и создал жанр FURO.

---

«FURO» – c 24 марта по 6 апреля. Вход с 18:00 до 21:45. В пятницу – с 12:00 до 15:45, в субботу – с 12:00 до 21:45, в воскресенье с 18:00 до 20:00
Заказ билетов (стоимость – 100 шекелей) - Schedule - Batsheva Dance Company
Зал «Варда», Центр Сюзан Далаль, улица Йехиали 6, Неве Цедек, Тель-Авив

Ссылка на видео: FURO - Batsheva Dance Company

Обратите внимание: в связи с характером мероприятия время входа в зал может быть незначительно изменено. Пожалуйста, подчиняйтесь указаниям билетёров. Места не нумерованы. Клиентам в инвалидных колясках предлагается связаться с кассирами по телефону.
На каждое представление часть билетов будет бесплатно раздаваться эвакуированным, а также солдатам и резервистам ЦАХАЛа.
Представления проходят в соответствии с указаниями Командования Тыла в зеленом городе.
Внимание, в зал нельзя входить с оружием.

Хореография: Охад Нахарин | Видеоарт: Табаимо (Аяко Табата) |
Художник по свету: Ави Йона Боано (Бэмби) | Саундтрек: Охад Фишофф | Художник по костюмам: Ари Накамура.
Музыка: Dafeldecker “Bern”, Hazard, “Meteosat”, Ohad Fishof “Zipper”, A Small Good Thing “Let’s Get Ripped”, Peaches “AA XXX”, Gino Vanneli, “Crazy Life”, The Anomoanon “Planet Caravan”, Raymond Scott “Twilight in Turkey”, Atom tm “I Love”, Nim “Raouchen ist Todlich”, Turbonegro “All my Friends Are Dead”.

При поддержке Фонда семьи Зиты и Марка Бернштейнов и Factory 54
Мировая премьера: 24 марта 2006 г., Еврейский театр, Стокгольм, Швеция

Текст – © Маша Хинич. Фото – © Гади Дагон

Иерусалимский балет представляет: “Гудини”. Премьера 28 марта
2024-03-13 11:49 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: © Наташа Шахнес

Балет «Гудини». Мировая премьера. Иерусалимский балет. Художественный руководитель Надя Тимофеева

Труппа «Иерусалимский балет» представляет новый оригинальный спектакль «Гудини», посвященный жизни фокусника, еще при жизни ставшего легендой. Премьера – 28 марта.

Его называли гением освобождений и королем иллюзий, «величайшим иллюзионистом всех времен и народов», «повелителем духов», «человеком, творящим чудеса». Он мог проходить сквозь стены и восставать из могилы, но погиб из-за случайности. Еще при жизни его имя стало легендой. Иллюзиониста Гарри Гудини всерьез считали магом и чародеем. Благодаря ему даже появился термин «гудинайз», определяющий способность выбраться из любых, даже самых затруднительных ситуаций. Гудини называли гением освобождений. Действительно, вся его жизнь – побег. Хотя можно ли убежать от себя?

Гарри Гудини родился 24 марта 1874 года в Будапеште, в семье раввина, и при рождении получил имя Эрик Вайс. Когда мальчику было 4 года, семья в поисках лучшей жизни перебралась в Америку. В 1892 году Эрик принял псевдоним Гудини, в честь французского фокусника Робер-Удена (Гудена). После смерти отца юный Гудини пообещал матери, что будет заботиться о ней до конца ее жизни. Даже после женитьбы он продолжал отправлять ей половину своего дохода.

Хореограф спектакля Надя Тимофеева признается, что ее завораживает личность этого человека – в своих шоу он умел освободиться от любых цепей, при этом смеялся над теми, кто верил в «сверхъестественное». Гудини смеялся и над смертью, но смерть застигла его в расцвете карьеры в результате досадного инцидента.
В своей новой работе Надя Тимофеева пытается раскрыть феномен Гудини – человека-загадки. Без сомнения, формирование столь незаурядного артиста берет начало с периода его детства ,тесной связи с семьей, оказавшей влияние на его яркую и амбициозную личность, и его феноменальный успех.
Надя Тимофеева, создающая оригинальные балетные постановки для Иерусалимской балетной труппы, в своей новой работе использует как главную метафору цепи. В трактовке хореографа, Гудини, который мог со сверхъестественной ловкостью освободиться от любых наручников, веревок и цепей, в считанные минуты совершал побег из закрытых гробов, и резервуаров, наполненных водой, тот же Гудини на протяжении всей своей жизни остался эмоционально привязанным к своему прошлому и своей семье.

«Наша цель – не оставить аудиторию равнодушной, а заставить людей думать, размышлять, смеяться» – говорит Надя Тимофеева. В репертуаре труппы Иерусалимский балет – оригинальные современные постановки, в которых не забыта ни классика, не неоклассика.
Коллектив уже ставил балетные адаптации произведений Шекспира, Данте, Лопе де Вега, Байрона, а также детские спектакли по мотивам сказок Г. Х. Андерсена.
В последние годы труппа Иерусалимский балет представила зрителю два спектакля на основе произведений еврейских авторов – «Скрипач на крыше» (2018) по рассказу Шалома-Алейхема «Тувия-молочник» и «Он шел по полям» (2022) по мотивам одноименного романа Моше Шамира. Хореограф обоих спектаклей – Егор Меньшиков.

הודיני בלט ירושלים צלם ליאוניד חרומצ’נקו Leonid Khromchenko

Надя Тимофеева, художественный руководитель Иерусалимской балетной труппы и балетной школы при ней – выпускница Академии балета Большого театра в Москве. По окончании учебы ее пригласили присоединиться к труппе Кремлевский балет в качестве солистки, где она начала свою карьеру с партии Леди Макбет.В 1992 году, через год после иммиграции в Израиль, Надя Тимофеева завоевала первую премию балетного конкурса Мии Арбатовой. С 2004 по 2006 год танцевала как солистка в труппе знаменитого танцовщика и балетмейстера
Валерия Панова в Ашдоде.
В 2004 году вместе со своей матерью, всемирно известной балериной Ниной Тимофеевой основала Иерусалимскую балетную школу. С 2007 года, после выхода на пенсию Нины Тимофеевой, Надя наряду с преподаванием взяла на себя художественное руководство школой.
В 2008 году вместе с генеральным директором Мариной Нееман основала труппу «Иерусалимский балет», и была ее прима-балериной до 2012 года. Сегодня Надя Тимофеева является художественным руководителем Иерусалимской балетной труппы и балетной школы им. Нины Тимофеевой.
С 2010 года хореограф Надя Тимофеева работает в области современного балета, на основе лучших традиций классики и неоклассики жанра. За прошедшие годы ею были созданы новые балетные спектакли: «Манфред» по поэме Джорджа Байрона; «Аллегория» по поэме Данте Алигьери; «Пастушка и трубочист» по сказке Андерсена для детей и подростков.
В 2014 году Надя Тимофеева была награждена Премией министра алии и интеграции имени Юрия Штерна за выдающиеся достижения в области культуры, внесшие особый вклад в израильское общество и культуру.
В 2019 году Иерусалимский балет представил балет «MEMENTO» («Последний танец в Освенциме») – поразительную историю Франчески Манн, польской балерины еврейского происхождения, погибшей в концлагере Освенцим.«AMORE» – второй полнометражный балет, созданный Надей Тимофеевой. Мировая премьера состоялась 15 сентября 2020 года в Центре искусств Сюзан Далаль, однако в связи с пандемией коронавируса прошла без публики, только в присутствии балетных критиков и представителей танцевальной секции Министерства культуры и спорта. После возвращения к концертной деятельности, балет «AMORE» с успехом прошел по всей стране.
В 2020 году, в период пандемии, Надя Тимофеева вместе со своей балетной труппой сняла документальный фильм «Легенда о балерине», а в 2021 – поставил балетное шоу «Чудесное путешествие в мир сказок» по произведениям Ганса Христиана Андерсена.

Иерусалимский балет – ГУДИНИ – photo Natasha Shakhnes

Иерусалимский Балет занимает важное место в культурной мозаике Иерусалима и Израиля. Труппа ИБ была основана в 2008 году генеральным директором Мариной Нееман и художественным руководителем Надей Тимофеевой при участии первых выпускников Иерусалимской балетной школы, созданной еще в 2004 году Ниной Тимофеевой и также Надей. За шестнадцать лет существования труппа «Иерусалимский балет» поставила 22 оригинальных спектакля, которые принимали участие в различных фестивалях как в Израиле, так и за рубежом. Среди этих спектаклей есть также современные балеты молодых израильских хореографов, высоко отмеченные критиками и прессой.
Иерусалимская балетная труппа воспитывает молодых талантливых танцоров, которые в последние годы стали победителями национальных и международных конкурсов.

Особым событием в жизни труппы стал гала-вечер с участием десяти звезд мирового балета, который состоялся в 2017 году в Биньяней ха-Ума в Иерусалиме – вечер, посвященный памяти Нины Тимофеевой, основательницы Иерусалимской балетной школы, всемирно известной примы-балерины Большого театра. Шоу и прием ведущих мировых артистов балета мира стали возможными благодаря поддержке Управления по делам развития Иерусалима.

---

הודיני בלט ירושלים צלם ליאוניד חרומצ’נקו Leonid Khromchenko

Иерусалимский балет. «Гудини». Мировая премьера
«Театрон Гиватаим» – четверг 28.3 в 20:30
Заказ билетов по телефону 03-7325340(2) либо по ссылке – здесь.
Стоимость билетов – 90-129 шекелей, скидки по предъявлению соответствующего удостоверения

«Театрон Иерушалаим», зал Ребекка Краун – вторник 4.6 в 20:30
Заказ билетов по телефону 02-5605755 либо по ссылке – здесь.
Стоимость билетов – 90-129 шекелей, скидки по предъявлению соответствующего удостоверения

Хореография: Надя Тимофеева.
Музыка: Морис Равель, Рихард Штраус, Курт Вайль, Ферде Грофе, Биньямин Юсупов
Художник по костюмам: Инна Полонская
Художник по свету: Антон Макаренко
Исполнители: Михай Боток, Анаэль Затейкин, Ориан Йоханан, Александр Шевцов, Анастасия Корнеева, Дмитрий Шевцов

Ссылка на видео – https://www.youtube.com/watch?v=OQkq16hWuMU&t=53s

Фотографии: © Наташа Шахнес, © Леонид Хромченко

Видео: © Анатолий Шейнфельд

Иерусалимская балетная труппа поддерживается Министерством культуры и спорта Израиля и Отделом культуры муниципалитета Иерусалима.

Сайт Иерусалимского балета – https://www.jerusalemballet.com/
Страница в фейсбуке – Jerusalem Ballet Company | Jerusalem

Пурим в столице. Впервые с 1982 года: Адлояда в Иерусалиме
2024-03-11 00:57 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Заглавное фото: “Добрый Лев” – фото Дор Кедми. Studio Lilly и циркачуа Фаллуджа Ирит Харуви. צלם דור קדמי – האריה הטוב סטודיו לילי -ופלוג’ה קרקסנית עירית חרובי

В нынешнем году среди множества разнообразных мероприятий, посвященных празднику Пурим, в Иерусалиме впервые за многие годы пройдет крупнейшее в Израиле уличное театральное шествие – АДЛОЯДА по инициативе Иерусалимского муниципалитета и театра «Карон» .
25 марта 2024 года, тет-вав бе-Адар-бет, ташпад, Шошан Пурим ט”ו באדר ב’ תשפ”ד, שושן פורים

Иерусалимская Адлояда пройдет в этом году впервые за 42 года, объединив в столице Израиля жителей севера и юга страны, центра и периферии, и в первую очередь – детей, эвакуированных из своих домов на севере и юге, тех, кто до сих пор остается в Иерусалиме.
Красочный караван огромных кукол, созданных специально для праздника, отправится маршем по центральным улицам еврейской столицы под многоцветными флагами – в сопровождении оркестров, танцевальных коллективов, актеров – всех объединит традиционное костюмированное пуримское шествие.
Парад начнется с улицы Царя Давида, продолжит путь до площади ЦАХАЛа через улицу Шломо ха-Мелех, оттуда свернет на улицу Яффо, затем повернет налево на улицу Короля Георга и закончится на площади у здания Старого Машбира.

Впервые с 1982 года муниципалитет Иерусалима в сотрудничестве с театром «Карон» возвращает иерусалимскую традицию проведения праздничного пуримского шествия в центр города. Иерусалимская Адлояда пройдет в понедельник, 25 марта, с 10:00 до 14:00. Тотчас по ее завершении на улице Нисим Бахар в квартале Нахлаот состоится традиционная пуримская вечеринка.
Иерусалимская Адлояда в этом году обращена в первую очередь к нашим детям, израильским мальчикам и девочкам, мужественно разделяющим со взрослыми тяготы сегодняшнего времени – им в этот день вся наша любовь и поддержка! Им посвящены творчество и талант десятков художников, артистов и культурных организаций Иерусалима, других городов страны и из-за рубежа.

Древняя мудрость гласит: «Десять мер красоты было отпущено миру, девять из них – Иерусалиму». В пуримском шествии нынешнего года это выражение найдет еще одно подтверждение, ведь для него постарались так много талантливых художников, создателей кукол и продюсеров невероятных представлений! Нынешний Пурим еще раз утверждает победу добра над злом, и празднует надежду, созидание и радость, во имя всех жителей Израиля и наших детей.

Накануне праздника мэр Иерусалима Моше Леон обратился к жителям и гостям столицы: «Иерусалим, столица Израиля и дом для всех израильтян, празднует в этом году Пурим «Ад ло Яда!» (в буквальном переводе с иврита – «до беспамятства». По законам праздника предполагается, что в этот день каждый еврей должен напиться на радостях так, чтобы не отличить злого Амана от праведника Мордехая).
В нынешнем году мы возвращаем в Иерусалим великолепную традицию празднования Пурима – после 67-ми лет, когда в столице не было Адлояды. В этом году мы посвятим его героическим детям Государства Израиль, молясь за дальнейшее укрепление силы нашего духа, за мирное будущее, процветание и единство народа Израиля в его собственном доме».

В подготовке пуримского шествия в столице приняли участие многочисленные культурные учреждения, среди которых – Музей «Башня Давида», Музей Израиля, школа искусств «Мусрара», академия «Бецалель», театр «Инкубатор», театр «Карон», театр «Мисторин», иеатр «Танцующий олень», арт-центры «Джиногли», «Аман», «ха-Мифъаль», Иерусалимский Музей науки.
Кроме того, в «Адлояде» примут участие лучшие создатели гигантских кукол и многие общины со всего города, в том числе дети, эвакуированные из городов и поселений на севере и юге Израиля в связи с продолжающимися боевыми действиями: экспериментальная школа «Аргентина», общественные центры иерусалимских районов Бака и Ромема, школа «Шахарит», школа искусств, школа «Яса» и многие другие.

עדלאידע ירושלים – קרדיט דנה בר סימן טוב Фото – Дана Бар-Симан-Тов

Почти 30 оригинальных проектов, объединяющие оркестры, танцевальные и музыкальные коллективы, объединятся в единое театрализованное шествие, которое обещает стать настоящей мировой премьерой.
Кого только вы не встретите на Иерусалимской Адлояде! Здесь и рычащий лев, символ города, при этом из пасти его, когда он рычит, летят радужные мыльные пузыри, а восседает на нем маленькая отважная девочка. Башня Давида на ваших глазах превращается в огромный водоворот, где с огромной скоростью вращается и смешивается старое и новое. Клезмерский оркестр с трехметровыми музыкантами. А рядом по улицам вытанцовывает гигантская механическая паучиха. Сорок танцовщиц в белых платьях, которые превращаются в разноцветные на глазах у публики – по мотивам известной истории Ханале и ее субботнего платья.
Каждого встречного заставят пуститься в пляс гигантские танцующие куклы-анимэ. Вы встретите здесь и Альберта Эйнштейна, из головы которого будут вылетать разноцветные облачка. Вот еще персонажи героев Адлояды 2024 года – малыш, летящий на огромном голубе мира; и другой малыш, эдакий «ванька-встанька»; семья попрыгунчиков-кенгуру; огромная индейка, оглашающая своим кудахтаньем улицы Иерусалима. И даже белый осел Мессии будет в числе гостей Адлояды.

Среди художников, которые принимают участие в создании образов и кукол Адлояды: Ади Ана Тельзински, Шмулик Шохат, Итамар Хамерман, Шимон Пинто, Йинон Шазо, Эльдад Шелтиэль, Анна Викторова, Сиван Вайнштейн Халеви, Лев Крейтман и Итамар Рафель, Диего и Лия Ротман, Илья Замсов и Михаль Мехрик, Ярон Карбель, Идан Скляр, Шай Персил, Итамар Шимшони и многие другие.

Адлояда станет главным мероприятием Пурима в Иерусалиме, его апогеем, тогда как в дни праздника в столице Израиля пройдут еще десятки различных вечеринок, пуримшпилей и костюмированных балов. Уже с начала месяца Адар город начнет праздновать и отмечать Пурим на улицах в различных жилых районах, в клубах и общественных центрах, в муниципальных библиотеках и домах культуры. При этом, как и каждый год, большая традиционная уличная вечеринка, в сопровождении диджеев, пройдет на улицах Агрипас и Нисим Бахар. Даже здания нарядятся в этот день в костюмы фантастических существ в рамках проекта «Пурифлэцет» («Пуримское чудовище»).

Иерусалимская Адлояда проводится по инициативе столичного муниципалитета в сотрудничестве с театром «Карон», и ориентирована на широкую публику самых разных возрастов.
Шествие Адлояда пройдет в понедельник, 25 марта, в день Шушан Пурим, с 10:00 до 14:00.
Маршрут шествия начнется от отеля «Инбаль», пройдет по улицам Царя Давида, Шломо ха-Мелех, затем через площадь ЦАХАЛа на улицу Яффо, улицу Короля Георга, и закончится на площади у здания Старого Машбира. Вдоль всего маршрута будут расположены 7 «станций» для представлений – на площадке перед историческим зданием YMCA, на перекрестке Мамилла, на площади ЦАХАЛа, на площади Сафра, в Бейт-Йоэль, на площади Сиона и на площади у Старого Машбира. Среди ведущих праздника, которые будут на сцене – Наоми Лавов, Ханан Савьон, Амит Зафарир и другие. На этих сценах пройдут выступления духового оркестра из 40 музыкантов, биг-бэнда, с участием диджеев, «шаманов», исполнителей на уде и многих других.

עדלאידע ירושלים – ריקי רחמן. Фото – Рики Рахман

Настоятельно рекомендуем в этот день воспользоваться услугами общественного транспорта. Израильская Железнодорожная компания увеличивает количество поездов, следующих в этот день в Иерусалим.
Подробная информация об организации дорожного движения, перекрытии дорог, порядке парковки и т. д. будет опубликована позже

Сайт «Адлояда в Иерусалиме»
https://bit.ly/437Tfl6 или здесь: https://www.jerusalem.muni.il/he/experience/purim-in-jlm/adloyada/

Фотографии предоставлены Иерусалимским муниципалитетом:
«Добрый лев – фото Дор Кедми
Фото праздника на улице Нисми Бахар – Рики Рахман
Фото уличного цирка – Дана Бар-Симан-Тов

«Орфей спускается в ад» – версия Глюк vs Лазаров
2024-03-10 19:30 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Photo by Michal Chelbin. Concept by One sixty nine

«Орфей и Эвридика» – прекрасная барочная опера Кристофа Глюка – будет представлена в Израильской опере с 7 по 19 апреля под руководством итальянского дирижера Маттео Бельтрами в постановке Йехезкеля Лазарова.

Хореограф, танцор, режиссер, актер и дизайнер Йехезкель Лазаров впервые работает с Израильской Оперой. Для своего оперного дебюта он выбрал одну из прекраснейших опер мирового и барочного репертуара – «Орфей и Эвридика» Кристофа Глюка на либретто Раньери де Кальцабиджи.
Кристоф Виллибальд Глюк написал тридцать пять опер, но самая известная из них – «Орфей и Эвридика», созданная в 1762 году. «Орфей и Эвридика» – старейшая опера, которая не исчезает из репертуара оперных театров более двух с половиной веков, оставаясь одним из самых влиятельных произведений в истории оперы. А ария «che faro senza Euridice» явна стала первым мега-хитом в истории оперы. Премьера «Орфея и Эвридики» прошла под управлением самого Глюка 5 октября 1762 года в Венском городском театре.

Сюжет этой знаменитой оперы основан на не менее знаменитом греческом мифе, пережившего множество трансформаций: эта история влюбленных впервые появилась еще в произведениях Платона в 500-м году до нашей эры, в поэме знаменитого римского поэта Вергилия, жившего в первом веке до нашей эры, а также в поэме Овидия «Метаморфозы», датирующейся первым веком нашей эры. В отличие от многих либреттистов, слишком свободно обращавшихся с древними мифами (включение побочные сюжетных линий и новых героев нередко искажало мифологический сюжет до неузнаваемости), Раньери де Кальцабиджи строго придерживался основной линии предания об Орфее, не загромождая его никакими побочными эпизодами. Единственное отступление от мифа связано с развязкой: вместо гибели главных героев опера завершается счастливым финалом. Действующих лиц всего трое – Орфей, Эвридика и Амур (Эрос).

Но начнем с конца, с оперного финала: композитор Кристоф Виллибальд фон Глюк предпочел древнему сюжету оптимистичный финал – боги объявляют, что пришло время воскресить Эвридику ради воссоединения любящих сердец.
А теперь к началу, к увертюре: вечный сюжет привлекал многих оперных композиторов, однако наибольшую популярность у публики завоевало именно произведение Глюка.

Знаменитая древнегреческая история о волшебной любви лесной нимфы Эвридики и легендарного мифического певца и музыканта Орфея вдохновила не одного оперного композитора. Сюжет хорошо известен: Орфей – музыкальный гений. Его отец Аполлон подарил ему чудесную лиру – древнюю миниатюрную предшественницу арфы. Музыкальный дар Орфея был столь велик, что ни одно существо не могло устоять перед его чарами. Эвридика умирает от укуса змеи (версии расходятся – то ли когда водила хороводы с подругами, то ли когда спасалась бегством от коварного Аристея). Безутешный Орфей не может примириться с утратой и отправляется в подземное царство мертвых, куда ему удалось попасть, используя свою сладкоголосую арфу, очаровавшую даже Аида, грозного царя подземного мира. В обмен на музыку Аид, заручившись согласием своей грозной жены Персефоны, соглашается отпустить Эвридику. Но беспокойный Орфей нарушил условия сделки – не оглядываться, и Эвридика навсегда осталась в царстве теней. После гибели Орфея их души наконец встретились в Царстве Мертвых, теперь они могли быть неразлучны навеки. Но Глюк, как уже сказано, финал изменил. А вот что задумал изменить постановщик оперы Йехезкель Лазаров?

После долгой и успешной карьеры актера, театрального режиссера и художника Йехезкель Лазаров решил взяться за новую задачу – поставить оперу. В этой постановке он дает новую, современную интерпретацию мифологической истории об Орфее -художнике, который готов на все, чтобы вернуть из подземного мира свою возлюбленную Эвридику, предлагает свою трактовку универсальной истории любви, изложенной в древних мифах.
«Я хотел создать постановку, которая обращалась бы к сегодняшней публике, заставляла бы её чувствовать эмоции персонажей и идентифицировать себя с ними, – говорит он. – Музыка Глюка прекрасна и трогательна, и я хочу, чтобы зрители смогли бы полностью отдаться мелодии, пережить историю возлюбленных через музыку».
В сценической концепции Лазарова в его «Орфее и Эвридики» переплетаются личностное, концептуальное и социальное:
На индивидуальном уровне – художник ищет свой внутренний голос в период душераздирающего горя. Орфей переносится из идеального мира, в котором он жил с Эвридикой, в мир бурлящих страстей и запретных желаний.

На концептуальном уровне – опера посвящена целительной силе музыки. В постановку будет интегрирован видео-арт одного из лучших видео-художников Израиля Рана Славина, для которой, внимание! – голосовые связки оперного певца были сфотографированы на аппарате MRI во время исполнения арии из оперы. А сердцебиение Эвридики станет мелодией благодаря расшифровке электрокардиограммы.
Еще один уровень – социальный и политический – говорит о меланхолии и о пути, который предстоит тем, кто пытается вернуть близких из кругов ада. Эпическое путешествие Орфея в царство мертвых предстает как проверка границ личности. А история Эвридики проявляется на сцене в то время, когда смерть и разрушение окружают нас со всех сторон, а пути спасения близких становятся центральным игроком уже на сцене существования Израиля.

Над сценографией этого оперного спектакля вместе с Йехезкелем Лазаровым, который также создал эскизы декораций, работают видео-дизайнер Ран Славин, художник по костюмам Алин Лазарова, хореограф Мор Шани и художник по свету Надав Барнеа.
Итальянский дирижер Маттео Бельтрами, руководивший многими постановками в важных оперных театрах Европы – в Берлине, Кельне, Штутгарте, Венеции, Турине, Флоренции, в большинстве итальянских театров, впервые сотрудничает с Израильской Оперой.
Маттео Бельтрами окончил Консерваторию имени Паганини в Генуе по классу скрипки и оркестровое дирижирование в Миланской консерватории имени Верди, дебютировал как дирижер в Генуе в возрасте двадцати лет с оперой «Трубадур».
Маттео Бельтрами часто называют одним из самых многообещающих молодых итальянских дирижеров. За более чем двадцатилетнюю карьеру он дирижировад почти в пятидесяти оперных спектаклях, начиная от оперы-барокко и заканчивая мировыми премьерами современных произведений.
Начиная с 2017 года Маттео Бельтрами был назначен музыкальным руководителем Teatro Coccia – оперного театра в итальянском городе Новара в Пьемонте. В 2018 году он создал Академию Teatro Coccia в Новаре, где сам преподает дирижирование. В 2021 и 2022 годах был художественным руководителем Международного оперного конкурса Giuseppe Di Stefano.
Среди ангажементов Маттео Бельтрами в сезоне 2022/2023 — «Набукко» в Гамбургской государственной опере, «Травиата» в Оперном театре Граца, новая постановка «Золушки» в Кёльнском оперном театре, «Богема» в Teatro Principal de Palma, «Трубадур» в Муниципальном театре Пьяченцы, «Реквием» Керубини в соборе Пьяченцы (в рамках сезона Муниципального театра) и «Лючия ди Ламмермур» в Немецкой опере в Берлине.

В постановке «Орфей и Эвридика» в Израильской Опере принимают участие следующие солисты: партию Орфея исполняют попеременно контра-теноры Николас Таманья и Ян Якуб Моновид, в роли Эвридики – сопрано Алла Василевицкая и Шакед Струль , а в роли Амура – сопрано Таль Ганор и Том Коэн.
Дирижер Ротем Нир – дирижер Израильской Оперы – также будет дирижировать двумя представлениями этой постановки.

Хор Израильской Оперы под управлением Итая Берковича,
Балетная труппа
Израильский Симфонический оркестр Ришон ле-Циона – оркестр Оперы

Даты представлений:
Воскресенье | 07.04.2024 | 20:00
Понедельник | 08.04.2024 | 19:30 | Премьера
Вторник | 09.04.2024 | 20:00
Четверг | 11. 04.2024 | 20:00
Пятница|12. 04.2024| 13:00
Суббота | 13.04.2024 | 20:00
Вторник | 16.04.2024 | 18:00
Пятница | 19.04.2024 | 13:00

Билеты в кассе Израильской Оперы по телефону 03-6927777 или в «Браво»: Орфей и Эвридика

Текст подготовила Маша Хинич. Photo by Michal Chelbin. Concept by One sixty nine
Пиар – агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting

Ансамбль «Бат-Шева» представляет: «Ниху́с»
2024-03-09 20:55 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

«Ниху́с» – балет-одиссея хореографа Гилеля Когана. Непросто перевести слово «Ниху́с» на русский язык в данной – балетной – коннотации.
«Ниху́с» – это атрибуция, присвоение, принадлежность, утверждение, констатация, установление, это некий термин, которым можно объяснить механизм причин поведения другого человека. В данном случае – 18 человек – танцоров молодежной труппы «Бат-Шевы», для которых хореограф Гилель Коган, также воспитанник «Бат-Шевы», танцевавший в этой труппе и поставившей для нее уже несколько балетов, сотворил «Ниху́с» Но оставим название таким, каким оно звучит на иврите – «Ниху́с», тем более, что премьера пройдет именно в Израиле, в Тель-Авиве и уже совсем скоро.

Премьера «Ниху́с» пройдет в Тель-Авиве 18 марта, а затем «Ниху́с» будет показан 19, 21 и 22 марта, а также 5, 6 и 7 апреля в Тель-Авиве, 2 апреля в кибуце Ифат, 2 мая в Хайфе и 16 мая в Иерусалиме.
Заказ билетов – https://batsheva.co.il/en/schedule/

Лауреат многих премий, хореограф и танцовщик Гилель Коган вновь возвращается в ансамбль «Бат-Шева», где он танцевал в середине 1990-х – но на сей раз возвращается в качестве хореографа, после успеха его работ «We Love Arabs» в 2013 году и «THISISPAIN» в 2022 году – успеха как в Израиле, так и во всем мире, что сделало его одним из самых заметных хореографов, работающих сегодня в Израиле. Коган – хореограф, Коган – зачарованный путешественник странствует по сферам мира искусства, демонстрируя, как искусство в целом и как танцовщик и его тело, в частности, могут стать площадками для создания конструкций – от культурных до политических.
В путешествие он отправляет и танцовщиков «Бат-Шевы», путешествие в «Ниху́с» – в мир, наполненный поисками, цитатами, ассоциациями, впечатлениями, отсылками к множеству культур – близким и далеким. К культурам, ожидающим, что они могут исчезнуть, могут быть разграбленными, стертыми, вновь возникшими, возрожденными. Балет Когана – это шествие-карнавал, бал-маскарад, где пересекаются границы политкорректности ради творческой и физической свободы, праздник тела, как инструмента творца и как инструмента самовыражения в языке танца. Материал – то есть танцор – подчиняется рукам создателя и глазам зрителей. Его – материала – танец виртуозен, соблазнителен, практически сакрален.
Гилель Коган превращает своих исполнителей, своих танцоров в объект своего творчества, выявляя скрытые механизмы, заложенные в структуре взаимоотношений между ним – хореографом и между ними – материалом.

В молодежной труппе «Бат-Шевы» собраны танцовщики из нескольких стран мира, общее для них – юность, любовь к балету и безмерное увлечение языком движения гага, разработанного Охадом Нахариным. На сей раз гага, превращенная в одиссею, исполняется под классические вальсы, ритмы африканских перкашн, песнопения американских индейцев. Это рэп и модерн, и много цитат, даже из «Черного молока» Нахарина.

Этот балет – действительно путешествие, одиссея в поисках кабинета курьезов, где хранится настоящее «настоящее» и «настоящие» фальшивки – ценно и то, и другое. «Ценно и то, – говорит Гилель Коган, – что мы собрались именно здесь – в Неве-Цедеке, бывшим 30 с лишним лет назад приютом наркомании, бедности и проституции, а сейчас мы здесь творим новую культуру, к которой мы и принадлежим, с которой себя ассоциируем. Так что давайте перед представлением выключим телефоны и вспомним о принадлежности».

Гилель Коган любит поговорить. Он этого не скрывает, а наоборот – подчеркивает, как подчеркивает и то, что любит вставлять текстовые фрагменты в свои хореографические спектакли. Тексты будут и на сей раз: тексты-курьезы- характеристики самих танцовщиков, столь разных и столь слаженно танцующих в ансамбле. Показанные на презентации «Ниху́с» отрывки поражали именно сыгранностью, вернее станцованностью, и тем, как в этих отрывках – одновременно и намеренно – подчёркнута индивидуальность каждого исполнителя. Поразило и то, как «гершвино-нью-йоркские» сцены переходили в африканские. Впрочем, поразила каждая сцена и отношение доверия между танцорами и хореографом, их умение выразить себя через другого, умение превратить тело в инструмент хореографа, в язык танца, а ансамблевую слаженность – в импровизацию.
«Ниху́с» – это рассказ о балете и в то же время рассказ об отношениях танцора-объекта и хореографа-субъекта. Это решение дилеммы, кризиса, это материал в руках творца. Чайковский и Петипа создавали Щелкунчика, не давая свободы танцовщикам. Здесь же свобода присутствует в каждом жесте, и материалом для хореографа становятся также и зал, публика. Свобода – как символ – соединяет современные дилеммы, курьезы, индивидуальность, тело, возраст, гендер. И потому хореограф даёт танцовщикам возможность говорить, даёт им текст.

С другой стороны, может свобода в искусстве – это ловушка? Тем более, что часть сцен «Ниху́с» исполняется в масках, сделанных точно по слепкам с лиц каждого из танцовщиков. И ведь это тоже курьёз: маска обезличивает, маска должна скрывать, а здесь маска, скрывая, показывает, возможно, истинное лицо. И вновь, как в кунсткамере становится интересно, что «настоящее», что реальнее – маска, фальшивка или лицо? И тогда становится понятно: не важно кто ты – важно, что ты умеешь делать.

Белая маска – это символ. Возможно, это символ присвоения – присвоения человеку или группе неких характеристик, вне поле прямого восприятия. Маска нужна, потому что только наблюдения недостаточно для взаимодействия с окружением. Маска – это достраивание восприятия, атрибуция принадлежности, «ниху́с»… А в конце это одиссеи появится бабочка. Куда она летит – еще неизвестно. Премьера – 18 марта. Тогда и узнаем.

*****
«Нихус». Премьера – 18 марта 2024 года
Молодежная группа ансамбля «Бат-Шева»
Хореграфия: Гилель Коган.
Драматург постановки: Шарон Цукерман-Визер / Дизайн освещения и пространства: Надав Барнеа / Художник: Летиция Булло / Дизайн костюмов: Эвелин Тердиман / Маски: Nothing’s Personal Матан Майерсон и Раз Синтова

Премьера «Ниху́с» пройдет в Тель-Авиве 18 марта, а затем «Ниху́с» будет показан 19, 21 и 22 марта, а также 5, 6 и 7 апреля в Тель-Авиве, 2 апреля в кибуце Ифат, 2 мая в Хайфе и 16 мая в Иерусалиме.
Заказ билетов – Schedule - Batsheva Dance Company
Сайт ансамбля «Бат-Шева» – https://batsheva.co.il/
Страница в фейсбуке: https://www.facebook.com/BatshevaDanceCompany/

Текст – Маша Хинич. Фото – © Ascaf (дизайн – «Лига») – представлено пресс-службой ансамбля «Бат-Шева».

Звезды будущего и оркестр «Симфонет Раанана»
2024-03-08 21:18 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: Maayan Franko – © Yoél Culiner

8-й абонементный концерт оркестра «Симфонет Раанана» при сотрудничестве с международными фортепианными мастер-классами «Тель-Хай» пройдет 13 и 14 марта 2024 года.
Дирижер – Мааян Франко (Израиль-Германия)
Фортепиано – Надав Эйн-Галь (лауреат 2-й премии конкурса «Кончерто» мастер-классов Тель-Хай)
В программе:
Ференц Лист. «Гамлет». Симфоническая поэма
Ференц Лист. Концерт No. 2 ля мажор для фортепиано с оркестром
Ян Сибелиус. Оркестровая сюита «Пеллеас и Мелисанда».

Мааян Франко, один из самых успешных молодых израильских дирижеров в Европе, сотрудничает в рамках этого концерта с лауреатом второй премии конкурса «Кончерто» Международных фортепианных мастер-классов Тель-Хай Надавом Эйн-Галем, исполняя Второй фортепианный концерт Листа. Для пианистов произведения Листа – своего рода пики мирового значения, совершить восхождение на которые значит продемонстрировать высшую техническую и музыкантскую зрелость. Среди прославленных пианистов, исполнявших Второй концерт Листа: Клаудио Аррау, Лазарь Берман, Вильгельм Кемпф, Святослав Рихтер, Даниэль Баренбойм, Дьёрдь Цифра…
Оркестр «Симфонет Раанана» под руководством Мааяна Франко также представит два редко исполняемых сочинения, основанные на литературных темах: «Гамлет» Листа и «Пеллеас и Мелисанда» Сибелиуса.

Концерты состоятся:
В среду, 13 марта, 20:00
В четверг 14 марта, 20:00
Городской центр музыки и искусств – ул. ха-Пальмах 2-алеф, Раанана
Справки по телефону 09-7457773

«Пеллеас и Мелизанда» (Pelléas et Mélisande) – оркестровая сюита Яна Сибелиуса ор.46 (1905), написанная на основе музыки к спектаклю по одноименной пьесе Мориса Метерлинка, пользовавшейся большой популярностью и послужившей также основой для одноимённой сюиты Габриэля Форе, симфонической поэмы Арнольда Шёнберга и оперы Клода Дебюсси. Сюита Сибелиуса была впервые исполнена (в качестве музыкального сопровождения к спектаклю) 17 марта 1905 года в Шведском театре в Хельсинки под управлением автора. Сюита неоднократно была записана выдающимися дирижёрами – в том числе Томасом Бичемом (Королевский филармонический оркестр, 1935), Джоном Барбиролли (Оркестр Халле), Гербертом фон Караяном (Берлинский филармонический оркестр, 1983), Неэме Ярви (Гётеборгский симфонический оркестр, 1993).
Музыка сюиты послужила основой для балетов «Исповедальня» (англ. Confessional; 1941) Уолтера Гора и «Пеллеас и Мелизанда» (1970) Беппе Менегатти.

«Гамлет» – десятая по счёту симфоническая поэма Ференца Листа, сочинённая им в 1858 году и опубликованная в 1861 году. Была впервые исполнена в 1876 году в Зондерсхаузене.

Концерт для фортепиано с оркестром № 2 ля мажор, S. 125 ― сочинение Ференца Листа, написанное в 1840 году и неоднократно редактировавшееся автором вплоть до 1861 года. Первое исполнение концерта под управлением самого Листа состоялось в Веймаре 7 января 1857 года. Произведение посвящено Гансу Бронзарту фон Шеллендорфу, ученику Листа.

Maayan Franko – © Yoél Culiner

Мааян Франко https://www.maayanfranco.com/ – израильско-немецкий дирижер, живущий в Берлине.
В рамках своего обширного репертуара Франко делит время между оперой, исполнением новой музыкой и концертными программами.
Франко дебютировал с Шотландским Симфоническом оркестром BBC в апреле 2023 года. Недавно он принял участие в Люцернском фестивале, где дирижировал оркестром Люцернской филармонии. Его пригласили дебютировать с Ensemble Modern во Франкфуртской опере в рамках серии «Happy New Ears» в феврале 2022 года. Франко регулярно сотрудничает с такими израильскими коллективами как «Ансамбль Мейтар» и коллектив современной музыки Ensemble 21, представляя с ними новые программы. Он также дирижирует Филармоническим оркестром Косово.
В области оперы репертуар Франко охватывает шедевры от раннего оперного репертуара до новых модерных произведений. Летом 2020 года он дирижировал двумя новыми постановками на Иерусалимском фестивале лирической оперы: «Золушкой» Россини и «Гензель и Гретель» Хумпердинка. В качестве помощника дирижера и кавер-дирижера Франко работал над постановками на Фестивале Экс-ан-Прованс, в Государственной опере Берлина, в Израильской опере, в Концертгебау Вены, в Эльбской филармонии в Гамбурге, Барбикян-центре в Лондоне, в Штутгартской государственной опере и многих других.
С 2017 года Франко тесно сотрудничает с израильским дирижером Иланом Волковым, работая с ним над проектами с Симфоническим оркестром Баварского радио, с Королевским филармоническим оркестром, Симфоническим оркестром Венского радио, Ensemble InterContemporain, Симфоническим оркестром BBC, Ensemble Modern, Берлинской государственной капеллой и т.д.
Мааян Франко начал свое музыкальное образование в возрасте 5 лет, начав с игры на ударных инструментах под руководством Алекса Немировского из Израильского Филармонического Оркестра и с игры на флейте под руководством профессора Рути Рон. Окончил школу искусств «Тельма Елин» в Тель-Авиве.
В качестве флейтиста Мааян Франко выступал в престижных залах по всему миру, получив много наград и стипендий.

Nadav Ein-Gal – photo © Boris Shahnovitch

17-летний израильский пианист Надав Эйн-Галь начал заниматься игрой на фортепиано в возрасте 7 лет у Тани Козловой, и с тех пор продолжает обучение в ее классе в Израильской консерватории в Тель-Авиве. Надав занял первое место на нескольких международных конкурсах пианистов в Израиле и за рубежом, в том числе первое место в международном конкурсе пианистов «Музыкальная академия FORTE», второе место в конкурсе «Merci Maestro International 2023» – оба в Бельгии; первое место в конкурсе «Салют роялю» в Израиле в 2022 году, а также на других международных конкурса в Швейцарии, Великобритании и в других странах.
Надав уже участвовал в музыкальных фестивалях и выступал с концертами в Израиле и за рубежом, в том числе играл концерты с Израильским Филармоническим Оркестром и Национальными камерным оркестром Киева, а также давал сольные концерты в Израиле и за рубежом, в том числе в Праге. Брюсселе и Киеве.
С 2018 года и по сегодняшний день Надав участвует в программах для выдающихся пианистов Иерусалимского музыкального центра под эгидой маэстро Мюррея Перайя, а в последние годы участвует также и в камерных ансамблях программы Гольдмана Иерусалимского музыкального центра
В 2023 году Надав принял участие в мастер-классах «Тель Хай», где получил Премию Ашкенази как перспективный молодой музыкант, а также второй приз конкурса «Кончерто».

---

Оркестр «Симфонет Раанана». Звезды будущего
Дирижер – Мааян Франко (Израиль-Германия)
Фортепиано – Надав Эйн-Галь (лауреат 2-й премии конкурса «Кончерто» мастер-классов Тель-Хай)
В программе:
Ференц Лист. «Гамлет». Симфоническая поэма
Ференц Лист. Концерт No. 2 ля мажор для фортепиано с оркестром
Ян Сибелиус. Оркестровая сюита «Пеллеас и Мелисанда».
13 марта, среда, 20:00
14 марта, четверг, 20:00

Центр искусств и музыки Раананы – ул. а-Пальмах 2-алеф.
Заказ билетов: 09-7457773 или на сайте оркестра: www.symphonette.co.il
Страница оркестра в Фейсбуке – Symphonette Raanana תזמורת סימפונט רעננה | Ra`anana

Текст подготовила Маша Хинич. Фотографии (Nadav Ein-Gal – © Boris Shahnovitch; Maayan Franko – © Yoél Culiner ) предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»

Пиар – агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting

«Любовь и буря». История классической музыки, женская версия
2024-02-27 01:47 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: Илья Рам и Мааян Гольденфельд. Photo: © Loft Dresden

История классической музыки, женская версия. Концерт «Любовь и буря» Израильского Камерного Оркестра 5 марта в Тель-Авиве

В центре мартовского концерта Израильского Камерного Оркестра – праздник любви. Программа концерта охватывает четыре столетия и разные периоды в истории музыки: классический (18-й век), романтический (19-й век), современный (начало 20-го века) и модерн (21-й век).

Блестящий молодой израильско-американский дирижер Илья Рам, проживающий в Германии, где он является музыкальным руководителем оркестра Лейпцигского университета и Гейдельбергской академической филармонии, возвращается в Тель-Авив для своего дебютного выступления с Израильским Камерным Оркестром. Илья Рам отмечен критиками за харизматичную, энергичную и очень выразительную манеру дирижирования и внимание к деталям, и за то, что его не смущают формальные рамки. Программа «Любовь и буря», которая будет представлена Израильским Камерным Оркестром под его руководством 5 марта, также выходит за формальные рамки, так как в ней будут исполнены прекрасные, но малоизвестные сочинения женщин-композиторов 18-го и 19-го веков Марианны Мартинес (кантата «La Tempesta») и Луизы Фарранк (2-я Симфония), пьеса молодого израильского композитора Батьи Френклах «Инди-приветствие» («Indie Cheer», 2016), написанная под влиянием альтернативных стилей музыки – таких как инди-поп и инди-рок, а также сюита «Возлюбленный» («Rakastava») Яна Сибелиуса.
В концерте также принимает участие сопрано Мааян Гольденфельд. (Германия/Израиль).

Вторник, 5 марта 2024 г., 20:00. Тель-Авивский музей искусств, зал «Реканати».
Заказ билетов: https://www.ico.co.il/show/2066 .

Женщины-композиторы по сей день воспринимаются, скорее, как нечто необъяснимое, и удача их творческой жизни связывается с удачным совпадением природного таланта и особых условий. И при этом, как писала британский культуролог Анна Бир: «Женщины не стремились создать женскую музыкальную традицию, они не ждали, что появится женщина-учитель или наставник. Они просто работали в рамках музыкальной культуры, в которой доминировали мужчины».

Марианна фон Мартинес (1744 – 1812) – австрийский композитор, клавесинистка и сопрано.
Отец Марианны Мартинес был церемониймейстер нунция в Вене и друг итальянского либреттиста и драматурга Пьетра Метастазио. Метастазио поощрял обучение Марианны Мартинес, особенно в литературе и музыке. Кроме того, Марианна получила уроки от Йозефа Гайдна и Джузеппе Бонно. Она была знакома с важными личностями в политике, культуре и обществе. Между прочим, она играла для императрицы Марии Терезии. По крайней мере раз в неделю она давала музыкальные вечера в своем доме. До смерти Марианна Мартинес жила со своей сестрой. Метастазио умер в 1782 году и оставил свое состояние сестрам.
В 1772 году английский музыковед, Чарльз Берни, находился с визитом в Вене, и в один сентябрьский вечер его пригласили в гости к Пьетро Метастазио.
Разговор сменился с появлением молодой женщины, которую Берни позже описывал, как «хорошо одетую, изящную и очень элегантную». То была композитор и мастер по изготовлению клавесинов Марианна Мартинес. Описывая свой визит, Берни отмечает потрясающий голос Мартинес, ее чувство ритма и умение подать себя. Но вот курьез: он выразил озабоченность тем, что физические издержки сочинения музыки, в частности, долгое, неподвижное сидение, наклон головы вниз, могут навредить другим талантам женщины. «Как жаль, – писал он, – что ее работа, как композитора, может отрицательно отразиться на ее голосе».

Француженка Луиза Фарранк (1804 – 1875) – композитор, пианистка, педагог. Училась у Мошелеса и Гуммеля. Её творчество высоко ценили Шуман и Берлиоз, Шопен и Лист.
Почему же это имя мало говорит нам сейчас? Нужно помнить, что музыкальная жизнь Франции в тот период была сосредоточена в театре, отсюда сравнительно узкий круг известности симфонических и камерных сочинений Луизы Фарранк, при всей ее одаренности и высоких оценках знатоков, – об этом писал в своём «Всемирном биографическом словаре музыкантов» ведущий музыкальный критик эпохи Франсуа-Жозеф Фети.

Луиза Дюмон родилась в семье Жака-Эдме Дюмона, известного скульптора в четвёртом поколении (скульптором стал и её брат Огюст Дюмон). Рано проявила незаурядные художественные способности, с шести лет занималась музыкой, хорошо рисовала. Брала уроки фортепиано, училась в Парижской консерватории, позднее занималась у Игнаца Мошелеса и Иоганна Гуммеля. В 1821 г. вышла замуж за флейтиста Аристида Фарранка, взяла его фамилию, концертировала вместе с ним. Муж стал импресарио пианистки, издателем её сочинений.
На протяжении 1820-х и начала 1830-х гг. Фарранк сочиняла фортепианные пьесы для собственного исполнения, однако затем её творческий диапазон как композитора постепенно расширялся.
В середине 19 века парижские зрители всецело отдавали предпочтение опере в ущерб инструментальной музыке. Но когда в 1850 году состоялась премьера «Нонета в ми-бемоль мажоре» Луизы Фарранк в исполнении Йозефа Иоахима, которому на тот момент не было и 20 лет и который пока не успел прославиться на весь мир, композицию встретили с неописуемым восторгом.
За восемь лет до этого Фарранк взяли на должность преподавателя фортепиано в Парижскую консерваторию. Таким образом она стала одной из первых преподавательниц игры на музыкальном инструменте в Европе. Фарранк умело использовала публичный успех и потребовала прибавки к зарплате, которая на тот момент была ниже, чем у коллег-мужчин. Руководство и сотрудники консерватории согласились, и Фарранк занимала свою должность еще четверть века.

Помимо написания музыкальных произведений и преподавания, она помогала своему мужу, музыковеду и публицисту, проводить исследования и редактировать книги, включая 23-томную антологию музыкальных произведений для клавишных инструментов. После смерти супруга она продолжила его работу в одиночку, организуя дискуссии и концерты по случаю различных публикаций.
Ее научная деятельность, направленная на возрождение и публикацию работ прошлого, была необычной для того времени, но такой закулисный и неприметный труд, на самом деле, являлся большой частью той огромной работы, которую делали женщины на протяжении долгих веков.

Творчество финского композитора Яна Сибелиуса – одного из самых популярных композиторов конца девятнадцатого и начала двадцатого века – достояние не только Финляндии, оно представляет собой неотъемлемую часть мировой музыкальной культуры.
Композитор оставил богатое наследие: им написаны 7 симфоний, ряд симфонических поэм, 3 оркестровые сюиты, фортепианные квинтеты и трио, камерные вокальные и инструментальные произведения, музыка к драматическим спектаклям, но наиболее ярко дарование композитора проявилось в симфонической музыке. Его струнные квартеты, а особенно Концерт для скрипки с оркестром принесли Сибелиусу особенную любовь скрипачей.
Не случайно имя Сибелиуса носят финская музыкальная академия и скрипичный конкурс, который проводится в Хельсинки каждые пять лет.
В 2012 году в городе Тампере прошел первый международный хоровой конкурс, получивший имя знаменитого композитора.
Сибелиус родился в городке Хяменлинне, при крещении получил имя Юхан Кристиан Юлиус Сибелиус, в семье его называли Янне, французскую форму своего имени Ян (Жан) он начал использовать в студенческие годы. В этот исторический период росло финское национальное движение и родители Яна (отец умер в раннем детстве) несмотря на то, что сами имели шведские корни, отдали сына в финский языковой лицей. В семье любили музыку и дети получили музыкальное образование, Ян отдал предпочтение скрипке.
В 1885 году он начал изучать право в Императорском университете в Хельсинки и параллельно учился в консерватории (которая сейчас носит его имя). Его основным призванием была музыка, поэтому он вскоре оставил университет. Целью Сибелиуса было стать скрипачом-виртуозом, но он вскоре отказался от своей мечты и занялся композицией. После окончания консерватории он продолжил учебу в Берлине (1889-1890) и Вене (1890-1891).
В 1892 году Сибелиус написал свою первую симфоническую поэму «Куллерво» для двух солистов, мужского хора и оркестра. Поэма основана на карело-финском поэтическом эпосе «Калевала», который вдохновил его на многие произведения.
В зрелые годы Сибелиус совершал много международных поездок. Его туры принесли ему особое внимание и успех в Европе и США, сделав его из финского композитора композитором мирового уровня.
Сюита Яна Сибелиуса «Rakastava» для струнного оркестра, ударных и треугольника была закончена им в 1912 году. Он основал его на своем более раннем сочинении с тем же названием, песенном цикле из четырех частей для мужского хора a cappella, завершенного в 1894 году. Произведения основаны на тексте из финских народных стихотворений «Кантелетар».

Израильско-американский дирижёр Илья Рам ( www.ilyaram.com) давно привлекает к себе внимание музыкальных критиков. В последнее время он проживает в Германии, и журнал Crescendo отзывается с восторгом о его выступлениях. «Рам – очень энергичный и харизматичный дирижёр», – пишет издание. «Илья Рам – блестящий молодой дирижёр. Он беспрестанно ищет новые способы передать красоту классической музыки», – добавляет журнал Kultur DNN. На сегодняшний день Илья – музыкальный руководитель Университетского оркестра Лейпцига, с которым он выступает на лучших сценах Германии и на фестивалях классической музыки. Он получил приз зрительских симпатий на конкурсе имени Евгения Светланова, и ему вручена престижная стипендия Deutsche Bank Stiftung для продолжения учебы в Высшей академии музыки и театра Германии. Наряду с его работой в оркестре Лейпцига Илья Рам дирижирует в театре Хмениц, его приглашают на выступления с оркестром Франкфурта, он выходит на сцену с такими знаменитыми солистами как виолончелистка Ильдико Сабо.

Итальяно-израильское сопрано Мааян Гольденфельд ( https://www.mayangoldenfeld.com/), которая последнее десятилетие живет в Германии и выступает по всей Европе, также возвращается в свой родной Тель-Авив для своего первого выступления с Израильским Камерным Оркестром. ​
Мааян Гольденфельд, получившая высокую оценку критиков за свои вокальные данные, артистическую чувствительность и умение держаться на сцене, работает в Городском театре Билефельда. Наряду с выступлениями в операх и театральных постановках Мааян продолжает свою работу в качестве концертной певицы.
Мааян выступала под управлением многих именитых дирижеров, а также с такими ансамблями и оркестрами, как La Petite Bande, Bielefelder Philharmoniker, Neumeyer Consort, HIP Франкфурт и Camerata Villa Musica. Она выступала на многих важных сценах по всей Европе, включая, среди прочего, Концертгебау в Амстердаме и Государственный театр Висбадена и на таких фестивалях, как Maifestspiele в Висбадене, Schwetzingen Festspiele, Grandezze e Maraviglie Festival, Festival Barocco Alessandro Stradella, I Concerti di Euterpe, Пражский фестиваль старинной музыки и Международный гитарный фестиваль в Кобленце.

Мааян – лауреат премии Bärenreiter Prize 2022 года на конкурсе Генделя в Геттингене, и лауреат I премии конкурса вокалистов имени Бухмана-Меты, финалисткой Международного конкурса барокко во Фровилле и лауреатом конкурса Kammeroper Schloss Rheinsberg.

Мааян Гольденфельд получила степень магистра музыки в консерватории Бруклинского колледжа, степень бакалавра музыки в музыкальной школе Бухмана-Меты, а совсем недавно она получила еще одну степень бакалавра – в области старинной музыке в Университете искусств Берлина.

Она также выступала в качестве солистки в Лейпцигском Гевандхаусе под управлением Ильи Рама.

---

Израильский Камерный Оркестр.
«Любовь и буря»

Дирижер: Илья Рам (Израиль – Америка)
Сопрано: Мааян Гольденфельд (Израиль – Германия)
В программе:
Ян Сибелиус. Сюита «Rakastava» («Возлюбленный», 1912 г.)
Мариана Мартинес: кантата «La Tempesta» («Буря», 1778 г.)
Луиза Фарранк: Симфония № 2 си-бемоль мажор, соч. 35 (1845)
Батьи Френклах «Инди-приветствие» («Indie Cheer», 2016/2024)

Тель-Авивский музей искусств, зал «Реканати», 5.03.2024, вторник, 20:00
Билеты: https://www.ico.co.il/show/2066 или по телефону 03-5188845
Сайт оркестра: https://www.ico.co.il
Страница в фейсбуке: Israel Chamber Orchestra התזמורת הקאמרית הישראלית | Tel Aviv
Видео: https://www.youtube.com/watch?v=iiSgccsOc6Q אהבה וסערה | קונצרט שכולו חגיגה של אהבה וטבע כרטיסים: https://www.ico.co.il/show/2066 מנצח: איליה רם (ישראל-גרמניה) סופרן: מעין גולדנפלד (ישראל-גרמניה)... | By ‎Israel Chamber Orchestra התזמורת הקאמרית הישראלית‎ | Facebook

Photo: © Loft Dresden

Трио Ави Беньямина и «Термен». 28 февраля в Раанане
2024-02-24 02:14 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Photo: Avi Benjamin Trio by Isaiah Fainberg and Daniel Fainberg

Трио Ави Беньямина и «Термен». 7-й абонементный концерт оркестра «Симфонет Раанана».
Трио известного израильского композитора и исполнителя Ави Беньямина представляет 28 февраля в Центре искусств и музыки Раананы театрализованную историю невероятной жизни и судьбы прародителя жанра электронной музыки, изобретателя уникального музыкального инструмента Льва Термена, который в 1919-м году изобрел первый в мире электронный музыкальный инструмент терменвокс.
Многие годы это имя сознательно замалчивалось, и одно время было даже засекречено. Живя в Нью-Йорке, Термен работал на советскую разведку. История жизни и судьба выдающегося изобретателя и музыканта переплетаются с удивительным звучанием необычного музыкального инструмента.

Ави Беньямин – терменвокс, фортепьяно, мелодии и вокал
Игорь Мамонов - вокал, бас, перкуссия
Элиягу Саравайский - гитара, бас, вокал
Они же исполняют и роли исторических персонажей в этом оригинальном музыкальном триллере.
Концерт пройдет в Центре искусств и музыки Раананы по адресу - улица ха-Пальмах, 2-алеф.

В среду, 28 февраля, в 20:00 в Центре искусств и музыки Раананы пройдет увлекательный концерт – аудиовизуальное шоу, в центре которого – терменвокс, уникальный музыкальный инструмент с практически неограниченными возможностями. Шоу рассказывает о судьбе изобретателя инструмента Льва Термена. Терменвокс - это первый электронный музыкальный инструмент в мире, и руки музыканта извлекают звуки буквально из воздуха при помощи невидимых электромагнитных лучей. Три музыканта-виртуоза заново изобретают музыку в сумасшедшей, шутовской, захватывающей дух, трогательной и неожиданной форме. Стенд-ап столпотворение музыки всех стилей и жанров а’ля импровизация!
В 1927 году на международной музыкальной выставке во Франкфурте впервые в мире был продемонстрирован удивительный инструмент. Это было «чудо музыкального мира», «инструмент на грани фантастики», «плод инженерного гения».
Как сообщала пресса «публика, потрясенная извлечением музыки из воздуха, то замирала в благоговейном ужасе, то стонала, рыдала и визжала от восторга». Это был «терменвокс» - уникальный инструмент, к которому для извлечения из него звуков даже не надо было прикасаться. Достаточно было на расстоянии легким взмахом руки коснуться воображаемых струн, чтобы полилась удивительная по своему звучанию музыка. Это было изобретение инженера и музыканта Льва Термена.
С тех пор, прошедшие почти 100 лет сумели вытеснить из памяти публики грандиозный успех немыслимого музыкального инструмента. Забыли и исполнителя.

Благодаря талантливому композитору, исполнителю и создателю удивительного шоу Ави Беньямину, можно вновь насладиться звучанием терменвокса.
В музыкальном спектакле «Термен» участники трио Ави Беньямина, предстанут перед публикой не только в роли блестящих музыкантов, но и талантливых актёров.
Смешение жанров в шоу «Термен» Ави Беньямина, завоевавшего широкую известность в израильской культурной среде, органично воссоздаёт историю музыки и культуры 20-го и 21-го веков через события головокружительной судьбы Льва Термена, изобретателя, предпринимателя, миллионера, советского шпиона в США и заключенного ГУЛАГа.
На заре минувшего века наделённый многочисленными талантами Лев Термен придумал, как заставить звучать электромагнитные излучения, и создал простой на вид инструмент, на котором человек, обладающий хорошим музыкальным слухом, может бесконтактно исполнять музыку. Ави Беньямину посчастливилось встретиться с Терменом, прожившим долгую жизнь, и получить от него в подарок терменвокс.
Среди действующих лиц - Альберт Эйнштейн, Ленин, Чарли Чаплин и другие исторические личности, с которыми тесно общался Лев Термен. Звучит музыка, по мнению автора спектакля, созвучная каждому из персонажей и событий той эпохи.

Ави Беньямин – навсегда очарованный музыкой композитор и пианист, изобретатель и импровизатор. Его биография и география – Таллинн и Эстония, театр «Гешер», Тель-Авив, Париж, Москва. Много лет поработав за кулисами и за кадром, он вернулся к публике, осознав, что сцена - этот тот вирус, который заражает навсегда. Давно в Москве, Ави – выпускник консерватории – в течение одной недели давал концерты в филармонии, как классический пианист и ездил со свой рок-группой «Не ждали» на сейшны в Европу. Репатриировавшись в Израиль, он оказался за кулисами – за кулисами коллективного мифа, то есть сотворения театра «Гешер», написав музыку к более чем 100 театральным постановкам и фильмам. Ави Беньямин стал одним из тех, кто творит за сценой, но несколько лет назад вновь вышел вперед, вернулся на сцену, и сделал это не один, а со своими коллегами. С ними и с публикой Ави ведет диалоги и приглашает всех к общему приключению под названием «Термен», где музыка сочиняется, складывается во фразы, раскладывается на слова и собирается тут же в иные музыкальные тексты. Эта музыка сыграна, разыграна по нотам и разложена на мизансцены – как оно бывает в кино и театре.
«Музыка – явление абстрактное – говорит Ави Беньямин. – Любой текст для меня вторичен, на первое место выходят музыка языка, вибрации голосов и текста, музыкальных инструментов. Именно эти вибрации вызывают эмоциональный отклик. Сцена – это экстрим. Возможно даже эпатаж – в век технической революции, в век пресыщения информацией приходится провоцировать публику в духе древней скоморошьей традиции чтобы «достучаться» до зрителей. Но этот экстрим и эпатаж придают моей музыке и игре на сцене ощущение полета».

Игорь Мамонов – вокал, бас, перкуссия
Родился в Башкирии,. Пел в нескольких профессиональных хорах в и в Германии. Играл и пел в различных рок-группах Европы. В 2009–2012 годах был солистом группы Embraceband в Германии. Живет в Израиле с 2012 года и участвует в спектаклях театра «Гешер» как певец и музыкант.

Элиягу Саравайский - гитары, бас, фортепиано и вокал
Родился в Тольяти, Россия. Иммигрировал в Израиль в 1995 году и участвовал в качестве гитариста и аранжировщика в нескольких рок-группах.
Режиссер видеоклипов для рок-групп и театра. Работает художником по свету в музыкальных группах.

---

Трио Ави Беньямина. «Термен».
28 февраля, среда, 20:00
Центр искусств и музыки Раананы – ул. ха-Пальмах, 2-алеф.
Заказ билетов: 09-7457773 или на сайте оркестра: www.symphonette.co.il
Страница оркестра в Фейсбуке – Symphonette Raanana תזמורת סימפונט רעננה | Ra`anana

Текст подготовила Маша Хинич. Фотографии (© Isaiah Fainberg and Daniel Fainberg ) предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»

Пиар–агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

«Лючия ди Ламмермур» Гаэтано Доницетти на сцене Израильской Оперы
2023-12-21 13:39 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: © Yossi Zwecker

Израильская Опера представляет «Лючию ди Ламмермур» итальянского композитора Гаэтано Доницетти. Дирижер – Даниэль Орен, режиссер постановки – Омер Бен-Саадия. Представления состоятся с 5 по 13 января 2024 года в Оперном театре имени Шломо Лахата в Тель-Авиве.
Эта знаменитая и столь любимая меломанами опера, одна из самых популярных опер первой половины XIX века, должна была быть показана в ноябре, но спектакли были отложены из-за войны. Дирижер – маэстро Даниэль Орен; участники постановки – международный и израильский коллектив солистов; оркестр Оперы – Израильский Симфонический оркестр Ришон-ле-Циона; хор Израильской Оперы под управлением Итая Берковича .

Режиссер Омер Бен-Саадия, начавшая свою профессиональную карьеру именно в Израильской Опере и в последние годы руководящая несколькими оперными театрами в США, возвращается в свою Alma Mater и представляет новую версию эффектной постановки испанского режиссера Эмилио Саги, которая показывалась в Израиле зимой 2017 года.

По словам Омер Бен-Саадия: «Лючия ди Ламмермур – один из краеугольных камней романтической музыки – остается актуальной, энергичной и жизненно важной оперой. История Лючии – это история трагической судьбы молодой женщины, которую окружающее общество использует в своих политических играх и интригах, что приводит к ужасающим последствиям. Лючия всеми доступными ей средствами борется за то, чтобы ее голос был услышан в этом хищном мире, но цена свободы слишком дорога для нее. В любых рамках – от готического романа Вальтера Скотта «Ламмермурская невеста» до сегодняшнего Тель-Авива, Лючия становится символом борьбы женщин всего мира за свободу, за любовь, за право волеизъявления и за право самим быть ответственными за свою судьбу».

Photo – © Yossi Zwecker

Лючия – это самый смутный и зыбкий из всех образов героинь, подаренных музыкальным театром. В центре либретто этой красивейшей и наиболее известной оперы Доницетти, хита мировой оперной сцены – один из известнейших сценических любовных треугольников: Лючия, Эмилио и Артуро; убийство в брачную ночь и сцена безумия, обычно сводящая с ума и зрителей. Недаром «Лючия ди Ламмермур» обозначена именно как трагическая опера, но ревность, убийство, цинизм, политика, обманы, измены, безумие не помешали «Лючии ди Ламмермур» стать одним из лучших образцов бельканто, занять прочное место в репертуаре практически всех оперных театров мира и стать едва ли не на первое место в наследии Доницетти, либреттист которого – итальянец Сальваторе Каммарано – написал либретто этой оперы по мотивам романа Вальтера Скотта «Ламмермурская невеста», увидевшего свет в 1819 году. Премьера оперы состоялась 26 сентября 1835 года в театре Сан-Карло в Неаполе. Впоследствии Доницетти написал французскую версию «Лючии де Ламмермур» на либретто Роже и Ваэза, премьера которой состоялась несколькими годами позже – 6 августа 1839 года в театре «Ренессанс» в Париже (на сегодняшний день эта версия оперы ставится крайне редко).

В «Лючии ди Ламмермур» есть все, чего ждут от оперной классики: чудесные, мгновенно запоминающиеся мелодии, страстная любовь и столь же страстная ненависть на фоне старинного шотландского замка, роскошная оперная примадонна и влюбленный в нее тенор. Роман Вальтера Скотта еще до Доницетти был использован в операх «Ламмермурская невеста» М. Карафы де Колобрано, И. Бредаля (датский композитор, для которого либретто сочинил Х. К. Андерсен), А. Маццукато. Но опера Доницетти затмила предшественниц и полностью вытеснила их из репертуара театров. Но не сюжет сделал оперу «Лючия ди Ламмермур» знаменитой, а музыка – ее драматизм, проникновенность, ее лиричность, грезы и страсти.

Как и многие оперы бельканто, «Лючия ди Ламмермур» чрезвычайно сценична. Клятвы в любви и клятвы отомстить, коварство родственников, навязывающих главной героине брак по расчету, сумасшествие той же героини, являющейся посреди свадебного праздника с ног до головы в крови убитого мужа, финальное самоубийство героя-любовника. Но с другой стороны, кровавых драм в оперной литературе хватает, а потому исключительный статус «Лючии ди Ламмермур» связан в первую очередь с музыкой, и прежде всего музыкой вокальной.

Музыка Доницетти полна очарования и романтизма, теплоты и виртуозности, возвышенной героики и прекрасных мелодий, пылкости и горестности. И, конечно, эффектов: к примеру, знаменитая ария безумной Лючии представляет сложнейшую колоратурную партию, в которой голос певицы соревнуется с флейтой, и есть в этой 10-минутной арии что-то такое, что зрители чувствуют вину и меланхолию. Несмотря на головокружительные трудности для исполнителей, а может быть, именно благодаря им это сочинение Доницетти – одно из самых репертуарных в мире. Первой Лючией была Фанни Таккинарди-Персиани. В ХIХ и ХХ веках в этой партии блистали все легендарные оперные дивы. Их славу стремятся разделить и тенора, для которых композитор приберег предельно высокие ноты к концу оперы.

Либретто оперы в одном абзаце – маловато, конечно, но желающие могут перечитать роман Вальтера Скотта, действие которого развертывается в Шотландии в начале XVIII века.

Эдгар, последний потомок старинного разорившегося рода Равенсвудов, тайно обручен с Лючией Астон, сестрой своего злейшего врага – лорда Энрико, который хочет поправить пошатнувшиеся дела, выдав сестру замуж за богатого лорда Артура. Лючия отвергает брак с ненавистным женихом. Тогда Энрико прибегает к обману. Воспользовавшись отъездом Эдгара, он показывает Лючии подложное письмо, свидетельствующее о мнимой измене ее возлюбленного. Лючия потрясена его вероломством и соглашается на брак с Артуром. В то время как она ставит свою подпись под брачным контрактом, появляется Эдгар. Он укоряет Лючию в измене и бросает к ее ногам обручальное кольцо. Энрико вызывает Эдгара на дуэль. Лючия в брачную ночь, сойдя с ума, убивает Артура. Силы ее иссякают. Она умирает. Эдгар закалывается у гроба Лючии. Но нет нужды пересказывать историю вражды двух шотландских кланов. Куда важнее эмоциональная составляющая, оперный апофеоз.

Сам сюжет «Ламмермурской невесты» основан на реальных событиях. В 1669 году в Шотландии некая Жанет Дримпл убила своего новоиспеченного мужа, который к тому же приходился ей дядей. Брак был заключен по воле отца девушки, в то время как она мечтала выйти замуж по любви за лорда Резерфорда. Доницетти особенно мог привлекать этот сюжет, поскольку один из его дедушек, Дональд Айзетт, был шотландцем. Тем не менее, имена литературных персонажей были изменены на итальянские эквиваленты. Кстати, Доницетти изменил концовку, ведь в романе главный герой мчится на лошади по зыбучим пескам. При такой обстановке совершенно невозможно спеть две арии. В версии Доницетти главный герой закалывает себя кинжалом – и, разумеется, поет при этом финальную арию.

Но, в первую очередь, эта опера – превосходное средство продемонстрировать талант не столько тенора, сколько сопрано, и многиe великие певицы выбирали ее для своего дебюта. Блестящие колоратурные арии Лючии стали известными благодаря Марии Каллас. А секстет во втором акте – полифонический шедевр – считается одной из самых замечательных мелодий для вокального ансамбля из когда-либо написанных для оперного репертуара. Процитируем на сей раз Беллини, сказавшего «Музыка Доницетти прекрасна, великолепна, изумительна!»

О популярности этой оперы говорит и то, что арии из нее используются в современном кинематографе. В фильме «Пятый элемент» Люка Бессона певица Дива Плавалагуна исполняет арию Лючии. В финале фильма «22 пули: Бессмертный» также звучит отрывок из оперы Доницетти. Мартин Скорсезе использовал арии из оперы в фильме «Отступники», а Пол Кокс -в «Человеке цветов».
Доницетти создал около 70 опер, наиболее известны из которых две – «Лючия ди Ламмермур» и «Любовный напиток» – столь противоположные по эмоциональному настрою. И там, и там бушуют страсти – Доницетти мастерски изображает драматические события в своей музыке, но в отличие от комического «Любовного напитка» («Мелодии Доницетти своей шутливой веселостью радуют свет» – писал Гейне), в «Лючии ди Ламмермур» – это экстремальные страсти трагедии, судьбы Лючии. Сюжет «Лючии» в чем-то напоминает «Ромео и Джульетту». Но это сюжет сложнее психологически – Лючия предчувствует беду, в итоге сходит с ума, вонзает нож в сердце Артура и сама погибает от пережитого напряжения. Вслед за ней этот мир покидает и ее возлюбленный Эдгар.

Доницетти – представитель итальянской романтической оперной школы, кумир поклонников бельканто – появился на оперном горизонте Италии в то время, когда «умирал Беллини и молчал Россини». Будучи широко образованным музыкантом, Доницетти использовал произведения Гюго, Дюма-отца, Байрона и Скриба, сам пробовал писать либретто, прекрасно сочинял юмористические стихи. Помимо опер, перу Доницетти принадлежат оратории, кантаты, симфонии, квартеты, квинтеты, духовные и вокальные сочинения.
Внешне жизнь Доницетти казалась сплошным триумфом. На самом же деле это было не так. «Мое рождение покрыто тайной. – писал композитор. – Я родился в Борго-Канале под землей: в подвал, куда я спускался по лестнице, никогда не проникал луч света. И, словно филин, вылетев из гнезда, я всегда нес в самом себе то дурные, то счастливые предчувствия». Родители Доницетти были бедны: отец был сторожем, мать – ткачихой. У него был старший брат Джузеппе Доницетти, который тоже стал композитором. В 9 лет Гаэтано поступает в Благотворительную музыкальную школу и становится там лучшим учеником. Он готовился сперва быть адвокатом, затем архитектором, но скоро нашел настоящее свое призвание. В 14 лет он переезжает в Болонью, где учится в музыкальном лицее. Выдающиеся способности Гаэтано впервые раскрылись на экзамене 1817 г., где исполнялись его симфонические произведения и кантата. Еще в лицее Доницетти написал 3 оперы – «Пигмалион», «Олимпиада» и «Гнев Ахилла», а уже в 1818 г. его опера «Энрико, граф Бургундский» была с успехом поставлена в Венеции. Несмотря на успех оперы, это был очень трудный период в жизни композитора: контрактов на сочинение заключать не удавалось, семья нуждалась в материальной помощи, близкие его не понимали. У Доницетти был контракт с Римской оперой на сочинение оперы «Зораида Гранатская». Постановка имела успех, но критика, обрушившаяся на молодого композитора, была жестокой, что не сломило Доницетти, а лишь укрепило его силы в стремлении к совершенствованию. Его успеху долго мешала слава Россини и Винченцо Беллини. Широкую известность он приобрел лишь в 1831, после постановки в Милане оперы «Анна Болейн». Но с наибольшей силой его талант выразился в «Лючии ди Ламмермур».
Но несчастья следуют одно за другим: сначала умирает сын композитора, затем – родители и жена Доницетти – певица и пианистка Вирджиния Васселли, которой не исполнилось и 30 лет: «Я один на земле, и я еще жив!» – в отчаянии написал Доницетти. От самоубийства его спасло искусство. В 1835 году Доницетти работал профессором композиции Неаполитанской консерватории, в 1837-38 гг. – ее директором. С 1839 года композитор работал в Париже. Были поставлены опера романтическая «Дочь полка», комическая опера «Дон Паскуале», изящная «Фаворитка» и другие, имевшие большой успех. Вскоре следует приглашение в Париж. Последняя опера Доницетти – «Катарина Корнаро» – была поставлена в Вене, где в 1842 г. Доницетти получает звание австрийского придворного композитора. После 1844 г. психическое заболевание заставило Доницетти отказаться от композиторской деятельности и послужило причиной его смерти.

---

Гаэтано Доницетти. «Лючия Ди Ламмермур».
Либретто: Сальвадоре Каммарано, по роману Вальтера Скотта
Дирижер: Даниэль Орен
Постановщик: Эмилио Саги
Режиссер новой версии – Омер Бен-Саадия
Сценография – Энрике Бордолини
Художник по костюмам – Имме Моллер
Оригинальный свет – Эдуардо Браво
Художник по свету – Надав Барнеа
Постановщица движения – Дана Руттенберг

Лючия – сопрано Хила Фахима (Израиль) и Лаура Уллоа (Куба);
Эдгардо – теноры Оресте Козимо (Италия) и Джорджио Мизери (Италия);
Энрико (брат Лючии) – баритоны Йонуц Паско (Румыния) и Одед Райх (Израиль);
Раймондо – Раймонд Бидебенд, пастор, наставник Лючии – бас-баритон Давиде Джангрегорио (Италия) и бас Алексей Биркус;
Артуро – Лорд Артур Баклоу – теноры Ливиу Индрикау (Румыния) и Энтони Уэбб (США);
Алиса, подруга Лючии – Тамара Навот (Израиль) и Галь Кохав (Израиль);
Нормано, начальник стражи замка – теноры Энтони Уэбб (США) и Антон Тротуш (Израиль).
Хор Израильской оперы (хормейстер – Итай Беркович)
Израильский Симфонический оркестр Ришон ле-Циона и Израильской Оперы
Переводы титров: Исраэль Юваль.

Представления «Лючии ди Ламмермур» пройдут с 5 января по 13 января 2024 года.
Пятница | 05.01.2024 | 13:00
Воскресенье | 07.01.2024 | 19:00 | Премьера
Понедельник|08.01.2024 | 18:00
Среда|10.01.2024 | 18:00
Четверг|11.01.2024 | 19:00
Пятница|12.01.2024 | 13:00
Суббота | 13.01.2024 | 19:00

Продолжительность постановки – 2 часа 40 минут с антрактом.
Опера идет на итальянском языке с титрами на английском и иврите.

Заказ билетов по телефону 03-6927777 или на сайте Израильской Оперы: לוצ'יה די למרמור

Автор текста: Маша Хинич. Photos by © Yossi Zwecker. Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Оркестр «Симфонет Раанана». «Песни войны и надежды»
2023-12-04 14:19 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: Даниэла Скорка (photo © Михаэль Павия), Нитай Рах (photo © – Лираз Вайс), Давид Зеба (photo © Рами Зерингер ).

Оркестр «Симфонет Раанана» открыл сезон абонементных концертов в конце ноября. Но уже 10 и 11 декабря пройдет еще одна серия концертов под общим названием «Песни войны и надежды». Дирижер – Нитай Рах; партия ф-но – Давид Зеба; сопрано – Даниэла Скорка.
Начало всех концертов – в 20:00 в Городском центре музыки и искусств Раананы (концертный зал отвечает критериям службы тыла и является защищённым пространством. В случае тревоги все остаются на своих местах).
В программе:
Карл Мария фон Вебер. Увертюра к опере «Прециоза» (по драме П. А. Вольфа «Прециоза» (1820), соч. 78
Песни войны и надежды – песни Ники Кацуниса /Михалис а Христодулидис а; Йехи эля Мохер а /Моше Виленск ого; Томас а Мендес а; Джон а Леннон а; Виол еты Парры; Яков а Орланд а /Мордеха я Заира
Франц Шуберт. Симфония № 4 до минор, D. 417, «Трагическая».

Барон Карл Мария Фридрих Август (Эрнст) фон Вебер – немецкий композитор, дирижёр, пианист, музыкальный писатель, вместе с Гофманом является основоположником немецкой романтической оперы. Кстати, в честь героини оперы Вебера «Прециоза» назван астероид Прециоза, открытый в 1904 году.
Симфонию № 4 до-минор, ставшей важной вехой в его симфоническом творчестве, Шуберт создал весной 1816 г. В ней более явственно выражено драматическое начало, не случайно она снабжена заглавием «Трагическая». Это наименование дал произведению сам композитор через некоторое время после его создания. Чем он руководствовался, повлияли ли на это какие-либо события – осталось неизвестным, но такое название действительно подходит этой до-минорной симфонии. Предыдущие симфонии создавались в основном под влиянием традиций венского классицизма, ощущается их воздействие и в Четвертой, и все же некоторые интонации этого произведения заставляют вспомнить и об иных образцах – о Луиджи Керубини, о Кристофе Виллибальде Глюке, об ариях из опер этих композиторов.
Поводом для написания 4-й симфонии явилось желание расширить репертуар традиционного для Вены домашнего музицирования. В доме отца Шуберта регулярно собирались любители музыки, игравшие струнные квартеты и переложения небольших симфоний. Сам юный Шуберт исполнял партию альта. Число участников постепенно возрастало, так что из дома Шубертов пришлось перейти в более просторное жилище одного из музыкантов оперного театра, где играли уже более крупные симфонии. Для этого оркестра любителей и написал 19-летний Шуберт Четвертую и Пятую симфонии, но оркестранты нашли музыку Четвертой слишком сложной, и композитор так никогда и не услышал ее в концертном исполнении. Премьера Четвертой симфонии состоялась более чем через двадцать лет после смерти Шуберта, 19 ноября 1849 года в концерте Лейпцигского музыкального общества «Эвтерпа».

ניתאי ראך – קרדיט לירז וייס. Нитай Рах. Фото – Лираз Вайс

Нитай Рах – дирижер, пианист и аккордеонист, работал в последнее время ассистентом дирижера в Израильском Камерном оркестре благодаря победе в организованном оркестром конкурсе «Теплица дирижеров». В 2022-м году Нитай Рах получил первую премию и приз «Выбор оркестра» на международном конкурсе дирижеров «Wiener Schule» в Вене и третью премию на Международном конкурсе BMI в Румынии, а в 2021-м году – премию на конкурсе «Золотая дирижерская палочка» Хайфского Симфонического оркестра.
Среди музыкальных коллективов, которыми он руководил в Израиле, – Иерусалимский Симфонический Оркестр, Хайфский Симфонический Оркестр, Израильская симфониетта Беэр-Шевы, «Симфонет Раанана» и другие. В Европе Нитай Рах дирижировал оркестром Гайдна в Вене, Симфоническим оркестром города Пазарджик в Болгарии и Оркестром Технического университета Дрездена.

Давид Зеба – дирижер, композитор, аранжировщик, пианист, певец и переводчик. Руководитель оперной студи «Мейтар» при Израильской Опере, штатный дирижер оркестра «Симфонет Раанана», старший преподаватель Академии музыки в Иерусалиме, музыкальный руководитель и дирижер трех хоровых коллективов, постоянный участник фестивалей и концертов в Израиле и во всем мире в качестве дирижера, пианиста и певца.
Давид Зеба Родился в Хайфе, получил степень магистра композиции и пения с отличием в Музыкальной академии имени Рубина в Тель-Авиве.
В 2015 году Давид Зеба написал оперу «Матери», посвященную женским образам из Книги Бытия. Постановка «Матери» была представлена в Израильской опере и получила высокую оценку критиков и была прекрасно принята публикой.
Давид Зеба также создает музыку и аранжировки для театра, оперы, хоров и оркестров, исполняет сольные партии в ораториях и операх, часто выступает в Израиле и за рубежом. Участвовал во многих постановках израильской оперы и как пианист и как солист.
Давид Зеба также написал и сочинил оперу «Алиса в стране чудес» по повести Льюиса Кэрролла для Израильской оперы – это произведение исполнялось под его руководством на оперной сцене и было высоко оценено критикой.

דניאלה סקורקה – מיכאל פביה. Даниэла Скорка (photo© Михаэль Павия)

Сопрано Даниэла Скорка, выпускница консерватории в Кармиэле, служила в Армии обороны Израиля как выдающийся музыкант и закончила бакалавриат в Академии музыки и танца в Иерусалиме и обладательница степени бакалавра Академии музыки и танца в Иерусалиме, выступала практически со всеми оркестрами Израиля и с зарубежными коллективами. Скорка исполнила партию Белинды в «Дидоне и Энее» Пёрселла, Эвридику в «Орфее» Телемана, Фенису в «Армиде» Люлли, Рахиль и Ривку в «Матерях» Давида Зебы, Сюзанн в «Женитьбе Фигаро», Церлину в «Дон Жуане» и Деспину в «Так поступают все» Моцарта. На концертной сцене она пела в «Мессии» и «Соломоне» Генделя, в «Стабат Матер» Перголези, в «Реквиеме» и «Мессе до минор» Моцарта, и в «Бразильских бахианах» Вила-Лобоса. Даниэла Скорка – лауреат первой премии конкурса Майкла Орена, а также премии за выдающееся исполнение израильской композиции на весенних конкурсах Американо-израильского культурного фонда, призер конкурса Chesty – поэзии в стиле барокко в Инсбруке.

---

Оркестр «Симфонет Раанана»
«Песни войны и надежды».
Музыкальный руководитель – Омер Меир Веллбер
Генеральный директор оркестра – Орит Фогель-Шафран
Штатный дирижер – Дуди Зеба

Концерт «Песни войны и надежды»
10 декабря 2023, воскресенье, 20:00
11 декабря 2023, понедельник, 20:00
Раанана, Городской зал музыки и искусства, улица Пальмах, 2а.
Нитай Рах– дирижер
Давид Зеба – пианист
Даниэль Скорка – сопрано

В программе:
Карл Мария фон Вебер. Увертюра к опере «Прециоза» (по драме П. А. Вольфа «Прециоза» (1820), соч. 78
Песни войны и надежды – песни Ники Кацуниса/Михалиса Христодулидиса; Йехиэля Мохера/Моше Виленского; Томаса Мендеса; Джона Леннона; Виолеты Парры; Якова Орланда/Мордехая Заира
Франц Шуберт. Симфония № 4 до минор, D. 417, «Трагическая»

Заказ абонементов и билетов на сайте оркестра: http://www.symphonette.co.il или по телефону 09-7457773
Городской центр музыки и искусств, Раанана, ул. Ха-Пальмах, 2-алеф
Страница оркестра в фейсбуке: Symphonette Raanana תזמורת סימפונט רעננה | Ra`anana
Канал в сети Youtube: https://www.youtube.com/@symphonetteR

Текст подготовила Маша Хинич. Все фотографии предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR&Consulting при сотрудничестве с MashaHinichPR

«Маленький принц» на сцене Израильской Филармонии. Рассказчик – Анатолий Белый
2023-11-29 17:01 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхняя иллюстрация “Маленький принц”. Рисунок на песке – Марина Соснина.

В эти страшные дни, когда под ногами разверзся ад, когда цивилизация исчезает, когда миру не до тебя, когда в плену среди заложников – дети, когда не спит вся страна, когда мы все хотим вернуться к нормальной жизни, цепляясь за прежние представления о любви, о добре, о поддержке, сложно думать о культурных проектах. Антуан де Сент-Экзюпери писал о любви и войне, о добре и зле, и потому продюсерская компания ArtUp и Израильская Филармония решили осуществить совместный литературно-музыкальный проект «Маленький принц», пригласив для участия в нём знаменитого актёра Анатолия Белого и художницу Марину Соснину, мастера песчаной иллюстрации.

Со дня публикации знаменитого произведения «Маленький принц» Сент-Экзюпери – одной из самых известных книг всех времен – прошло более 80 лет. Эта книга породила бесчисленное количество экранизаций и переведена на несколько сотен языков. По мотивам «Маленького принца» сделано множество спектаклей и аудио-спектаклей, фильмов, сценических и телевизионных постановок, балетов, настольных и видеоигр, и даже анимэ-сериал. Премьера на русском языке совместного проекта продюсерской компании ArtUP и Израильского Филармонического оркестра – музыкально-литературно-художественного спектакля – пройдет 1 и 15 января 2024 года, на Новый год и на Хануку, на сцене зала «Цукер» Израильской Филармонии в Тель-Авиве.
«Маленький принц» любим людьми по всему свету. Разглядеть мудрость этой книги помогут знаменитый артист Анатолий Белый, художница Марина Соснина и музыканты Израильского Филармонического оркестра.

Анатолий Белый – фото © Анна Киселева

Сейчас мы все ждем чуда – возможно такого, каким стала сама книга «Маленький принц» об отважном посланнике с далекой крошечной планеты, говорящем о любви и добре. Первые ассоциации с «Маленьким принцем» Сент-Экзюпери – антивоенный посыл этой книги, знаменитые иллюстрации самого автора и та романтическая музыка, которая, пусть и не всегда слышная, становится фоном голосу автора-рассказчика. На сей раз музыка будет слышной, почти осязаемой – произведения Шуберта, Грига, Вивальди, Рахманинова, Моцарта, Баха и других композиторов в исполнении камерного состава музыкантов Израильского Филармонического оркестра. А голос автора – это голос актера Анатолия Белого, который выйдет на сцену вместе с музыкантами.
Художница Марина Соснина и ее волшебные картины в жанре песчаной анимации будут присутствовать на сей раз на сцене онлайн, на большом экране, но музыка и рассказчик будут рядом со зрителями – перед ними. Перед взрослыми и детьми, которые придут, чтобы прикоснуться к сказке; которые убеждены, что свет побеждает тьму.

“Маленький принц”. Рисунок на песке – Марина Соснина

Книга «Маленький принц», где война представлена в виде аллегории, скрытой за сказочными образами, была впервые опубликована на французском и английском языках в США издательством Reynal & Hitchcock в апреле 1943 года, а во Франции вышла уже после освобождения страны от немецких войск: произведения Сент-Экзюпери были запрещены режимом Виши.
Во время Второй мировой войны Сент-Экзюпери совершал разведывательные полеты. 31 июля 1944 года он вылетел с авиабазы на Корсике и больше не вернулся. Тело писателя не было найдено. О судьбе Экзюпери не было никаких сведений до 1998 года, пока его серебряный браслет не нашел рыбак у берегов Марселя. Останки самолета были обнаружены неподалеку профессиональным ныряльщиком в 2000 году.
Сент-Экзюпери сам нарисовал все иллюстрации к «Маленькому принцу». Он изучал архитектуру, но не считал себя художником, хотя было известно, что постоянно делал наброски. Его иллюстрации к его же книге стали эталонными и потому тем более непросто постараться сделать что-то «свое», но художнице Марине Сосниной это удалось в полной мере.
Марина Соснина училась на факультете изобразительного искусства , одновременно посещая рисовальные классы. Увлечение психологией привело ее к глубокому изучению «песочной терапии», одной из форм арт-терапии. После работ с песком в качестве живописного материала песчаная живопись и анимация стали ее призванием.
В настоящее время Марина Соснина – один из самых востребованных в Европе мастеров искусства песка. Марина также использует в своей работе театр теней, акварельную и пастельную живопись, песчаные барельефы, развивая свой «театр иллюстраций». С 2013 года Марина Соснина ведет концертную деятельность, сотрудничая с выдающимися музыкантами, выступает на одной сцене с различными оркестрами. Среди ее наиболее значимых работ последнего времени – спектакли «Tempus fugit», «Ромео и Джульетта», «Серенады и эфемерные истории», а также «Маленький Принц» с Андреем Белым. Особое место в творчество Марины Сосниной занимает создание песчаных иллюстраций к «Страстям по Матфею» Баха.

Приходите! «Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери говорит о том, что война – это не неизбежность, а выбор. Мы выбираем свет, и на этот раз еще и свет новогодних огней и свет Хануки.

“Маленький принц”. Рисунок на песке – Марина Соснина

---

Антуан де C ент- Э кзюпери . «Маленький принц».
Литературно-музыкальный спектакль для всей семьи .
Совместный проект ArtUP и Израильского Филармонического Оркестра – впервые на русском языке.
Рассказчик – Анатолий Белый.
Художница – Марина Соснина (песчаная анимация).
Камерный состав И зраильского Ф илармонического оркестра – струнный ансамбль из 11 музыкантов.
Прозвучат произведения Вивальди, Рахманинова, Моцарта, Грига, Баха и других композиторов.

Тель-Авив, Гейхал ха-Тарбут, зал «Цукер»

1 января 2024 года, понедельник, 16:30 и 18:30

15 января 2024 года, понедельник, 16:30 и 18:30

Заказ билетов – Маленький Принц - Simax Up LTD

Сайт ART UP https://artup.co.il/
Фейсбук – Art Up - Арт пространство

Иммерсивная выcтавка KLIMT в павильоне The Cube в Холоне возобновляет работу
2023-11-23 17:48 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Компания ArtHub, организовавшая в Холоне показ международной иммерсивной выставке, посвященной творчеству Густава Климта, получила разрешение от Службы тыла открыть ее вновь. Рядом с павильоном The Cube размещены «мигуниёт» - переносные убежища.

Выставка будет открыта по четвергам, пятницам и субботам.
Возможны изменения в соответствии с директивами Службы тыла.
Организаторы выставки рады возможности отвлечь нас от непростых дней, которые все мы переживаем.

Иммерсивная, мультимедийная международная выставка шедевров художника Густава Климта в павильоне The Cube возле спортивного комплекса «Ямит» в Холоне открылась 28 сентября 2023 года. После 7 октября выставка была закрыта в связи с военным положением в стране. Сейчас экспозиция вновь открывает свои двери согласно разрешению Службы тыла.

Эту мультимедийную, иммерсивную выставку видели уже свыше 5 миллионов человек в Мадриде, Нью-Йорке, Амстердаме, Париже и Риме. Выставку, где можно не просто насладиться искусством великого художника эпохи модерна, но и «погрузиться» в его полотна, в золото модерна, в картины, буквально светящиеся изнутри, в золотой туннель бесконечных зеркальных отражений.

Портреты, пейзажи, декоративные композиции, женские образы - волнующие, чувственные, новаторские - эти эпитеты идеально описывают произведения Густава Климта, осуществившие революционный переворот в венской живописи. На выставке в Холоне, в павильоне The Cube представлены в дигитальном формате все основные работы, принесшие художнику мировую известность. Мультимедийная выставка, на которой представлены более 200 работ художника, уносит зрителя в чувственный мир образов Климта, окружая посетителей магией искусства, музыки и цвета.

Густав Климт писал: «Моих автопортретов не существует. Я не интересуюсь своей собственной персоной, как объектом для изображения. Я предпочитаю других людей, особенно женщин, и, более того, другие формы существования…».
В картинах Густава Климта завораживают, притягивают и интригуют и размышления художника о красоте страсти. Самое интересное в жизни Густава Климта - это то, как он пришел к своему уникальному стилю. Долгое время его не интересовали современные веяния в искусстве - он был поклонником классического искусства.
Но в 1892 году умирают отец художника, потом брат Эрнст и, в это же время, Климт знакомится со своей главной музой - Эмилией Флёге. Тогда-то – с любви и смерти – и начались те изменения, в ходе которых родился стиль одного из самых узнаваемых художников мира.

На мультимедийной выставке KLIMT в Холоне вы увидите не только все основные произведения, принесшие художнику мировую славу, но благодаря технологии 360° ощутите себя внутри его полотен. Изображения, плавно, под музыку, перетекающие одно в другое, проецируются на экраны, на пол и потолок, а высочайшее разрешение изображений позволяет зрителям досконально рассмотреть все детали.
В свой так называемый «золотой» период, Климт использовал золотую фольгу, золотую краску, серебро, платину, сусальное золото. Произведения «золотого периода» буквально светятся изнутри – и между ними можно пройти в буквальном смысле, по «золотому коридору». Контраст между нарисованными краской телами и золотым декором притягивает взгляд. В этом путешествии в виртуальной реальности чудесные полотна скользят по стенам, полу и потолку, создавая эффект 360°, соединяя декоративность с реализмом. Отметим, что выставкой KLIMT уже восторгались её посетители в Мадриде, Нью-Йорке, Амстердаме, Париже и Риме.
Кроме того, здесь оборудовано особое пространство Sketch & Post – залы для фотосессий и интерактивный комплекс, где посетители смогут более глубоко и подробно познакомиться с картинами художника, получить возможность вдохнуть в них жизнь по-своему, а затем разместить «свою» картину на большой экспозиционной стене.

Экспозиция включает также и комплекс виртуальной реальности, погружающий посетителя в пасторальный мир знаменитого художника.
Помимо великолепных репродукций и мультимедийных изображений известного художника, часть выставки посвящена истории жизни Климта, которая начинается в его доме и продолжается в его ателье в Вене.

Мультимедийная выставка KLIMT. Павильон The Cube в Холоне. Возобновление работы - с 23 ноября 2023 года.

Выставка предназначена для семейного посещения
Билет обязателен для детей с 3 лет
Рекомендуемая продолжительность: 1 час 30 минут

Часы работы:
Четверг и суббота: с 10:00 до 19:00 (вход до 17:30)
Пятница - с 9:00 до 15:00 (вход до 13:30)

Заказ билетов в кассе «Браво»: https://bit.ly/463tuCN

Сайт выставки: https://www.klimt.co.il

Фото : ArtHub Пиар -агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting

«Симфонет Раанана» следует дорогой музыки: «Пастораль» в конце ноября
2023-11-21 18:48 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: оркестр «Симфонет Раанана – © Onn Henner

Оркестр «Симфонет Раанана» открывает сезон абонементных концертов. Ближайшие – под общим названием «Пастораль» под управлением пианиста и дирижера Нимрода Давида Пфеффера – пройдут 26, 27 и 29 ноября.
В программе: 21-й концерт для фортепиано Моцарта и 6-я «Пасторальная» симфония Бетховена. Начало всех концертов – в 20:00 в Городском центре музыки и искусств Раананы (концертный зал отвечает критериям службы тыла и является защищённым пространством. В случае тревоги все остаются на своих местах).

Оркестр «Симфонет Раанана» – один из самых популярных и любимых оркестров в Израиле – организует в эти дни благотворительные концерты для пожилых граждан страны и для жителей эвакуированных из поселков Отефа. Весь оркестр – как и вся страна – молится за спасения похищенных и выздоровление раненных. Тем не менее, несмотря на ситуацию, оркестр решил провести в конце ноября абонементные концерты для широкой публики, включив в них произведения Моцарта и Бетховена.

Рождение Пасторальной симфонии приходится на центральный период творчества Бетховена. Почти одновременно из-под его пера вышли три симфонии, совершенно разные по характеру: в 1805 году он начал писать героическую по складу симфонию до минор, известную под № 5, в середине ноября следующего года закончил лирическую Четвертую, си-бемоль-мажорную, а в 1807 году принялся за сочинение Пасторальной. Законченная одновременно с до-минорной в 1808 году, она резко от нее отличается. Бетховен, смирившийся с неизлечимым недугом – глухотой, не борется судьбой, а прославляет великую силу природы и радости жизни.

21-й концерт для фортепиано с оркестром в тональности до мажор был написан Моцартом для собственного выступления. Первое исполнение состоялось 12 марта 1785 года. Музыкант сочинил его всего за три дня, и тут же продемонстрирован публике. Слушатели были в восторге от стихийности и жизнерадостности музыки.

Американо-израильский дирижер и пианист Нимрод Давид Пфеффер, получивший высокую оценку за глубину интерпретации классических шедевров и преданность современной музыке – также музыкальный руководитель Лирической оперной труппы Гватемалы с 2016 года, постоянно сотрудничающий с Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Нимрод Давид Пфеффер дебютировал с Симфоническим оркестром Метрополитен Опера в 2014-м году, на гала-концерте программы поддержки молодых артистов Меt Lindemann Young Artist Development Program – он сменил за дирижерским пультом Джеймса Ливайна. Нимрод Давид Пеффер также дирижировал многими оркестрами, в том числе Симфоническим оркестром Нового Света, Филармоническим оркестром Буффало и другими. Одновременно Пфеффер выступает как солирующий пианист со многими оркестрами мира, включая Израильский филармонический оркестр.
В 2022 году Пфеффер дебютировал в Метрополитен-опера с оперой «Свадьба Фигаро» Его успешный дебют привел к немедленному приглашению на будущие сезоны в Метрополитен-опера.В том же году он дирижировал постановкой «Волшебной флейты» Барри Коски в Комише Опер в Берлине и в Израильской опере, а также дебютировал со Штутгартским филармоническим оркестром.

​В предстоящем сезоне 2023/24 Пфеффер вернется в Джульярдскую оперу, чтобы дирижировать оперой «Милосердие Тита», и дебютирует в Польской национальной опере с «Волшебной флейтой». Он также вернется, чтобы возглавить Иерусалимский симфонический оркестр в двух программах: одна из них будет включать современную израильскую музыку на Израильском музыкальном фестивале, а другая будет посвящена творчеству Камиля Сен-Санса и Марка Лаври на фортепианном фестивале. В предыдущем сезоне 2022/23 Пфеффер дебютировал как дирижер с Венгерским национальным оркестром, Нюрнбергским симфоническим оркестром и Израильским оркестром «Камерата».

Nimrod David Pfeffer- © photo Dor Sharon

Пфеффер часто выступает в Израильской опере, где в последние сезоны дирижировал такими постановками, как «Дон Жуан» в постановке Каспера Холтена, «Идоменей», «Симона Бокканегра» и «Волшебная флейта». Примечательно, что в сезоне 2022/23 он дирижировал долгожданной мировой премьерой оперы Йонатана Кнаана и Идо Риклина «Теодор», в которой исследуются два периода ранней жизни Теодора Герцля, пророка государства Израиль. Успех оперы как у критиков, так и у зрителей привел к тому, что она была включена в предстоящие сезоны. В сезоне 2023/24 Пфеффер вернется в Израильскую оперу, чтобы дирижировать современной оперой израильского композитора Йони Рехтера «Шиц».

Нимрод Давид Пфеффер – также прекрасный пианист, регулярно солирующий с различными оркестрами, а также выступающий в качестве камерного музыканта и аккомпаниатора.
Его последний альбом, включающий живое фортепианное исполнение произведений Баха, Шумана и Шопена, был выпущен в этом году на всех стриминговых платформах.
Пфеффер получил степень магистра в области оркестрового дирижирования в Джульярдской школе. По окончании учебы он был награжден дирижерской премией Чарльза Шиффа и грантом для продвижения карьеры. Пфеффер также получил степень магистра в области фортепианного исполнительства и оркестрового дирижирования в Музыкальном колледже Маннеса.

---

Оркестр «Симфонет Раанана» – это уникальный голос в мире классической музыки в Израиле. Это сочетание новаторства и качества, причем напрямую связанное с алией из бывшего СССР. Оркестр был основан в 1991-м, на пике алии 90-х и помог трудоустроиться как многим музыкантам-репатриантам из бывшего Советского Союза, так и молодым израильским музыкантам.
С самого начала оркестр стремился действовать на благо музыкального образования самых разных слоев населения и привлечения в лоно классической музыки все новой публики. Еще одной важной целью явилось изучение развития еврейской музыки на протяжении веков, пополнение сокровищницы израильской музыки и увековечивание Катастрофы и героизма еврейского народа через музыку.
Музыкальный руководитель оркестра – Омер Меир Веллбер – один из самых молодых талантов на международной сцене, восходящая звезда молодого поколения. Веллбер также является дирижером Филармонического оркестра Театра Ла-Скала в Милане и музыкальным директором оперного театра в Валенсии в Испании.
За годы своего существования оркестр принимал в гостях самых знаменитых израильских и зарубежных солистов и дирижеров. В репертуаре оркестра – оперы, мюзиклы, музыка для детей, танцевальные и мультимедийные шоу, записи для Sony International и многое другое.
Оркестр придает большое значение пропаганде еврейской и израильской музыки, сохранению оригинальных культурных материалов, традиций и свидетельств.
С момента своего создания, наряду с классическим репертуаром оркестр старается исполнять оригинальные произведения из богатого израильского музыкального наследия. За годы своего существования оркестр исполнил более 80 оригинальных работ, написанных по заказу специально для «Симфонет Раанана». Среди них – произведения, посвященные героике Праведников мира, обязательное исполнение произведений композиторов, погибших в Катастрофу. В 2007 году «Симфонет Раанана» впервые обратился к трагической истории Альмы Розе, возглавлявшей женский оркестр Освенцима. В том же году оркестр завоевал престижную премию Энгеля за «уникальный вклад в развитие наследия еврейской музыки на протяжении поколений».
«Симфонет Раанана» придает особое значение подрастающему поколению. Оркестр продвигает образовательные музыкальные проекты в области классической музыки и всячески пропагандирует посредством музыки такие социальные и культурные ценности. У оркестра есть уникальная образовательная программа для детей в детских садах и начальных и младших классах школы, где кульминацией является встреча с оркестром.
Оркестр дает почти 350 концертов в год, участвует в престижных фестивалях, таких как Фестиваль Израиля, Оперный фестиваль в Старом Акко, фестиваль Абу-Гош, фестиваль Кфар-Блюм и «Звуки в пустыне». С оркестром выступают победители конкурса «Кончерто» мастер-классов «Тель-Хай».

Музыкальный руководитель – Омер Меир Веллбер
Генеральный директор оркестра – Орит Фогель-Шафран
Дирижер – Дуди Зеба

---

Оркестр «Симфонет Раанана»
Концерт «Пастораль»
26.11.23, воскресенье, 20:00
27.11.23, понедельник, 20:00

29.11.23, среда, 20:00

Нимрод Давид Пфеффер – дирижер и пианист
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано с оркестром № 21, до мажор, К. 467
Бетховен: Симфония № 6 «Пасторальная» фа мажор, соч. 68

Прежние билеты на этот концерт недействительны. Для обмена билетов обратитесь по телефону 09-7457773
Заказ абонементов и билетов на сайте оркестра: http://www.symphonette.co.il
Городской центр музыки и искусств, Раанана, ул. а-Пальмах, 2-алеф
Страница оркестра в фейсбуке: Symphonette Raanana תזמורת סימפונט רעננה | Ra`anana
Канал в сети Youtube: https://www.youtube.com/@symphonetteR

Текст подготовила Маша Хинич. Фото Н. Д. Пфеффера – Дор Шарон. Фото оркестра «Симфонет Раанана» – Onn Henner. Дизайн постера – Галли Гамлиэльь Флейшер גלי גמליאל פליישר. Иллюстрации из архива «Симфонет Раанана». Все фотографии предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting