◄Алина Сапрыкина, новый креативный директор Музейного объединения «Музей Москвы» рассказала artinfo о новых планах в новом году. Будет много интересного. В отдельный пункт выделена программа по современному искусству. В Музее Москвы такого еще не  было!

Artinfo: Алина, Музею Москвы только что исполнилось 117 лет. Это один из самых старых музеев города. Что изменилось в последнее время?

А. С.: За последние полгода в музее появились новые направления, новые проекты, новый подход к проектам. Во-первых, мы сейчас готовим новую постоянную экспозицию на основе нашего миллионного фонда. Она будет посвящена истории и развитию Москвы с момента основания до наших дней. Кстати, вторая постоянная экспозиция поменьше, которая у нас тоже запланирована, будет посвящена исключительно современной Москве: она раскроет всю динамику сегодняшнего развития города. Очевидно, что обе экспозиции станут актуальными, мультимедийными, но первая, конечно же, будет строиться в основном на нашей коллекции. Ведь у Музея Москвы совершенно невероятные фонды. Формировавшаяся все годы существования музея, на протяжении 117 лет, коллекция
стала уникальной, она объединяет и живопись, и графику, и предметы быта, и макеты, фото и видео архивы, книги, редкие карты и путеводители по Москве. Хотелось бы также открыть библиотеку, где каждый посетитель сможет «полистать» оцифрованные путеводители по Москве XIII века, альбомы о Москве, сравнить карты двухвековой давности с сегодняшними.
С минувшей осени, мы запустили лекторий. Пока что он бесплатный для всех. Программа очень насыщенная: история Москвы, архитектура, урбанистика, современное искусство плюс темы, касающиеся музеев вообще. Сейчас готовим специальный курс про кураторов в музеях. Читают у нас в лектории совершенно разные люди, но исключительно интересные и профессиональные: Энрико Собехано – итальянский музейный архитектор с мировым именем, бельгийский куратор Андерс Кройгер, москвоведы Александр Можаев и Рустам Рахматуллин. С Архнадзором у нас организована совместная серия лекций. Это, во-вторых.
Текущая постоянная экспозиция была просто перенесена с Новой площади, когда музей переезжал в Провиантские. Эта экспозиция хорошо известна. Особенно школьникам, так как многие предметы из наших фондов используются в качестве иллюстраций в учебниках истории. Вообще, у нас много программ для детей. Часть из них проходят как раз на «Древней и Средневековой Москве». Наши археологи проводят регулярные интерактивные занятия для юных археологов и исследователей. Есть занятия для детей с ограниченными возможностями. Кроме того, в ноябре мы открыли Детский творческий центр, где появились практические занятия по истории Москвы, архитектуре, пленочной фотографии для детей от трех лет. С детьми мы будем работать активно и постоянно. В целом – мы перестраиваемся на то, что главное в музее – посетитель. Это в-третьих.

Artinfo : А какие изменения произошли в музее относительно программ современного искусства?

А. С.: В Музее Москвы появился отдел «Современная Москва». Музей теперь развивается как музей комплексного типа. Он вышел за пределы своего исторического профиля, вбирая в себя две линии: историческую, из которой вырос, и которой будет посвящена большая будущая экспозиция «История Москвы», и современную как шоу достижений сегодняшней Москвы в области градостроительства, искусства, культуры, образования. Нами задумана новая мультидисциплинарная площадка. Первый опыт сотрудничества с современными художниками музей получил в прошлом году, когда принял участие в Пятой Московской биеннале современного искусства. Мы показали сразу два проекта: «Мифология Москвы» и «Ничего подобного». Последняя выставка – наш совместный проект с Фондом Владимира Смирнова и Константина Сорокина. «Мифология Москвы» - исключительно наш проект (куратор Мария Удовыдченко). Его мы готовили довольно долго. Некоторые инсталляции проекта до сих пор можно видеть во дворе Провиантских. Оба проекта помогли нам привлечь новых посетителей, молодежь, которую нам и в дальнейшем хочется видеть среди посетителей. Этот опыт оказался очень интересным и важным, в дальнейшем мы планируем активную работу с молодыми художниками. В феврале, например, у нас откроется выставка «Наверху» (куратор Евгения Кикодзе). Размышления современных художников на тему «высокого» в сознании наших современников, многообразие точек зрения: метафизических, биофизических, философских. Подавляющее большинство произведений будут демонстрироваться впервые. Среди участников - Виктор Алимпиев, Юрий Альберт, Кирилл Асс , Сергей Братков, Дмитрий Булныгин, «Еликука» , Константин Звездочетов, Сергей Катран, Ирина Корина, «МишМаш» , Роман Мокров, Анатолий Осмоловский, Айдан Салахова, Павел Пепперштейн и другие.

Artinfo: Значит ли это, что современное искусство теперь постоянно будет присутствовать в Музее Москвы?

А.С. Современное искусство уже живет на нашей территории. В будущем году Музей Москвы станет основной площадкой Четвертой биеннале молодого искусства. Мы становимся не просто площадкой, но соорганизатором. Такой опыт будет полезен музея. С другой стороны – это грандиозное приобретение и для биеннале, у которой в партнерах оказывается такая серьезная институция как Музей Москвы, музей с колоссальными фондами и первоклассным штатом академических научных сотрудников. Думаю, что наш классический музей, а также наша деятельность, направленная на взаимосвязь между прошлым и будущим, усилит проект. Мы за преемственность, за поиск непрерывности и эволюцию, за осмысление культурного процесса. Акцентировать любовь к собственной истории, любовь к Москве – наша задача.

artinfo : А что касается дизайнерских проектов, работы с молодыми архитекторами, в экспозициях и выставочных пространствах, все это планируется?

А.С. Мы активно работаем с молодыми. Проекты надо делать более современными, более привлекательными, более внятными с точки зрения языка коммуникаций. Здесь без дизайнера никак не обойтись. Мы активно приглашаем внешних специалистов в свои проектные группы. Например, мы провели выставку «Зарядье. Из прошлого в будущее» - открыли ее накануне подведения итогов конкурса на парк у стен Кремля. Для нас было очень важно, сделать ее тогда, когда все обсуждают, что же будет с Зарядьем? Пока готовились, провели исследования, и выяснили, что половина людей просто не понимает, где оно, это Зарядье? Так что выставка оказалась очень актуальной. Она посвящена истории Зарядья на протяжении пяти веков. Экспозиция построена на основе предметов
из наших фондов, на основе археологических раскопок, проводимых там. Так вот, эту выставку мы делали с молодыми архитекторами, которые дали новое звучание старому пространству: Тамара Мурадова, выпускница STRELKA, Юлия Андрейченко, выпускница школы МАРШ. Она же сделала великолепный мультфильм, посвященный истории Зарядья. Весь зал стал саунд-инсталляцией - мы «озвучили» выставку голосами разных эпох: леса, животных, шумом торговли и дорог. Были придуманы три интерактивные зоны – археологический раскоп для детей, арифметическая школа (которая впервые появилась именно в Зарядье) со старинными задачниками, букварями, по которым можно тут же поучиться, и голосование за будущий музей Зарядья. С посетителями музея мы проводим
игру-опрос на тему, какой музей вы хотели бы видеть в Зарядье? Ответы получаем разные: от галереи современного искусства до исторического музея. Скоро подведем итог народного голосования и опубликуем результаты.
Параллельно открыли еще одну выставку - «Старые усадьбы новой Москвы». Саму выставку мы готовили очень давно, а ближе к реализации решили пригласить партнеров: Центр капитализации наследия. И получилась не только наша фиксация уходящих усадеб, зачастую просто руин, а – инновационный проект. Потому что партнерам мы предложили рассчитать модели развития, реальные возможности старых московских усадеб. Надо было рассмотреть каждый случай в отдельности, что могло бы быть в них теперь: лагерь, музей, библиотека, туристический центр? В итоге в рамках выставки было представлено 10 вполне конкретных предложений по восстановлению памятников. Усадьбы умирают, и это очень жаль, но можно еще что-то предпринять, особенно если объединиться.
Музей может быть немного больше, чем музей!

Адрес : Зубовский бульвар, дом 2.

◄В галерее «Триумф» - Руслан Караблин «Traficante»

Художник и дизайнер Руслан Караблин, американец украинского происхождения, создатель знаменитых брендов уличной одежды SSUR (в 1990-х он выпустил принт обезьяны Корнелиуса в образе Че Гевары, который стал невероятно популярен и, как известно, разошелся огромными тиражами) показывает в Москве свою первую выставку. Теперь он живет в Лос - Анджелесе, куда переехал из Нью-Йорка 4 года назад. «Я вырос в Нью-Йорке,- говорит Руслан Караблин, куда мы переехали из Одессы в 1974 году с мамой. Этот московский проект «Traficante» – чисто художественный, не дизайнерский. Я бы сказал, интернациональный проект, без украинского акцента. С Украиной у меня пока нет контакта». Проект состоит из двух частей. В верхнем этаже галереи представлена исключительно живопись: холст; акрилл, всего десять работ. В нижнем этаже – шелкография. Тему проекта сам художник определяет так: «наркотики без гламура», наркотики без романтической ауры без иллюзий. Руслан Караблин – против наркотиков. Он рассказывает, как несколько лет назад ему попало полицейское досье о мексиканской мафии «ЛаЭме», влиятельнейшей наркомафии в Европе и Штатах. Именно тогда, знакомство с этими материалами стало причиной появления серии. Живописные работы сделаны с фотографий, которые художник купил у одного мексиканского журналиста. «Все фото сделаны с натуры, - говорит художник. Сюжеты про кокаин взяты из жизни мексиканских наркокартелей, которые убивают друга без морали, без чувства, без жалости. В этом нет ничего романтического и даже ничего детективного». Жутковатые, кровавые композиции, написанные яркими акриловыми красками на традиционном для живописи холсте все же реализм, все же не капиталистический реализм. Живопись Руслана Караблина ближе нео- поп-арту. Да и среди его художественных предпочтений - Энди Уорхолл, Джефф Кунса, Баския.

По 26 января.
Адрес: ул. Ильинка, дом 3/8, строение 5.

◄В «Ударнике» - Дмитрий Каварга и Александр Соколов Эти две выставки открылись аккурат накануне Нового года, в предпраздничной суете, между корпоративных вечеринок. Однако, есть еще целый месяц, чтобы прийти в «Ударник» и внимательно рассмотреть две экспозиции этих двух интереснейших скульпторов.

Известный московский художник Дмитрий Каварга показывает проект под названием «На самом дне черные окуни», работы последних лет. Второй скульптор, Александр Соколов, (1941–2009), представлен произведениями из коллекции Шалвы Бреуса. Александр Соколов принадлежит к поколению гениев, художников-восьмидесятников таких как Борис Орлов, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Александрович Пригов. Увы, его объекты, реди-мейды, скульптуры-машины из дерева, камня, металла, не так широко известны, как произведения, например, Орлова или Пригова. И эта выставка должна стать новым открытием художника.
Экспозиция Дмитрия Каварги, нашего главного техногения, представлена в цокольном этаже «Ударника», наводнившего его как написано в пресс-релизе, «оболочками психофизиологических фантазмов с признаками физического существования». Новая экспозиция «На самом дне чёрные окуни» - масштабный проект, разросшийся из уже известного : «Каварга.Конец света.2012». Экспозиция цокольного этажа как бы намекает своим разрастанием, что абсолютный конец еще так и не наступил и всё продолжается, «В свободных от тотальной многоскульптурной инсталляции анфиладах цокольного этажа я разместил сразу три технологически сложных интерактивных объекта: «Мыслепоток 5», «Путь.Имитация» и «Наблюдатель сложности» из проекта «Оболочки смысловых конструкций», - говорит художник. Десяток монохромных ремейков старых живописных работ из проекта «Уроборос», двухметровое фото «Диффундирование формообразований» и новое пятиметровое рельефное панно расположились по стенам».
Такой концентрации различных медиажанров в одном экспозиционном пространстве художнику достигать ещё не удавалось. В этом синтезе заключена одна из главных интриг выставки Дмитрия Каварги. Так что не поленитесь, посмотрите.

До 28 февраля.
Адрес: ул. Серафимовича, дом 2.

◄В галерее А3 – Инна Энтина «В Рождество все немного волхвы…»

Художница Инна Энтина, выпускница Полиграфического института, умершая накануне своего пятидесятилетия в 2012 году, представлена в арбатской галерее графическим проектом «В Рождество все немного волхвы».
Предложение сделать выставку на рождественскую тему исходило от арт-директора галереи Андрея Волкова. Идея выставки принадлежала Наталье Смолянской, сокуратором выставки стала Мария Лукьянцева. Первоначально в списке было 70 графических работ художницы, который в процессе подготовки сократился до шестидесяти. Разнообразнейшие техники: ксилография на тонкой рисовой бумаге, линогравюра, литография, офорт, акватинта, сухая игла, плюс множество смешанных техник, с которыми экспериментировала художница, удачно сочетаются здесь с рисунками, гуашами и акварелями. Временной отрезок представленных произведений также очень широкий: от 80-х годов прошлого века до нулевых нынешнего.
Библейский цикл Инны Энтиной подбирали к Рождеству. Однако же, это был лейтмотив ее творчества. Она начинала с этой темы и ею же закончила. Инна Энтина иллюстрировала не только Пятикнижие. Иаков, борющийся с Богом, Иосиф и жена Потифара, Сусанна и старцы, прекрасная Руфь, Фамарь и Иуда – к этим сюжетам она возвращалась по нескольку раз. Кроме иллюстраций к Библии на выставке – иллюстрации к Томасу Ману, которого она очень любила. Как наследница ВХУТЕМАСа, ученица Лиона, последовательница Фаворского и Бисти, Инна Энтина вдохновлялась Библией прежде всего как текстом, культорологически, считая ее неиссякаемым источником вдохновения. И как говорят друзья, художницы вовсе не была религиозным человеком. Но нам не дано знать, за что и как будет нас судить Господь и что и за что нам простится.
Скоро будет выпущен каталог Инны Энтиной. Акция по сбору средств на его издание продолжается на сайте планета.ру. Всю информацию можно узнать также на нашем сайте.

По 27 февраля.
Адрес: Староконюшенный переулок., дом 39.

◄В Московском музее современного искусства в Ермолаевском пер. – Михаил Гробман, «4 выставки».

Если вы по каким-то причинам не успели прийти в Московский музей современного искусства на ретроспективу художника Михаила Гробмана, то у вас есть шанс – еще неделя. Михаил Гробман лет сорок назад был значимой фигурой московского андеграунда. Переехав в Израиль в 1971 году, он и там стал возмутителем спокойствия.
Последняя московская выставка Михаила Гробмана проходила на Петровке в рамках одной из первых Московских биеннале современного искусства и была не так велика, как нынешняя. «Тут, разумеется больше пространства, - говорит Михаил Гробман, четыре части, четыре этажа. По замыслу куратора здесь получилось четыре полноценные выставки. Хотя хронология в проекте присутствует, на самом деле это не совсем ретроспектива. Все мои работы невозможно было показать. Да и принцип показывать как можно больше, я считаю неправильным, ошибочным принципом, по которому действуют многие художники. Надо все-таки жалеть зрителя. Жалеть его во всех планах, по всем пунктам. Человек не может бесконечно переходить от одной работы к другой. Наши силы ограничены. Так что начинать осмотр можно с любого места, с любого этажа, кто как захочет». Почти триста работ представляют разные периоды и жанры художника Михаила Гробмана, художника Москве вроде бы известного, но, как оказывается, не совсем известного. Когда-то нонконформист, последователь Малевича и супрематистов, он нынче – художник сугубо национальный, представитель нового современного еврейского искусства., что особенно наглядно в последней части проекта, названной куратором Лелей Кантор-Казовской «Гробман: после искусства»…

По 26 февраля.
Адрес: Ермолаевский пер., дом 17.

◄В ЦВЗ «Манеж» - Евгений Гранильщиков «Что-то будет потеряно»
Проект молодого художника, выпускника Школы им. А. Родченко и лауреата Премии Кандинского (2013), представляют в Манеже галерея «Триумф» и Музей экранной культуры «МедиаАртЛаб». «Проект называется «Что-то будет потеряно». И речь здесь идет о некой дуальности, о проблеме интерпретации, о проблеме языка, - говорит художник. Часто невозможно понять друг друга адекватно. Определенные работы моего проекта буквально с этим связаны. Работа «Письмо», например, в которой люди читают один и тот же текст, но понимают его по-разному».
«Что-то будет потеряно» - проект о сбое в понимании, о сбое в содержании, о надломе, который переводит наше внимание в иную плоскость. Нам всегда чего-то не хватает, что-то всегда будет потеряно. Евгений Гранильщиков показывает в Манеже не только видео. Здесь есть звуковая инсталляция, объекты, фотографии в различные комбинации того и другого. Игра и интрига между этими медиальными основами, между изображением и звуком происходит непрерывно. «В общем и целом здесь речь идет о кино, - говорит художник. Но настолько же здесь идет речь и о каких-то социальных вещах, социальных травмах. Тут - сплошные переотражения». Социальные фобии и сложности коммуникации это не только проблемы молодых и красивых. Это проблемы вечные и всевозрастные. Могут ли совпасть стрелки старых сломанных и часов и часов новых, отсчитывающих точное время? Именно это и пытается сделать человек в видеинсталляции « Часы»…
На самом же деле, проект Евгения Гранильщикова , несмотря на заявленные проблемы оставляет ощущение свежести, молодости, радости. «Что-то будет потеряно», но позже, как это обычно и случается.

По 7 февраля.
Адрес: Манежная площадь, дом 1.